artisti in vetrina

L'ampia gamma dell'attività di Masaki Hirokawa comprende: progettazione grafica, sviluppo di app per smartphone, produzione di film interattivi e sviluppo di siti web. Scrivono anche articoli tecnici sulla grafica per riviste di graphic design e libri di consultazione. Nato a Toyama, Giappone nel 1981. Ha iniziato il web design e la programmazione di auto-studio nel 1997 all'età di 16 anni. Masaki è andato a Tokyo per lavorare come web designer/ operatore DTP nel 1999. Coinvolto nello sviluppo di sistemi mission-critical come ingegnere di sistema/ programmatore nel 2002 all'età di 21 anni. Passato a lavorare come libero professionista, lavorando su web design, programmazione, graphic design, e la produzione di film interattivi in 2005. Ha vinto il Gran Premio per la Competizione MTV SO-ZO "la Categoria di Screensaver di Ragnatela" nel 2006. Autore di numerosi libri di riferimento, nel 2008 ha inviato lavori a riviste di grafica. Coinvolto nello sviluppo di più videogiochi come artista tecnico in 2011. Masaki è diventato indipendente nell'avviare un'attività di app per smartphone in 2013. Infine, ha sviluppato un app che è stata scaricata più di 20 milioni di volte ed è ancora in uso da più di 3 milioni di utenti in tutto il mondo. Tornato a creare grafica, e partecipando a mostre in Italia, Spagna, Regno Unito, Grecia, e più in 2019, è stato premiato con il "ARTIST OF THE YEAR 2021" da ITSLIQUID Group nel 2022. Continua a creare grafica durante la gestione di applicazioni per smartphone. 

INTERVISTA con Masaki Hirokawa

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Masaki Hirokawa, che ha partecipato durante 3 eventi di RenovArt | 100 Artisti per il Futuro in Matera alla Galleria Spazio Opera alla sede della Lega Navale Italiana con i suoi lavori: "A Regenerated World", "The Justice of Equality", "Kuan Yin Bodhisattva", "Karma", "Avatar" e "Distance"

Carmela Loiacono - Gentilmente potresti presentarti e parlare della tua arte?

Masaki Hirokawa - Entrambi i miei nonni erano Miya-Daiku (falegnami del santuario), che sono stati assunti per costruire santuari e templi. Mia madre aveva una discendenza artistica. Essendo cresciuto con l'amore adorante dei miei nonni, ho iniziato a progettare la notte della veglia di mio nonno, quando avevo 16 anni. Da allora, nel corso di 25 anni, sono rimasto fermamente su questa strada.

Le mie ragioni per scegliere questa famiglia come mia casa risiedono nei due temi della mia anima-"l'armonia delle entità reciproche che, a prima vista, sono in conflitto," e "la coalescenza di tutti gli attributi e sensi dei valori"-così come i concetti di "uguaglianza" e "indiscriminazione," che sono spesso menzionati come le tesi della mia opera d'arte.

Ora, tuttavia, avendo imparato così tanto dalla "multipolarizzazione", che si trova oltre le prove e le prove prodotte dalla polarità, ciò che posso sollevare come nuovi temi sono transizioni senza soluzione di continuità tra più dimensioni, l'interspersione e la dispersione della coscienza, e il cuore indiscriminato dell'amore.

In questo mondo nascono molti Buddha e Gautamas, e mentre è un'epoca tumultuosa in cui viviamo, mi sento benedetto di essere nato in un tempo così pieno di molti insegnanti e apprendimenti.

Nel processo della mia vita, c'è l'arte, e nel processo di creazione dell'arte, esiste un microcosmo di vita. Un metodo per ricevere intuitivamente i segnali dell'anima è creare, e ogni avvenimento del destino o del caso che viene generato da tale creazione è, per me, un tesoro amato.

C. L. - So che hai una serie di attività che includono la progettazione grafica, lo sviluppo di app per smartphone, la produzione di film interattivi e lo sviluppo di siti web e lo scrittore per riviste e libri di riferimento. Per favore, facci sapere come combini tutte queste attività con la tua arte?

M. H. - Dall'età di 21 sono stato coinvolto nello sviluppo di sistemi di base come ingegnere di sistema, e anche ora ho continuato con la mia attività personale nello sviluppo di applicazioni per smartphone- un settore che non consente errori o fallimenti- per 10 anni. Non importa quanto mi sforzi di fare un lavoro preciso e accurato, circa lo 0,05% degli utenti sarà influenzato da crash di sistema, e in quel numero esiguo e insignificante, sperimenta l'inconfondibile distanza che esiste tra la verità e l'umanità, e sono costantemente afflitti da sentimenti di vergogna e disonore.

La dimensione cumulativa del file di un'opera d'arte grafica è paragonabile a quella di un cortometraggio, un lavoro di costruzione e gestione che copre diverse centinaia di strati. I regolamenti e le classificazioni che regolano la denominazione di ogni strato sono conformi ai metodi di strutturazione appresi dalla mia esperienza nello sviluppo di sistemi, e a volte, posso utilizzare bug software per espandere alcune funzionalità (in linguaggio di programmazione, questi sono chiamati "hack", mentre in altri momenti, possono anche essere chiamati forme di "magia nera").

Inoltre, per cortesia o modi nei confronti del fotografo o del modello, uso il metodo di elaborazione o modifica non distruttiva, che mantiene il contenuto originale nella sua interezza. Di conseguenza, mi porta a eseguire così tanti perplessi, puzzle-come piccoli aggiustamenti che comincio a dimenticare se sto arrivando o andando. La possibilità di invertire qualsiasi modifica è un vero vantaggio dei media digitali, ma è allo stesso tempo anche uno svantaggio. Ho deciso di usare questo come un vantaggio invece, e ho scelto uno stile di rimanere risolutamente stupido durante tutto il processo. Sono certo di poter rendere le cose ancora più complicate.

Intrinsecamente, la mia natura è completamente opposta allo stile logico, strettamente regolato e disciplinato e menzionato in precedenza. Per questi ultimi 25 anni, ho vissuto uno stile di vita che era severamente legato e trattenuto. Tuttavia, nel processo di prendere deviazioni, ho incontrato molti benefattori e specialisti, ognuno dei quali era maestro nel loro particolare campo e sotto il quale ho imparato. Sono quello che sono oggi grazie a loro. Il tema del mio futuro è quello di superare il mio passato, tagliare i fili che controllano me stesso, e trovare un modo per stare su una nuova linea di partenza.

C. L. - Dove trovi ispirazione per le tue opere? 

M. H. - Spesso ricevo ispirazione dopo aver visitato una chiesa o un santuario. Inoltre, vengo anche visitato da immagini fresche quando cammino svelto per ottenere qualcosa da mangiare. Dopo aver completato un'opera d'arte, la guarderò oggettivamente, e in quel momento, capirò un aspetto del mondo, e comprenderò "l'umanità."

C. L. - Quando è il tuo momento preferito della giornata per creare?

M. H. - Spesso inizio a lavorare su un nuovo pezzo d'arte al mattino, quando la mia coscienza tangibile è ancora mezza addormentata, accelero il mio ritmo da circa mezzogiorno fino a sera, e di solito lo finisco di notte prima di andare a letto. Mi piace lavorare sull'arte grafica a qualsiasi ora, ma a tarda notte, quando è tranquillo e non c'è luce naturale, è il momento migliore per fare il lavoro meticoloso di regolare colori e toni, e mi piace particolarmente lavorare a quest'ora del giorno. Adoro anche quei momenti all'alba, quando l'aria è fresca e perfettamente chiara e tranquilla.

C. L. - L'arte ti aiuta in altri settori della tua vita? 

M. H. - Le preziose esperienze di vita diventano apprendimenti per se stessi, e quegli apprendimenti, attraverso l'espressione dell'arte, diventano realizzazioni per l'anima. I miei rapporti con le persone sono quasi sempre passati attraverso l'atto della creazione, e così, i miei primi passi in avanti come essere umano sono stati iniziati l'anno scorso, all'età di 40 anni. Nei momenti di confusione e sofferenza, l'arte è stata la bussola della mia vita, mi ha benedetto con molti meravigliosi incontri di fortuna e di felicità, e grazie all'arte, riesco ancora ad aggrapparmi alla vita in questo mondo. D'ora in poi, spero di continuare a essere coinvolto nell'espressione artistica, in modo da poter aiutare a fornire una guida ad altri che sono persi e che soffrono, proprio come ero io.

C. L. - Qual è lo scopo o l'obiettivo del tuo lavoro? 

M. H. - Credo che l'obiettivo della mia opera d'arte sia la "purificazione" del mondo. Sento che l'obiettivo a cui dovrei aspirare, così come questa mia vita, sono come il luccichio emesso dal calore. E credo che l'atto di esaurire fino all'ultimo grammo di energia mentre sarò in vita renderà la mia nascita un'impresa utile. Continuerò a ringraziare ogni giorno che respiro, e ad affrontare l'essenza del mio lavoro, chiaramente e semplicemente, ogni giorno, proprio come il battito del mio cuore pulsa come un orologio.

C. L. - Se pensi a te stesso, dove vedi andare la tua arte tra un paio d'anni?

M. H. - Dalla fine del 2019 ho iniziato a produrre arte grafica, riuscendo a raschiare mentre trovavo il tempo tra il mio lavoro regolare. Il fatto è, tuttavia, che sono riuscito a dedicare solo meno di due anni alla produzione di arte grafica, e non sono certo di aver finito la semplice fase di riscaldamento di una tale carriera.

Quello di cui sono certo, tuttavia, è che sia il mio lavoro che io stesso esistiamo come uno specchio tenuto in questo mondo, e entro due o tre anni, dovrebbe diventare più luminoso e più colorato.

Anche se la mia opera d'arte alla fine perderà il loro maestro, prego, con tutto il cuore, che le tracce della mia esistenza metteranno tranquillamente radici in questa terra, e i piccoli frammenti di me stesso voleranno via verso quel grande cielo espansivo.

MOSTRE e PREMI

Ha tenuto tre mostre distinte a Trondheim 

Mostra digitale "Hysterica" 19/30nov-2021 e "Visceral "28giugno-4.luglio 2022 presso la galleria d'arte M.A.D.S con sede a Milano & Fuerteventura 

Mostra estiva 18/19 -25/26 giugno 2022 presso la Galleria Q di Bratsberg

"Borderless" 6/9 agosto 2022 presso la Verse Gallery di Oslo e nello stesso periodo Manila Phillipines a cura del centro culturale norvegese. 

Ha inoltre partecipato al più grande evento EARTH day del 2022 -TOMATZIN - Un appello per la madre terra.

Premio Internazionale Caravaggio Maestro d'arte 20 aprile 2002 per il dipinto "Il sale della Terra" al Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia di Milano di Francesco Russo.

Surrealtà 5/21 ott. a cura della Galleria Arteom 

ART SHOPPING Caroussel de Louvre 21/23 ott 2022 Rappresentato da Artio Gallery e Francesco Saverio Russo.

Intercoming Lines Mostra collettiva 4/6 nov 2022 al Museo Europeo d'Arte Moderna di Barcellona a cura della Galleria Artio 

Premio Internazionale Barcellona con il dipinto Good Karma nel Museo d'Arte Moderna 19,n0v 2022 di Francesco Saverio Russo

Il miglior artista moderno e contemporaneo Premio Londra con il dipinto "Fairytale Forest "7. dic 2022 nella "Asylum Chapel" di Londra

Premio Collectors Choice 20 Global Talents 2022 pubblicato sulla rivista Artour International.

RenovArt | 100 Artisti per il Futuro: 3-30 novembre 2022 presso Lega Navale Matera; 05 dicembre 2022 - 03 gennaio 2023 presso la Galleria Spazio Opera in Matera.

Libri

Puoi trovare i suoi lavori su European Art Guide 2022 curata da Gina Cinnamoni 

Prossimi Libri

Artista di oggi e di domani 3 a cura di Monica Ferrarini 

Antologia V1 a cura di Guto Ajayu Cultura

Dichiarazione dell'artista

"L'arte consiste nel condividere il proprio mondo magico e lasciare che le persone ne facciano parte. L'arte unisce le persone e regala loro un respiro, un momento di quiete poetica.

Il mondo ha bisogno dell'arte".

INTERVISTA con Camilla Fransrud

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Camilla Fransrud, che ha partecipato ai due eventi di RenovArt | 100 Artisti per il Futuro, dal 03 al 30 novembre 2022 a Matera, presso la sede della Lega Navale Matera e dal 05 dicembre 2022 al 03 gennaio 2023, presso la Galleria Spazio Opera con le opere: "Stillness of the storm" e "You excist in the light". Inoltre, ha partecipato alla mostra Shapes of Nature, dal 1 al 30 giugno 2023, presso la Galleria Spazio Opera a Matera con le opere "New Dawn" e "The Forgotten Land".

Carmela Loiacono - Potresti presentarti e raccontarci come hai iniziato a lavorare nel settore dell'arte?

Camilla Fransrud - Salve, mi chiamo Camilla Fransrud. Sono pittrice e fotografa contemporanea, autodidatta in entrambe le arti e vivo a Trondheim.

Il sogno di essere un'artista è nato durante le lezioni di arte al liceo. Avevamo un insegnante d'arte molto bravo.

Era un artista visivo e scultore islandese, si chiamava Erlingur Jonsson ed era una grande fonte di ispirazione per me, pieno di vita e di conoscenza. Voleva che perseguissi il mio sogno di diventare un artista.

Ma mi ci sono voluti molti anni prima di trovare il coraggio di mostrare la mia arte. Ho fatto la mia prima mostra come pittrice al Mercato d'Autunno del Culture Tribune di Trondheim 2019. Da lì ho iniziato il mio viaggio nell'arte.

C. L. - Fin dall'infanzia hai avuto una passione profonda e unica per la fotografia? Potresti parlarci di questa passione e di come hai scoperto la tua passione per la pittura?

C. F. - Dal momento in cui ho tenuto per la prima volta la mia macchina fotografica tra le mani, è nata una connessione e una storia d'amore istantanea.

Ho guardato attraverso la lente della macchina fotografica e questo ha cambiato il mio modo di vedere il mondo. Quando fotografavo sentivo di poter riempire i vuoti del silenzio raccontando una storia senza usare le parole.

Dietro la macchina fotografica si è liberi e per me è uno stato d'animo, un senso della vita e un luogo in cui si può essere se stessi e basta. L'arte e la fotografia sono molto simili, si tratta di raccontare una storia, di condividere un sentimento, di far entrare le persone in contatto con l'arte e di farle riflettere, di condividere la poesia senza usare le parole!

La mia passione per la pittura è nata attraverso l'obiettivo della macchina fotografica... Ho sempre disegnato e volevo catturare su tela ciò che vedevo attraverso l'obiettivo della macchina fotografica.

A casa mia avevo un piccolo studio dove disegnavo con i miei figli quando erano piccoli. Insieme raccontavamo storie attraverso l'arte. La pittura è un luogo in cui posso allontanarmi nel mio tempo libero. Il mio amore per la pittura è sempre stato presente, ma mi ci sono voluti molti anni per condividere questa passione con il mondo.

C. L. - Da dove vieni e come influisce sul tuo lavoro?

C. F. - Vengo da una classe media, sono nato a Oslo, la capitale della Norvegia. Mi sono trasferita a Trondheim intorno ai vent'anni.

Sono una ragazza di città che ama la vita urbana, le strade affollate, i caffè, gli spettacoli teatrali, le mostre nei musei, l'opera, i concerti, ma sono anche cresciuta in un piccolo cottage in riva al mare, in un luogo chiamato Hvasser e qui ho trovato un luogo di conforto. Il paesaggio è così bello. Quindi penso che quando prendo il meglio di questi due ambienti, ecco che ho una scintilla per combinare insieme i due mondi. Cerco di creare la bellezza della vita intorno a me e di apprezzare la calma del mare.

C. L. - Cosa vuoi che la tua arte trasmetta alle persone che la vedono?

C. F. - Desidero che la mia arte evochi un senso di poesia, di serenità e di calma in questo mondo frenetico. Mi piace quando la pittura parla a chi la guarda e crea un legame personale con l'opera d'arte. Spero che possano percepire la storia che sto raccontando attraverso la mia arte e che io possa regalare loro un momento di quiete poetica e un luogo per respirare.

C. L. - Qual è il significato o la motivazione creativa del tuo lavoro?

C. F. - L'arte è condivisione di sogni e l'arte unisce persone di comunità diverse e forma un linguaggio che tutti possono capire. Spero che il mio lavoro faccia sì che le persone di tutto il mondo comunichino e si conoscano più facilmente, questa è la mia motivazione e voglio anche condividere che l'arte è importante! Rende la vita migliore.

C. L. - Puoi parlarci del processo di creazione delle tue opere? Qual è la tua tipica routine di lavoro?

C. F. - Le mie giornate iniziano sempre con una buona tazza di caffè la mattina presto. E poi una passeggiata con il mio cocker spaniel. Durante queste passeggiate mattutine percepisco la luce, i colori mutevoli e la natura mi dà le idee per creare la tela bianca.

Quando torno a casa, mescolo i colori, faccio degli schizzi e cerco di fissare quella sensazione sulla carta. Ma le mie idee possono nascere anche dalla poesia, da un film o da un buon libro. Ho realizzato il grande dipinto Polvere di stelle partendo da una bella tazza nella vetrina di un negozio, mi piacevano molto i colori e la forma della tazza. Dipingo tutti i giorni.

C. L. - Qual è il momento o il giorno o la settimana in cui ritieni di essere più proficua?

C. F. - Penso che il mio momento più proficuo sia a mezzogiorno, con i periodi più lunghi di luce statica, e anche in tarda serata, per la calma e l'immobilità della notte. I giorni feriali sono i miei giorni più produttivi. 

C. L. - Dove trovi l'ispirazione per le tue opere? E cosa ti spinge a creare?

C. F. - Trovo ispirazione nella vita di tutti i giorni, dalla forma di una tazza, dalla natura e dai colori tenui e nebbiosi quando piove. Una delle mie ispirazioni l'ho avuta assistendo a un concerto di Natale.

La mia motivazione a creare è l'urgenza di creare sempre, è essenziale per me, senza di essa perirei.

Voglio solo che lo spettatore veda in che mondo meraviglioso viviamo e attraverso la mia arte spero di poter creare uno spazio in cui lo spettatore possa soffermarsi.

C. L. - Qual è l'esperienza con le mostre di RenovArt | 100 per il futuro? 

Devo dire che sono molto onorata e grata di far parte di un progetto come questo.

Ho esposto due quadri nella mostra ospitata da ApuliaAste a Matera, Italia, e tu, Carmela Loiacono,  hai reso questa esperienza bellissima. Sei così dedita e genuinamente interessata a te come artista. Non ho potuto partecipare alla mostra, ma tu mi ha inviato video e foto, così ho sentito di essere presente durante la mostra. Grazie per avermi dato l'opportunità di far parte di RenovArt | 100 artisti per il futuro.

L'ideologia culturale tradizionale cinese, il confucianesimo, il taoismo e il buddismo puntano tutti allo stesso obiettivo: rimanere connessi alla natura, raggiungere una mente trascendente senza essere stimolati dalla realtà ambientale. Gli artisti cinesi, nel corso della storia, tendono a considerare essenziale che le opere d'arte esprimano lo "spirito" o il "ritmo". L'artista in grado di esprimere lo "spirito interiore" dei soggetti che dipinge è tenuto in grande considerazione.

L'ampia gamma di dipinti a pennello di Pu Wei contiene gli ideali estetici espressi dal pensiero artistico orientale e dalle arti astratte occidentali. I suoi dipinti a pennello trasmettono l'essenza dell'etica dell'arte tradizionale cinese, che enfatizza la "somiglianza nella somiglianza". Pu Wei ha fuso nelle sue opere gli stili impressionisti e astratti occidentali, chiamati "stile dell'immaginazione", che rivelano le illusioni della realtà visibile o del mondo vuoto invisibile. 

Il contributo unico di Pu Wei nella pittura a pennello risiede nella scelta di una preferenza estetica che è profondamente radicata nelle principali filosofie tradizionali cinesi. L'ideale estetico promosso dall'arte è quello di far emergere lo "spirito interiore" o la "vitalità" del soggetto che gli artisti stanno ritraendo. Pu Wei dipinge con un forte senso di modernità e avanguardia. I suoi dipinti, densi e pesanti nei colori, trasmettono il significato profondo della vita e la vitalità.

INTERVISTA con Pu Wei

Carmela Loiacono dialoga con Pu Wei, che ha partecipato durante tre mostre di RenovArt | 100 Artisti per il Futuro: l'evento itinerante Flowing Identities presso la Lega Navale Italiana (1-22 Marzo 2023) e presso la Galleria Spazio Opera a Matera (12-26 Aprile 2023) con la sua opera: "The universe was born out of chaos";  durante la mostra Panta Rhei presso la Lega Navale Italiana (8-26 Maggio 2023) e Shapes of Nature presso Galleria Spazio opera con la sua opera: "Void Realm Series-2". 

Carmela Loiacono - Puoi presentarti e raccontarci come hai iniziato a occuparti di arte?

Pu Wei - Sono Pu Wei, un artista che vive nella città di Kunming, nella provincia dello Yunnan, in Cina. Sono una pittrice autodidatta. Mi sono laureata in tecnologia dell'educazione e di professione sono redattrice per la televisione educativa. Ho iniziato a interessarmi alla pittura all'età di tre anni. Mi ci sono voluti più di 20 anni per completare la mia crescita personale e padroneggiare con competenza le abilità della pittura tradizionale cinese, formando così un concetto estetico molto personale. Nel 2013 ho utilizzato il metodo mentale della Grande Perfezione (Dzogchen) della Scuola Nyingma del Buddismo Tibetano in Cina per dipingere e ho creato un nuovo stile di espressione artistica della pittura cinese - Il colore di Surupa, che deriva dal nome di Surupakaya Tathagata, che significa colori straordinari e fantastici. Il colore di Surupa è un nuovo tipo di pittura cinese che affonda le sue radici nella filosofia orientale e nella cultura cinese e che spinge l'arte dell'immaginazione mentale cinese a una dimensione e a un livello superiori.

C. L. - Qual è il tuo background?

P. W. - Dal 2018 ho iniziato la mia carriera artistica internazionale. Nell'aprile 2018 ho partecipato per la prima volta all'Artexpo di New York. Nell'agosto 2018 ho partecipato alla Summer Fine Art Exhibition di Londra, nel Regno Unito. La mia opera "Between Heaven and Earth" è stata selezionata come poster della mostra, che è stata esposta nei media d'arte londinesi ed è stata riportata dalla China Xinhua News Agency (CNC WORLD) e dalla China Education TV (CETV). Nel dicembre 2018 ho partecipato al Salon des beaux arts di Parigi, in Francia, e la mia opera "Golden Land" è stata esposta nel Carrousel del Museo del Louvre. Negli anni successivi ho partecipato a molte mostre d'arte internazionali a Parigi, Londra, Strasburgo, New York, San Diego, Miami, Tokyo, Dubai, Italia, Spagna, Portogallo, Svizzera e altri luoghi e ho vinto molti importanti premi d'arte internazionali. Sono stato segnalato da influenti siti web, riviste e giornali d'arte cinesi, televisioni, notiziari mondiali della CNC. Grazie a mostre d'arte internazionali, premi, pubblicazioni, interviste e altri eventi artistici, molte persone conoscono le mie opere e le apprezzano, considerano le mie opere come i loro totem spirituali e la loro collocazione nell'anima e le collezionano.

C. L. - Da dove vieni e come influisce sul tuo lavoro?

P. W. - Vengo dalla Cina. Fin da quando ero studente, ho letto molti libri sulla filosofia orientale e sulla cultura cinese e ho appreso conoscenze sulla mente, sullo spirito e sulla coscienza. Questo ha influenzato profondamente le mie idee di creazione artistica. La cultura tradizionale cinese sostiene l'idea di "armonia tra l'uomo e la natura", che è lo stato ideale di coesistenza armoniosa tra l'uomo e la natura, e anche lo spirito artistico di migliaia di anni di pittura cinese. L'universo, la natura e la vita sono intrinsecamente legati e obbediscono a leggi universali comuni. Per esempio: Luce, Pace, Armonia, Calore, Calma, Gioia, Rilassamento, Felicità, Purezza, Libertà, ecc. Queste sensazioni sono frequenze, sono vibrazioni, sono tutte energie "d'amore". Finché risuoneremo con la frequenza dell'universo e vivremo in armonia con la natura, otterremo una potente energia dell'universo. L'ideologia culturale tradizionale cinese, il confucianesimo, il taoismo e il buddismo hanno influenzato notevolmente le preferenze estetiche degli artisti cinesi. Coltivare il cuore (focus del Confucianesimo), Essere fermi e vivere in bilico (focus del Taoismo) e la meditazione del Buddismo puntano tutti allo stesso obiettivo: rimanere connessi con la natura, raggiungere una mente trascesa senza essere stimolati dall'ambiente reale. Gli artisti cinesi, nel corso della storia, tendono a considerare essenziale che le opere d'arte esprimano lo "spirito" o il "ritmo". L'artista con la capacità di esprimere lo "spirito interiore" dei soggetti che dipinge è tenuto in grande considerazione. I miei dipinti contengono gli ideali estetici espressi dal pensiero artistico orientale e dalle arti astratte occidentali, e trasmettono l'essenza dell'etica dell'arte tradizionale cinese, che enfatizza la "somiglianza nella somiglianza". Ho fuso nelle mie opere gli stili impressionisti e astratti occidentali, chiamati "lo stile dell'immaginazione", che rivela le illusioni della realtà visibile o del mondo vuoto invisibile. Attraverso le mie opere, gli spettatori possono vedere la bellezza equilibrata della fusione dell'estetica artistica orientale e occidentale.

C. L. - Dove trovi l'ispirazione?

P. W. - Sono una creatrice d'arte originale e puramente naturale. Le mie idee e i miei metodi artistici provengono dalla coscienza più primitiva e dall'ispirazione dei sogni. Ho ottenuto la conoscenza del Dharma della Grande Perfezione attraverso i sogni. La trasmissione del Dharma nei sogni è una delle modalità di eredità del Dharma della Grande Perfezione della Scuola Nyingma del Buddhismo Tibetano. È una via molto ortodossa e indiscutibile, che mostra un'origine chiara e radici pulite. Sono il primo pittore ad applicare il metodo mentale della Grande Perfezione all'arte contemporanea. Il mio immaginario mentale è l'immagine di un regno vuoto di dimensioni superiori con informazioni ed energia straordinarie. Uso il metodo mentale della Grande Perfezione per entrare in meditazione, che apre la porta alla connessione con l'universo. Sento le luci e i colori a più alta frequenza e i profondi stati naturali, che sono l'energia dell'"amore" dell'universo. Credo che oltre alle visioni del mondo fisico che i nostri occhi possono vedere, ci sia anche lo stato naturale delle dimensioni superiori dello spazio invisibile che viene percepito con l'anima. Connettendomi con la natura, mi sono liberato dalle catene del mondo materiale reale e ho ottenuto la vera libertà dell'anima. Questa è un'esperienza di vita davvero perfetta e mi sento estremamente gioiosa e felice. Mi piacerebbe trasmettere queste energie d'amore dell'universo al pubblico attraverso i miei dipinti.

C. L. - Qual è il momento della giornata in cui preferisci creare?

P. W. - Non disegno tutti i giorni, ma solo quando ho impulso e passione. Di solito creo da mezzogiorno a sera, per oltre 8 ore. Sono sempre stato in uno stato di esplosione dell'ispirazione, catturando immagini mentali fugaci e dipingendo a un ritmo rapido. Durante questo periodo, entro in meditazione, sentendo lo spazio circostante fermo e il tempo che si ferma. La luce energetica superiore della Grande Perfezione - la luce dell'arcobaleno - riempie il mio spazio di coscienza, che costituisce il mio campo energetico di coscienza, cambia le proprietà fisiche della materia che mi circonda, facendo apparire alla mente fenomeni induttivi e miracoli soprannaturali. il mio cuore è come un contenitore pieno d'acqua, che contiene tutte le esperienze e le abilità passate, tutti i problemi della vita, le emozioni, i desideri, le faccende, ecc. Prima di iniziare a dipingere, devo svuotare tutta quest'acqua, in modo che il mio cuore sia come uno specchio pulito. In quel momento sono tornato allo stato di un neonato, morbido, puro e pulito. A poco a poco, nella mia mente sono apparsi vari punti luminosi, luci colorate, luci arcobaleno, luci illusorie, ombre e immagini. Queste cose sono frequenze o onde energetiche molto alte che entreranno in scena con le mie creazioni. In questo momento sono entrato in uno stato di vuoto e nella mia mente è apparsa un'immagine relativamente sfocata. Questa è la prima proiezione di immagini mentali. Poi, spruzzo a caso inchiostro e colore sulla carta di riso. Sotto l'azione del flusso dell'acqua, gli inchiostri e i colori si combinano, si mescolano, si sovrappongono, penetrano e producono gradienti in modo casuale. Si muovono liberamente, prendono forma automaticamente e presentano immagini mutevoli, naturali e misteriose sulla carta di riso. Questo processo di conversione delle immagini mentali in immagini su carta è la seconda proiezione delle immagini mentali. Durante tutto il processo, sono io il direttore d'orchestra del concerto, usando la mia coscienza per guidare l'acqua, l'inchiostro, il colore, la luce e l'ombra a suonare una sinfonia sulla carta di riso; in alcuni punti, userò i pennelli per intervenire e guidare manualmente. Ogni elemento del mezzo è libero di giocare con il proprio estro giocoso e la mia coscienza interagisce con loro. Sulla carta di riso appaiono automaticamente scene che non mi aspettavo, simili allo stato naturale dell'universo, della natura e della vita, comprese alcune immagini estremamente esoteriche. Quando il carnevale del concerto stava per finire, ho usato un pennello per fare l'elaborazione finale per migliorare alcuni dettagli per far sembrare l'immagine più artistica, raffinata e perfetta. Una volta completate, le immagini mentali possono continuare a essere ampliate. Aggiungo alcuni elementi umanistici, come simboli di totem spirituali, immagini con significati culturali, scenari naturali e oggetti, ecc. Si può dire che metà dei miei quadri di immagini mentali sono completati dalla spiritualità della vita soprannaturale. Queste immagini che appaiono automaticamente, ricche e complesse, credo siano strutture esoteriche che trasportano energie e informazioni che non conosciamo. L'immagine mentale può essere usata come sfondo per continuare ad espandersi, per aumentare il concetto creativo soggettivo dell'artista e la sua connotazione umanistica, e l'opera finale è una perfetta combinazione di energia naturale ed energia consapevole.

C. L. - Parlaci delle tue opere: "The universe was born out of chaos" e "Void Realm Series-2". Qual  è stata l'ispirazione che ti ha spinta a creare queste opere?

P. W - Il mio immaginario mentale è un'emersione casuale, occasionale, momentanea. Quando ho iniziato a disegnare, non riuscivo a capire cosa fosse. La mia pittura è un processo di esplorazione dell'ignoto, e non vedrò il risultato fino alla fine. Il mezzo pittorico che utilizzo è la carta di riso cinese molto sottile, assorbente e permeabile. La fluidità dell'acqua rende la resa dell'inchiostro e del colore incontrollabile. L'immagine sulla carta cambia continuamente e appare automaticamente di forma naturale e meravigliosa. In questo processo, l'intervento umano deve essere ridotto il più possibile, le tracce artificiali devono essere diluite. Queste immagini, che sono composte da elementi vaghi, sparsi, informi, senza contorni, vari punti di colore, ombre, sfumature, elementi chiari e scuri, si sono avvicinate alla scena vuota di dimensioni superiori. Questo è il più alto ideale estetico del Taoismo cinese che io perseguo: la Grande forma è senza forma. Una volta terminato il dipinto, corrisponderò allo scenario naturale in base all'immagine presentata e gli darò una proposta di facile comprensione. Ad esempio, "The universe was born out of chaos" è il nome di quest'opera, basato sulla scena che finalmente appare. Certamente, aggiungerò anche alcune connotazioni umanistiche per chiarire il tema. TLa serie Void Realm è una registrazione delle mie immagini mentali; queste immagini esoteriche dell'anima contengono informazioni naturali sconosciute provenienti da dimensioni elevate. Molte persone hanno trovato la risonanza dell'anima in queste immagini ad alta energia e considerano queste opere come il loro sostentamento spirituale e la loro destinazione animica. Le mie opere sono espressioni artistiche spirituali pure, appartenenti alla categoria metafisica della supremazia spirituale, e sono un mezzo artistico e un canale per aiutare le persone a migliorare il loro livello spirituale e a realizzare l'anima nobile. Lo spazio naturale visibile o invisibile è pieno di vitalità ed è la fonte di tutta l'energia, quindi i miei dipinti esprimono stati e scene naturali, energia e informazioni naturali, sentimenti e apparenze naturali, uso il potere e l'energia naturale permette alla natura di presentare la sua essenza, realizzando così il mio ideale estetico. Presento le mie immagini mentali di un certo tempo e spazio in cambiamenti casuali, lasciando che lo stato naturale appaia naturalmente. Queste immagini possono corrispondere a scene reali visibili o a scene invisibili del vuoto. Il pubblico può definire e percepire da solo. Voglio dare al pubblico la possibilità di immaginare liberamente. Questo è un mio ideale estetico molto importante, che consiste nel lasciare che io crei in uno stato naturale e che il pubblico pensi in uno stato naturale. In altre parole, se da un lato ottengo la libertà spirituale nel processo di pittura, dall'altro lascio che il pubblico ottenga la libertà di pensiero durante la visione.  Esprimendo la natura, torniamo all'essenza della natura umana ed entriamo nel libero regno dell'arte. In realtà, sono riluttante a dare un nome, perché una volta nominato, la dimensione della coscienza del dipinto cade immediatamente, quindi non è necessario. Voglio lasciare al pubblico la libertà di dare un nome. Non posso sottovalutare l'osservazione e l'apprezzamento artistico del pubblico. Il pubblico spesso vede più connotazioni di me. Quando leggono i miei dipinti, di solito vanno oltre le mie intenzioni originali. Sono molte le conclusioni e le interpretazioni che traggono dalla visione di un quadro. Penso che se un dipinto può trasportare più informazioni cognitive, significa che il dipinto ha un'energia più forte e una dimensione più elevata. Per questo giudico la qualità del mio lavoro in base alla capacità delle informazioni, un'opera con decine di interpretazioni è sicuramente migliore di un'opera con una sola risposta. In breve, l'essenza della mia creazione è: io sono libero, anche voi siete liberi, tutte le immagini e le interpretazioni sono naturali e casuali, tutto è impermanente.

C. L. - Il tuo stile è cambiato nel tempo?

P. W. - Sì, la mia tecnica è capricciosa, cambia con le mie immagini mentali, l'unica costante è il metodo mentale della Grande Perfezione. La Grande Perfezione è un sistema molto avanzato di meditazione sui livelli più profondi, sottili e fondanti della mente. "Mente" si riferisce all'attività mentale ininterrotta di impegnarsi cognitivamente con gli oggetti, descritta da un altro punto di vista come l'attività mentale di dare origine alle apparenze (ologrammi mentali). Per quanto riguarda il metodo mentale della Grande Perfezione, è difficile spiegarlo accuratamente a parole. Si tratta di un metodo molto sottile di proiezione e manifestazione di immagini mentali. Ho costruito un modello teorico per descrivere questo metodo mentale, che non è la sua essenza, ma solo una metafora superficiale: si tratta di uno spazio circolare olografico tridimensionale che rappresenta un universo infinito e senza confini. Il centro del cerchio è il mio cuore. Quando svuoto il mio cuore, tutto il mio essere si fonde con l'universo e il mio cuore risuona con l'universo alla stessa frequenza. In quel momento, questo spazio circolare diventa il mio spazio di coscienza. Il luogo vicino al centro del cerchio appartiene all'area visibile, mentre il luogo più lontano è lo spazio invisibile e infinito. I cerchi concentrici che si espandono passo dopo passo rappresentano la dimensione della coscienza da "immagine simile" a "immagine diversa". C'è una linea che si estende dall'area visibile allo spazio invisibile come una linea radar. Più lungo è il raggio di questa linea, più grande è lo spazio coperto, più informazioni ed energia contiene. L'"immagine non simile" ha un livello di coscienza molto più alto dell'"immagine simile", contiene informazioni più complesse e trasporta più energia, quindi non possiamo usare una certa informazione per denominare un'"immagine non simile". Ad esempio, i dipinti astratti sono difficili da nominare. Se la dimensione della coscienza aumenta ulteriormente, possiamo continuare a entrare nello spazio vuoto invisibile, dove è apparso il "senza forma". Questo è lo stato estetico più elevato rivelato dal Taoismo cinese: la grande forma è senza forma. Questo spazio circolare è pieno di luce arcobaleno, che è la luce energetica di livello superiore della Grande Perfezione della Scuola Nyingma del Buddismo tibetano, ed è luce invisibile. Quando utilizzo il metodo mentale della Grande Perfezione, mi trovo nel campo energetico della luce dell'arcobaleno. Man mano che la mia coscienza aumenta, dall'area visibile allo spazio invisibile, il mio cuore vuoto, come uno specchio, riflette l'immagine vuota di una dimensione superiore, questa è la proiezione delle immagini mentali. Secondo questo modello, la dimensione della coscienza deve essere potenziata affinché possiamo percepire aree che vanno dal visibile all'invisibile. Quando la mia dimensione cosciente raggiunge lo spazio invisibile, le tecniche a questo livello non sono più un problema, né sono importanti, posso utilizzare tutte le tecniche possibili ed esprimere tutte le immagini possibili. Di tanto in tanto, il contenuto dei miei dipinti avrà grandi fluttuazioni e salti, non voglio ripetermi e copiarmi, continuo a cambiare continuamente. Perché solo nel processo di cambiamento posso ottenere la gioia della creazione, e questo processo di cambiamento ha stimolato la mia grande curiosità e interesse per l'esplorazione. Mi ha fatto sperimentare la libertà e la liberazione dell'anima nell'impermanenza.

C. L. - Nel corso della tua carriera artistica hai partecipato a numerose mostre e hai ricevuto moltissimi premi, hai qualche novità in arrivo di cui dovrei essere informata?

P. W. - Mi sento molto onorato, ho partecipato a tante mostre internazionali e ricevuto tantissimi premi, sempre più persone hanno conosciuto “Il colore di Surupa” che viene dalla Cina. Come artista, ho sviluppato un nuovo metodo e percorso creativo utilizzando l'esclusivo mezzo tradizionale della pittura a inchiostro orientale, apportando fondamentalmente profondi cambiamenti nelle tecniche e nelle forme e creando un nuovo stile espressivo della pittura cinese. È un nuovo tipo di pittura cinese nata dal pensiero artistico orientale e dalla cultura cinese. È proprio per la forte forza spirituale e il sostegno ideologico culturale che ho intrapreso questo percorso di innovazione artistica. Anche se ho creato “Il colore di Surupa”, ma dalla mia esperienza lungo il percorso, sento che “Il colore di Surupa” ha la sua missione, e la sua nascita, crescita e sviluppo hanno i loro percorsi naturali, dove andrà nel futuro, cosa accadrà e chi incontrerà, non posso fissarlo soggettivamente, né può essere prevedibile. Lo seguirò con il cuore e lascerò che tutto ritorni alla sua natura naturale. Quindi non ho accordi o progetti particolari per il futuro. Al momento, di solito passo molto tempo ad apprendere la conoscenza della coscienza, dello spirito e della mente e a studiare le teorie del buddismo e del taoismo nella cultura tradizionale cinese. Occasionalmente parteciperò a mostre internazionali, pubblicherò opere, riassumerò i miei pensieri e metodi artistici, spero che più persone conoscano il mio nuovo stile pittorico, sentano l'energia dell'amore dall'universo e dalla natura e ottengano il potere della sublimazione dell'anima.

La scala delle sue tele è diventata più grande, con commissioni per alberghi e sale riunioni che si affiancano a quelle per ambienti più domestici.

Un cambiamento di direzione, unito al trasferimento in un nuovo studio con vista sul Plymouth Sound, ha portato al coinvolgimento con le barche e il mare. I lavori più recenti riflettono questo interesse e la Marine Art è ora una parte importante del portfolio di Julie.

Un tema recente, "Dove la terra incontra il mare", è stato esplorato in una serie di dipinti in acrilico che consentono di sperimentare, dare vivacità e impatto alle immagini fluide.

La navigazione del Mayflower da Plymouth all'America nel 1620 ha ispirato una mostra di dipinti, in cui ognuna delle quindici immagini si basa su una frase diversa del Diario del Capitano. Una mostra di questo progetto è stata allestita al Mayflower Museum di Plymouth da novembre 2019 a maggio 2022.

Dichiarazione dell'artista

"La mia arte si ispira alla nozione di inconscio collettivo, in particolare ai sentimenti universali di emozione e arricchimento che assorbiamo dal mondo naturale. Dipingo per nutrire la mia anima e mi sforzo di rappresentare la stessa reazione nello spettatore.

La natura, il tempo, l'alternarsi delle stagioni e l'eterno flusso e riflusso della vita nel nostro prezioso mondo sono le mie principali influenze.

Il mio lavoro è un mix eclettico di soggetti classici e contemporanei, e per la realizzazione delle opere più recenti utilizzo sia colori ad olio che acrilici.

Lavoro in uno studio che si affaccia sul Plymouth Sound, nel Devon, e l'assorbimento quotidiano dei cambiamenti del mare influenza la mia pratica artistica. La vivacità e l'energia della natura che si riflettono nel movimento e nelle tonalità del mare, in equilibrio con la costante ricarica di nuove crescite e cambiamenti nel mondo naturale, mi ricordano il passaggio del tempo e il nostro posto nel flusso e nel ritmo della vita.

La sperimentazione con gli acrilici ha sviluppato la passione di lasciare che siano le forme e i segni spontanei a dettare il soggetto all'interno di un particolare tema, conferendo a ogni opera una qualità unica ed espressiva."

INTERVISTA con Julie Hammonds

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Julie Hammonds, che participa durante sei mostre di RenovArt | 100 Artisti per il Futuro a Matera: il terzo presso la Lega Navale Italiana (03-30 Novembre 2023) e il quarto evento presso Galleria Spazio Opera (05 Dicembre  - 03 Gennaio 2023) con le sue opere: "The Breakwater Lighthouse" e "The Lighthouse"; l'evento itinerante Flowing Identities presso la Lega Navale Italiana (1-22 Marzo 2023) e presso la Galleria Spazio Opera (12-26 Aprile 2023) con le sue opere: "The Breakwater Lighthouse" e "The White Sentinel";  durante la mostra Panta Rhei presso la Lega Navale Italiana (8-26 Maggio 2023) con la sua opera: "The Divide"; durante la mostra Shapes of Nature presso la Galleria Spazio Opera con le opere: "The Divide" e "Fan Coral"; durante la mostra Inner Colors presso la Lega Navale Italiana (14 Settembre - 08 Ottobre 2023) con la sua opera "Fan Coral". 

Julie ha partecipato alla mostra collettiva Be Yourself - Be Contemporary, decimo evento del progetto RenovArt, presso la Lega Navale Italiana (8-28 Febbraio 2024) con le sue opere: "Fan Coral" e "The Tree". 

Carmela Loiacono - Puoi raccontarci il momento in cui hai deciso di intraprendere la carriera di artista?

Julie Hammonds - Fin da bambina sono sempre stata attratta dalla pittura, ma solo a 30 anni ho iniziato a prenderla sul serio.  Avevo realizzato il mio primo dipinto a olio, di cui era soddisfatta. Era uno studio del ponte di Bakewell, un luogo di bellezza vicino a dove vivevo, e lo portai a incorniciare. Il gallerista pensò che fosse abbastanza buono da venderlo e lo mise in vetrina. L'opera fu venduta subito e da quel momento fui incoraggiata a prendere la pittura più seriamente.

C. L. - Cosa influenza il tuo lavoro? Cosa ti ispira? Perché fai arte?

J. H. - Sono sempre influenzata dall'ambiente, oltre che dagli eventi o dai cambiamenti che si verificano nella mia vita in quel momento.

Quando i miei tre figli sono andati a scuola, sono diventata socio di un'impresa di costruzione di barche e mi sono immersa nella vita marina.  Ho continuato a dipingere, ma il mio soggetto si è concentrato sul mare, sulle barche, sull'arte marina storica e, in particolare, sulle commissioni di barche di persone.  All'inizio non sapevo come mescolare i colori e applicare la pittura per riflettere la liquidità e la luminosità dell'acqua, ma col tempo ho imparato per tentativi ed errori e questo periodo della mia vita mi ha dato l'opportunità di soddisfare il fascino del mare che continua ancora oggi nei miei paesaggi marini.  Come artista autodidatta, ho lottato con il processo di pittura del mare e una commissione per replicare artisti marini del XIX secolo mi ha permesso di imparare i colori e i metodi necessari per dare vita e vivacità alle mie rappresentazioni del mare. 

Nel 2020 ho avuto la fortuna di ricevere una mostra di 15 dei miei dipinti marini a olio, basati su frasi tratte dal diario del capitano del Mayflower quando i Pellegrini attraversarono da Plymouth all'America nel 1620. Il Mayflower Museum di Plymouth ha ospitato la mostra nell'ambito delle celebrazioni per il 400° anno del viaggio. La mostra è durata 2 anni e ora il progetto è tornato nel mio studio. Spero un giorno di poterlo esporre di nuovo.

Le mie esperienze di vita sono cambiate, così come i miei soggetti, e ora mi trovo a concentrarmi sulla combinazione del mio amore per la natura, il tempo, l'ambiente e le mie preoccupazioni per il pianeta. I miei paesaggi marini a olio sono ora molto concentrati nella mia mente, nel tentativo di catturare l'energia della natura e i ritmi eterni delle maree e delle stagioni. Indipendentemente da ciò che l'uomo fa al pianeta, la marea continuerà sempre a fluire e a rifluire. Ogni paesaggio marino (e so che sembra drammatico) ha come sfondo l'ispirazione di "After the Apocalypse".  (Non ho avuto il coraggio di dirlo a nessuno prima d'ora, ma come tutti noi, è una paura profonda).  Se l'osservatore preferisce, si tratta solo di vedute calme e rassicuranti di maree che si muovono e fluiscono. 

I colori acrilici mi affascinano da molto tempo. L'immediatezza della pittura ad acrilico e la vivacità dei colori sono un perfetto complemento alla pittura a olio.  Ho iniziato a esplorare nuovi temi e la partecipazione alle vostre mostre mi ha incoraggiato a espandere i miei soggetti e la mia tecnica.

La mostra "Shapes of Nature" mi ha ispirata a continuare questo tema con i miei dipinti ad acrilico.

C. L. - Qual è il processo di creazione delle tue opere?  Qual è la tua tipica routine di lavoro?

J. H. - Il mio studio è a poca distanza da casa e quando apro la porta sono sempre entusiasta di vedere il lavoro del giorno precedente lasciato sul cavalletto. So già cosa farò per far progredire il dipinto, perché di solito è il primo pensiero quando mi sveglio al mattino.

I miei dipinti a olio richiedono da una settimana a sei settimane, a seconda delle dimensioni e del soggetto. Ho sviluppato il mio processo nel corso degli anni e, poiché sono un'autodidatta, faccio semplicemente la stessa cosa ogni mattina. La tavolozza che ho usato il giorno prima determina i colori che spremo dal tubetto per il lavoro del giorno. Uso tavolozze di carta e butto via quella vecchia, mescolando i colori in pile prima di iniziare la giornata. Per alcuni questo è un processo meditativo, ma a me non piace. Non vedo l'ora di iniziare a dipingere e trovo che la preparazione sia un lavoro faticoso. La perfezione sarebbe avere un assistente che si occupasse di questo: pulire i pennelli alla fine della giornata, ordinare i materiali, organizzare l'esposizione dei dipinti, lasciandomi fare ciò che mi rende più felice: dipingere.

Di recente ho visitato una mostra delle opere di Joshua Reynolds, che nel 1742 scrisse a suo padre: "Mentre dipingo sono la creatura più felice del mondo....".  Sì! Anch'io mi sento così.

La creazione dei miei dipinti ad acrilico è l'estremo opposto della scala.  Ho bisogno di molto spazio e, poiché il processo prevede che il colore scorra e si combini per produrre forme e toni astratti unici, dipingo gli acrilici sul tavolo della cucina di casa.  I fogli di polvere e la plastica coprono le superfici perché è garantito che farò schizzi di colore che cola e per i pochi giorni che metto da parte per preparare diverse tele alla volta, il tavolo rimane inutilizzabile. 

Non posso rischiare che schizzi di colore acrilico finiscano sui miei dipinti a olio in studio.  Forse un giorno potrò avere uno studio più grande, dove avrò lo spazio per dipingere oli e acrilici sotto lo stesso tetto.

C. L. - Quali emozioni speri che gli spettatori provino guardando la tua arte?

J. H. - La mia arte si ispira alla nozione di Inconscio Collettivo, in particolare alla condivisione dei sentimenti di gioia, emozione e arricchimento che assorbiamo dal mondo naturale.

Dipingo per nutrire la mia anima e cerco di trasmettere la stessa reazione allo spettatore. La natura, il tempo, l'alternarsi delle stagioni e l'eterno flusso e riflusso della vita nel nostro prezioso mondo sono le mie principali influenze.

Le paure e le ansie collettive legate ai cambiamenti climatici e all'ambiente che ci circonda sono una corrente sotterranea dei miei ultimi dipinti. Ho appena completato una serie di oli basati sulla spiaggia che vedo ogni mattina quando arrivo in studio. Questo soggetto atmosferico ed etereo invita lo spettatore a unirsi a me nel considerare la natura eterna e l'affidabilità delle maree e delle stagioni. È qualcosa su cui noi esseri umani non abbiamo alcun controllo e che continuerà in perpetuo. Mi offre speranza e meraviglia, oltre che gioia, e voglio che queste emozioni siano evocate nell'osservatore.

Il tema "Sviluppo contro aria pulita", raffigurato in uno dei miei ultimi dipinti di Londra, mi ha portato su un altro percorso di soggetti legati all'equilibrio della natura. Il mio lavoro attuale si intitola "Patrimonio contro modernità" e utilizza Venezia come soggetto.  Arrivando in taxi acqueo dall'aeroporto, la città si presenta di fronte a noi, con la sua storia e la sua cultura mescolate insieme sull'isola. A destra della scena c'è la silhouette delle ciminiere e delle torri della terraferma, non esattamente altrettanto appariscenti, ma comunque stupefacenti. Nel tentativo di giustapporre queste due immagini, spero di offrire un'altra opportunità per considerare il nostro effetto sulla connessione continua tra il nostro passato e il nostro futuro.

C. L. - Quanto tempo ci vuole per produrre un'opera?

J. H. - I dipinti a olio sono costruiti a strati e ogni strato si asciuga prima di aggiungere il successivo. Il movimento e le tonalità del mare offrono un soggetto coinvolgente e stimolante, e il continuo rompicapo di combinare movimento e qualità atmosferiche fa sì che ogni opera possa richiedere fino a 6 settimane per essere completata. Anche i paesaggi e i ritratti richiedono settimane di lavoro.

Gli acrilici sono un'altra cosa. Permettono alle forme e ai segni spontanei di dettare il soggetto all'interno di un tema particolare, dando a ogni pezzo una qualità unica ed espressiva. La vivacità e l'immediatezza dei dipinti è un delizioso contrasto con il mio metodo abituale, anche se estremamente disordinato rispetto ai dipinti a olio più formalizzati.

C. L. - Quali sono i tuoi progetti futuri per le tue opere d'arte?

J. H. - In un mondo perfetto vorrei poter continuare a creare opere d'arte e a esporre i miei lavori in mostre internazionali. Sono ispirata dal feedback che ricevo quando i miei dipinti vengono esposti, e questo mi dà l'opportunità di assecondare la mia passione per la pittura e di immergermi nel processo creativo.

Le mie attuali esplorazioni, sia a olio che in acrilico, esaminano il mio interesse per l'ambiente, la natura e il nostro posto nella storia del nostro pianeta. I miei dipinti "Tidal" mi permettono anche di attingere a un tema che ha infuso il mio lavoro fin dall'inizio del mio percorso artistico: l'enigma del passaggio del tempo. Il motto "Il tempo e la marea non aspettano nessuno", scritto per la prima volta da San Mahrer nel 1225, è alla base di tutti i miei soggetti ed è un argomento di grande attualità nel mondo di oggi, così come lo era quando è stato scritto per la prima volta nel Medioevo.

Dojoong ha conseguito un master in pittura occidentale presso l'Università Chung-Ang. Pittura. Ha dedicato la sua vita all'arte da quando ha vinto la 16a Mostra Nazionale d'Arte della Corea nel 1967, quando era una matricola al college. È il più giovane pittore nella storia della Corea ad aver ricevuto una "menzione d'onore". - dal catalogo della galleria Agora.

INTERVISTA con DoJoong Jo - Soilart

La dott.ssa Carmela Loiacono parla con DoJoong Jo - Soilart, che ha partecipato ai tre eventi di RenovArt | 100 Artisti per il Futuro: dal 03 al 30 novembre 2022 presso la Lega Navale Italiana con le opere "Wild Flower" e "Lady 2", dal 05 dicembre 2022 al 03 gennaio 2023 presso la Galleria Spazio Opera con le opere "Knar 49", "Knar 28", "Wild Flower", "Lady 2", 2022 al 03 gennaio 2023, presso la Galleria Spazio Opera con le opere "Knar 49", Knar 28", "Wild Flower", "Lady 1", "Lady 2", "Lady 3", e durante Shapes of Nature, dal 01 al 30 giugno 2023 presso la Galleria Spazio Opera di Matera con le due opere della serie: "Knar". 

Carmela Loiacono - Puoi presentarti e raccontarci come hai iniziato la tua attività artistica? 

DoJoong Jo - Volevo fare il pittore da quando avevo 11 anni. Mi sono commosso quando ho visto l'opera di Millet "L'Angelus" in un libro.

All'epoca ero giovane e non so ancora perché quell'opera mi sia venuta in mente.

Tuttavia, in quel momento ero profondamente commosso e volevo diventare un pittore come Millet.

L'Angelus, Jean-François Millet, 1857-1859. Museo d'Orsay, Parigi.

Millet intitolò questa creatura dapprima "Gente che prega per il raccolto delle patate" e poi la organizzò in "L'Angelus".

C. L. - So che sei un pioniere nella tecnica di utilizzo della terra come materiale per la pittura. Puoi parlarci del processo che utilizzi per creare le tue opere?

D. J. - "Era il tardo autunno di 25 anni fa. Un giorno ho trovato un fiore rosso che sbocciava sul lungomare. Quando mi sono avvicinato, non era un fiore, ma un "grumo di terra" grande come una mela. La terra rossastra, grande come un pugno, è di una bellezza abbagliante. Era un colore che non avevo mai visto prima. C'erano colori che non potevano essere espressi con la pittura". Da quel momento in poi ho iniziato a riflettere intensamente sul suolo, la madre della vita. Analizzavo le proprietà degli altri, classificavo i colori e li realizzavo. Quarzo, feldspato, mica e calcite nel loess sono ossidati insieme al ferro. Si ottiene così una varietà di colori, tra cui giallo, viola, rosso, grigio e verde pallido. Questa chimica non era altro che una bussola per la mia ricerca. Ho anche scoperto che i minerali presenti nel terreno conferiscono al mio lavoro un colore unico e che, se illuminati, i minerali presenti nel lavoro lo fanno brillare, dando un effetto e un'impressione squisiti. Quel colore misterioso, i vari esseri viventi nel terreno che abbraccia, anche l'energia solare e la sottile energia lunare contenute nel terreno sono poliedriche, il terreno che era come un gioiello era loess. Questa è stata l'esperienza e l'opportunità che mi ha portato a iniziare l'arte del suolo.

C. L. - Da dove trai ispirazione?

D. J. - Se riesci a mettere il tuo mondo nel tuo lavoro, sei un grande artista.

Trovare un tema e un concetto per il proprio lavoro non è così facile come si pensa. Io l'ho trovato su knar.

Il soggetto del mio lavoro è knar: una ferita su un albero. Gli alberi secernono linfa per guarire quando sono malati; quando il succo si indurisce, diventa knar. È sia la ferita che la guarigione, il ciclo della vita. Un knar ha molte forme, a volte sembra realistico, altre volte astratto. È l'immagine dell'eternità che desideravo. Un giorno, quando il tempo che Dio mi ha concesso si esaurirà, tornerò all'eternità. Voglio mettere sulla mia tela un'immagine dell'eternità che un giorno vedrò lì.

C. L. - Quanto tempo ci vuole per produrre un'opera?

D. J. - Il tempo necessario per produrre un'opera è variabile. Se si riesce a reperire rapidamente i materiali desiderati, il tempo di lavoro si accorcia.

Tuttavia, non è raro che io non riesca più a trovare la terra colorata rara che è stata utilizzata.

Ci sono colori così rari che, anche se lotto con la terra giorno e notte, scompaiono con una sola spazzolata. Scegliere il colore della terra, mescolarlo con l'acqua e trasferirlo sulla tela è un processo di presa di coscienza delle mie mancanze e debolezze.

La prima opera che ho disegnato con la terra, 27 anni fa, ha utilizzato sei diversi colori di argilla. Era un colore ocra che vediamo comunemente.

Ho dovuto trascorrere 10 anni nelle profondità delle montagne per raccogliere terra di diversi colori. Dopo circa 3 anni, nella mia lista di raccolta c'erano 256 tipi di terra.

Dopo aver superato i 256, non potevo più assegnare numeri ai colori.

C'erano dei limiti perché dovevamo distinguerli a occhio nudo. Da 27 anni colleziono vari materiali di terra come questo.

Inoltre, come sapete, la terra non scivola. Quindi sono necessarie più pennellate. Anche se l'acqua si asciuga, la terra richiede più tempo.

Quando l'acqua si asciuga, il colore naturale della terra si rivela, quindi non è possibile conoscere in anticipo il colore finale durante la colorazione. Posso solo tirare a indovinare

Quando ero giovane, mi piaceva dipingere a olio. Tuttavia, lavorare con l'argilla richiede più impegno e tempo.

Ma lo facevo con piacere perché si trattava di trovare l'originalità.

C. L. - Come definisci il successo come artista?

D. J. - In Corea c'è un proverbio che recita così

"Le tigri lasciano la loro pelle quando muoiono, e gli uomini lasciano il loro nome dopo la morte."

In una società capitalista, molte persone possono trovare il loro successo nel diventare ricche.

La polarizzazione del capitalismo ha devastato la mente umana con il materialismo e l'umanità soffre di questa malattia.

Dobbiamo trovare la bellezza attraverso l'arte e purificare il mondo torbido. Una bella opera d'arte ha il potere di renderlo possibile.

Se l'essenza dell'arte è ripristinare l'"innocenza" umana attraverso l'arte, spero che le ferite dell'umanità vengano curate, questo è anche il significato di knar, il soggetto del mio lavoro.

La mia definizione di successo come artista non ha nulla a che fare con la ricchezza. Lo stesso vale per il potere.

Considero un successo solo il fatto che il mio nome rimanga nella storia dell'arte mondiale e che le persone in un futuro lontano possano un giorno vedere il mio lavoro.

Così come mi sono commosso senza motivo quando ho visto l'Angelus di Millet a 11 anni.

C. L. - A quali progetti interessanti stai lavorando attualmente? Puoi condividere alcuni dei piani futuri per le tue opere d'arte?

D. J. - Tutto è accaduto per caso, come un miracolo.

Anche a 73 anni ero un artista completamente sconosciuto.

Negli ultimi tre anni, le mie opere sono state rivelate al mondo grazie a mio figlio che le ha fatte conoscere negli Stati Uniti e in Europa attraverso i social media.

Un altro miracolo accidentale si sta verificando di seguito.

Ho ricevuto un invito ufficialmente firmato dal curatore del padiglione nazionale alla Biennale di Venezia del 2024.

Ho intenzione di esporre Knar snow insieme alla mia opera Knar Forest Fairy.

Knar forest fairy è un'opera che è stata esposta anche alla Biennale di Firenze del 2023. 

Knar snow è un'opera che utilizza terra bianca come neve.

Lo scenario in cui gli acquazzoni del primo mattino sono caduti brevemente e poi si sono fermati, un filo d'erba che giaceva in un paesaggio luminoso e chiaro sorge.

Il momento in cui le creature come gli insetti e gli scoiattoli che si nascondono dalla pioggia spuntano fuori, una scena in cui una fata ascolta il suono di quel momento. 

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2021.10 Art expo New york, (galleria agora)

2022.01 Paris Artpair , (galleria monat Madrid, spagna)

2022.02 Artbox.project World2.0, (galleria Urbanside Zurigo, Svizzera)

2022.02 Art Festival from italy (in collaborazione con Korea Art Promotion Agency, Galleria Antonio Battaglia).

Art Promotion Agency, Galleria Antonio Battaglia, milano, italia)

2022.03 CANVAS venice international Art Fair (itsliquid group, venezia, italia)

2022.04 Artexpo NewYork, (artavita, california)

2022.05 Fiera internazionale d'arte di Roma2022 (Medina Art Gallery, roma, italia)

2022.06 : A MOMENT OF TRUTH (Arthouse.nyc art space )

2022. 07 : "Continuità: Maestri moderni e contemporanei" (galleria artifact212, Manhattan)

2022. 07 : Padiglione Musa 2022 (Musa international, Italia)

2022.08 : swiss art expo 2022, (artboxy, Zurigo, Svizzera)

2022. 09 : Focus Art Fair (Honglee, 99 rue du Rivoli,75001 Parigi)

2022.09 : mostra collettiva_ rendezvous (monat gallery Madrid, spagna)

2022.10 : Giornata del contemporaneo_Sponsorizzata da AMACI (galleria Rossocinabro, Roma, Italia)

2022.11 : Exotic Reveries (galleria agora, chelsea, NewYork)

2022.11 : We contemporary (musa international, italia)

2023 . Shape of Nature l RenovArt (Galleria Spazio Opera, Matera)

2023 Firenze Contemporary II (Rossocinabro, Roma)

2023 Sicily Summer Art Expo 2023 (Museo di Ragusa, Spazio Internazionale d'Arte MUSA)

2023 Mostra del Gruppo Noonchi (palazzo velli expo, studioArte22)

2023 Esposizione d'arte di Roma (palazzo velli expo, Musainternational)

2023.10 : XIV Biennale di Firenze 2023. (dal 14 al 22 ottobre 2023, Fortezza da Basso, Firenze, Italia)

Il suo mondo interiore si svela sia nelle mescolanze dei colori, sia nei soggetti individuati e rappresentati in forma surreale oltre che naturale. Nel corso degli anni si è sempre dedicata alla ricerca di uno stile personale, sperimentando diverse tecniche e sentendosi a proprio agio con l'uso dei colori ad olio, apprezzando anche gli effetti che i colori acrilici donano.

Nel 1980 ha realizzato la sua prima mostra personale e ha partecipato, negli anni successivi, a diverse mostre collettive. 

Per lungo tempo, a motivo dei forti legami affettivi con le sue opere ha scelto di non renderle pubbliche ma poi, ha sentito il desiderio di comunicare, attraverso la sua arte, i messaggi in cui crede e nel 2022, dopo un lungo periodo di pausa, ha partecipato ad una mostra collettiva presso Palazzo Ferrajoli a Roma e ha ricevuto il "Certificato di Merito Artistico" rilasciato dalla Pinacothèque, Museo nel Granducato di Lussemburgo, per il Concorso Artistico del Luxembourg Art Prize; ha partecipato nel 2023, in videoesposizione, con l'opera "Amore donato" all'Artbox.Projects NewYork 2.0 e con l'opera "Gioia ritrovata" ha partecipato, nel mese di maggio 2023, al Vivart, organizzato dalla Galleria Venere di Gravina (BA). Nel maggio del 2023 è arrivata come semifinalista all'Artbox.Projects di Basilea 2.0 con l'opera "Inseguendo la Luce". Inoltre sarà presente nella videoesposizione della mostra "Composizioni Cromatiche" presso il centro fieristico "Le Ciminiere" di Catania e presso la Galleria Zerouno di Barletta.

Sempre in giugno 2023, aderendo al progetto Renovart | 100 Artisti per il Futuro, partecipa alla Mostra collettiva d'arte contemporanea "Shapes of Nature". 

Attualmente sta lavorando ad una nuova serie di opere ispirate alla natura e ai suoi cicli vitali.

INTERVISTA con Licia Nuzzi

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Licia Nuzzi, che ha participato durante la mostra collettiva "Shapes of Nature", presso la Galleria Spazio Opera (01-30 Giugno 2023) a Matera con le sue opere: "Resilienza", "Il Groviglio della vita" e "Le Stagioni della vita". 

Carmela Loiacono - Potresti presentarti e raccontarci qual è la tua prima esperienza nel campo dell'arte?

Licia Nuzzi - Mi chiamo Licia Nuzzi, sono nata a Matera, dove vivo e lavoro. Sono laureata in Scienze religiose ed ho insegnato nella scuola secondaria di secondo grado per lungo tempo. L'arte e la pittura sono stati sempre la mia passione e come autodidatta mi sono ad essa dedicata fin dall'adolescenza. Non oso definirmi un'artista. Gli artisti per me sono i "grandi" nomi che nella storia ci hanno lasciato patrimoni irripetibili e penso a Michelangelo, Raffaello, Van Gogh, Caravaggio, Monet….

Non ho mai pensato di mostrare la mia arte, era mia… ma poi ho capito che attraverso i miei lavori avrei potuto trasmettere quei valori che animano la mia vita e che credo possano essere veicolo di comunicazione e arricchimento reciproco. Molti anni fa qualcuno ha creduto in me e mi ha organizzato una mostra personale durante la quale le mie opere furono vendute quasi tutte. Fu un dolore per me essermi distaccata da quelle opere e negli anni successivi ho interrotto la produzione dei lavori, dedicandomi alla famiglia e all'insegnamento.

Alcuni anni fa ho voluto seguire un corso di formazione di pittura tenuto da Daniela De Candia, docente di pittura presso l'Università Popolare di Monaco di Baviera e solo nel 2022, in seguito a diverse insistenze, ho deciso di iniziare un nuovo percorso della mia vita artistica, scendendo in campo e entrando nel mondo dell'arte, in forma più personale e ravvicinata.

C. L. - Cosa ispira il tuo lavoro? Chi sono le tue maggiori influenze artistiche?

L. N. - La bellezza della natura, le vicissitudini della vita, i sentimenti che emergono nell'animo umano sono le mie maggiori ispirazioni. Non riesco a dipingere se dal mio cuore non sale una forte spinta ad imprimere sulla tela, le emozioni che vivo. Se così non fosse, l'arte non riuscirebbe a toccare le corde del cuore di chi osserva, anche se dovesse vedere altro da ciò che io ho dipinto poiché le corde dei cuori, anche se emettono suoni diversi, si sintonizzano sulla stessa armonia e questo è per me meraviglioso! Devo però riconoscere che la mia più grande ispirazione la ricevo dalla natura che è la più grande artista mai esistita. Spesso fotografo il cielo, il bosco, il mare, i tramonti, i fiori e mi lascio ispirare dalle combinazioni cromatiche, davvero uniche!

C. L. - Cosa vuoi che la tua arte trametta alle persone che la vedono? Qual è il significato o la motivazione creativa che sta dietro ogni tua opera?

L. N. - Mi piacerebbe far vibrare le corde del cuore di chi osserva l'opera per cogliere le ricchezze dei valori che riempiono l'animo umano. La "Luce", che per me rappresenta Dio, e che è presente in ogni mio lavoro, vorrei che stimolasse l'osservatore ad intraprendere la strada della ricerca. Dipingo per condividere le mie emozioni, la mia ricerca, la mia attestazione di fede e spero che "qualche seme cada su terreno fertile". Mi piacerebbe poter essere la spinta, l'incoraggiamento ad andare avanti nella vita nonostante le difficoltà e le fatiche che si devono affrontare.

C. L. - Durante la mostra Shapes of Nature hai esposto le opere "Le stagioni della vita", "Il groviglio della vita" e "Resilienza", qual è stato il loro processo di creazione? Ci parli di queste opere?

L. N. - Ho vissuto un periodo molto difficile durante il quale ho sperimentato la fatica della ricerca della pace vera. Le esperienze vissute hanno messo a dura prova la mia vita e ho trasferito sulla tela questo mio percorso, riflettendo su come, nei diversi momenti della vita, "Le stagioni della Vita", reagiamo tenendo sempre lo sguardo puntato in avanti poiché è dalla vita stessa che riceviamo la forza per andare avanti. "Il groviglio della vita" è stato dipinto proprio in uno di quei momenti in cui ti senti travolto da mille situazioni e ti sembra di non riuscire a trovare soluzioni ma poi ti accorgi che la "Luce divina" ti ha accompagnata e ti ha sostenuta continuativamente. Infatti, se si osserva bene il dipinto si vede come tra i grovigli appaiono sprazzi di luce che affiancano le linee colorate.

La "Resilienza" è stata dipinta dopo aver superato, momenti in cui tutto sembrava crollare ma che poi ti accorgi come siano stati momenti in cui hai misurato la tua resistenza e capacità a combattere: "mi piego ma non mi spezzo"!

Sono per me opere molto significative, mi ricordano il dolore dal quale ne sono uscita più forte di prima.

C. L. - Come è stata la tua esperienza durante l'inaugurazione della mostra?

L. N. - La mostra Shapes of Nature è stata per me molto emozionante per diverse ragioni. Innanzitutto è stata la prima volta che ho esposto nella città in cui vivo, ho potuto conoscere e confrontarmi con altri artisti e colloquiare con i visitatori che desideravano confrontarsi. Tu, dott.ssa Carmela Loiacono, hai poi reso speciale questa esperienza perché hai trasmesso il tuo interesse a me come artista e lo hai fatto con generosità e affettuosità.

C. L. - Quale stato il tuo risultato più importante fino ad oggi?

L. N. - Innanzitutto ho costruito, insieme a mio marito, una famiglia meravigliosa con figli e nipote di cui andiamo fieri; poi nel campo artistico tra i vari riconoscimenti ricevuti per la partecipazione a mostre collettive nazionali ed internazionali, ho ricevuto anche una certificazione di merito dalla Pinacothèque di Lussemburgo in occasione del Luxembourg Prize del 2022, e sono arrivata come semifinalista all'ARTBOX.PROJECT BASILEA 2.0 nel 2023, ricevendo un catalogo d'arte personale. Ma credo che fra tutte le approvazioni ricevute, importante per me è stato registrare la stima e l'apprezzamento del mio lavoro da parte di tutti coloro che si sono trovati dinanzi a una mia opera.

C. L. - Quali sono i tuoi obiettivi di carriera?

L. N. - Vorrei poter continuare a dipingere con più intensità, trasmettere quello che ho dentro e condividerlo con gli altri. Infine mi piacerebbe tanto riuscire ad organizzare una mostra personale.

Ardea espone attivamento le sue opere dal 2012.

Ha partecipato a mostre collettive in tutto il Nord America, tra cui quelle di Chicago, Boston, Seattle, Toronto e New York. Nel 2021, il suo lavoro è stato

incluso nella Biennale d'Arte di Londra. All'inizio del 2023 è stata artista in residenza presso Hypatia-in-the-Woods a Shelton, WA. Attualmente Ardea è artista residente presso i Globe Studios di Kitchener, Ontario.

Dichiarazione d'artista

"Nell mia arte cerco di catturare le occasioni in cui sento il mondo aperto. Giorno dopo giorno, la mia mente racchiude e appiattisce lo spazio intorno a me. Le immagini che creo rafforzano la mia convinzinoe della realtà dello spazio, della possibilità e della pace.

La profondità che mi circonda spesso non sembra reale. C'è uno schermo che mi separa dagli spazi aperti. Credere nella profondità significa rompere

questo schermo per creare una connessione tra me e l'altro. Creo mondi in cui il mio io e l'altro sono lati opposti di un unico tessuto. Visualizzando pieghe su due lati, la mia arte identifica una vicinanza che è andata perduta.

Visualizzo anche un doppio ambiente. La mia mente si estende per circondare l'altro. Il mio corpo circonda tutto ciò che vedo con i suoi confini agli angoli degli occhi. Le immagini di ciò che vedo sono immagazzinate e rimescolate dentro di me. La mia arte mostra corpi che circondano spazi esterni. Ma anche il mondo mi circonda con il suo mix di spazio e materia più solida. So che il mio corpo è piccolo.

Le mie influenze includono la pratica buddista, la filosofia occidentale e il lavoro sulla salute mentale. Sono interessata al rapporto tra le idee buddiste di "unicità", la teoria delle "pieghe" di Gilles Deleuze e le soluzioni all'ansia e alla depressione. Voglio aiutare altre persone a espandere i propri spazi mentali per essere più gentili con sé stessi e con gli altri".

INTERVISTA con Ardea Thurston-Shaine

La dott.ssa Carmela Loiacono parla con Ardea Thurston-Shaine, che ha partecipato durante la mostra collettiva "Inner Colors", a Matera presso la sede della Lega Navale dal 14 settembre all'08 ottobre 2023 con i suoi lavori: "Convergent Realms", "In and Out" e "Between".

Carmela Loiacono - Può parlarci del momento in cui ha deciso di intraprendere la carriera di artista?

Ardea Thurston-Shaine - L'arte, in qualche forma, è sempre stata la cosa

principale che mi ha definito personalmente. 

Insieme agli animali e alla natura, l'arte in qualsiasi forma (arte visiva, musica, danza, scrittura creativa, ecc.) è sempre stata il mio principale interesse. Mi sono laureata in Arte Visiva perché le lezioni mi piacevano di più, ma ho deciso di farne una professione intorno al 2014, quando ho iniziato a fare domanda per i programma MFA. Ho scoperto che non ero felice senza investite in obiettivi artistici ambiziosi.

C. L. - Qual è il tuo background?

A. TS. - Sono nata a Port Townsend, Washington, sulla penisola olimpica della costa occidentale degli Stati Uniti. La mia famiglia ha trascorso circa la metà del tempo nella natura selvaggia dell'Alaska. Da bambina giocavo molto nei boschi. Mia madre era una seguace di Thich Nhat Hanh, un maestro buddista vietnamita. Questa pratica ha influenzato il mio interesse per la filosofia e la contemplazione interiore. 

Ho frequentato l'Oberlin College, dov'è andato anche mio padre. Poi ho conseguito un Master presso la School of the Museum of Fine Arts della Tufts University di Boston, nel Massachusetts.

C. L. - Dove trovi l'ispirazione? Cosa ti spinge a creare? 

A. TS. - Credo che la mia prima ispirazione siano i miei sogni. I sogni sono una sorta di creatività meno controllabile. Nascono da immagini e sensazioni vissute nella vita di veglia. Ma poi sono mescolti e in qualche modo ancora più personalizzati dell'esperienza vissuta. Sognare e creare per me dà valore alla vita.

C. L. - Quali emozioni speri che gli spettatori provino guardando le tue opere?

A. TS. - Spero che si sentano eccitati, che vogliano guardare di più il mondo e non bloccarlo. Penso di avere il potenziale per vedere molto di più di quanto non faccia abitualmente. Voglio ispirare questo tipo di sguardo profondo negli spettatori della mia arte.

C. L. - Quando capisci che un'opera d'arte è finita?

A. TS. - Di solito ho un progetto per la maggior parte dell'immagine prima di iniziare a dipingere. A volte si tratta di una singola fotografia, a volte di un'immagine photoshoppata. Spesso aggiungo anche dettagli dalla mia mente lungo il percorso. Il dipinto è finito quando non so cos'altro aggiungere in ogni area della superficie.

C. L. - Durante Inner Colors, sei stata selezionata per presentare le opere: "Convergent Realms", "In and Out" e "Between". Potresti essere così gentile da parlarmi di queste opere?

A. TS. - Questi dipinti fanno parte di una serie che esplora la superficie dell'acqua come metafora della membrana tra gli spazi mentali. Per "Convergent Realms" ho realizzato la scultura di un drago e l'ho lasciata cadere in un ruscello. La scultura, la brezza e la corrente dell'acqua hanno alterato il riflesso degli alberi sulla superficie.

L'immagine deformata degli alberi circonda la scultura del drago. I draghi simboleggiano il mio rapporto con tutto ciò che non è me. Mi proteggono e mi collegano al mondo. Il drago qui è un protettore di quello spazio intermedio, dove il cielo, gli alberi e la superficie del torrente si incontrano e si aggrovigliano.

"In and Out" esplora l'effetto della mia ombra su ciò che posso vedere quando guardo nell'acqua di uno stagno. A volte l'ombra mi permette di vedere il fango sul fondo. A volte mette a fuoco il riflesso del cielo e degli alberi. Vedo sia la mia ombra sia il mio riflesso. Trovo interessante il modo in cui ciò può riguardare l'agenzia individuale in relazione al mondo. 

Gli strigoni d'acqua di "Between" camminano sulla superficie dello stagno. Sono una delle poche creature che possono abitare quel sottilissimo spazio tra l'aria e l'acqua. Desidero comprendere questi spazi intermedi in relazione al modo in cui vedo gli spazi intorno e dentro di me. 

C. L. - Qual è lo scopo o l'obiettivo del tuo lavoro?

A. TS. - Cerco di capire me stessa e ciò che è importante per me. Cerco di esistere nel mondo in modo più soddisfacente. Voglio anche creare immagini belle e sorprendenti. Voglio uscire da modi di vedere confinati e penso di poter aiutare anche gli altri a farlo.

Il suo lavoro è stato descritto dallo storico dell'arte PhDr. Bohumír Bachratý, Csc: "Ispirazioni e dipinti di paesaggio, che mettono l'invisibile sulla mappa. Sentimenti interiori, stati del corpo e della mente, stati d'animo e visioni del pittore sia nel paesaggio che nell'anima". La stessa Radka Vom dice del suo lavoro quanto segue: "Sono affascinata e ispirata dal paesaggio, ma non solo da quello naturale, anche da quello cittadino o dal nostro paesaggio interiore. Dalla sua vita individuale indipendente da noi, dal modo in cui cambia e ci influenza e da come noi lo influenziamo al contrario, da come tutto appare dall'esterno".

INTERVISTA con Radka Vom

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Radka Vom, che ha partecipato durante le mostre collettive: "Panta Rhei" presso la Lega Navale Italiana (08-26 Maggio 2023) e "Shapes of Nature", presso la Galleria Spazio Opera (01-30 Giugno 2023) a Matera con il suo dittico: "Flow".

Carmela Loiacono - Puoi presentarti e raccontarci il momento in cui hai deciso di intraprendere la carriera di artista?

Radka Vom - Sono nata nel centro di Praga, nella Repubblica Ceca. Disegno e dipingo da quando ero piccola. Nel 2005 mi sono sposata e mi sono trasferita in Slovacchia. Mi sentivo un po' sola con un bambino piccolo in un paese straniero, così ho iniziato a dipingere sempre di più. Ho anche iniziato a frequentare la scuola VŠVU e a prendere lezioni private. Una volta il mio amico Igi Brezo, anch'egli pittore, ha portato nel mio studio un curatore d'arte, il dottor Bohumil Bachratý, CSc, che è rimasto entusiasta delle mie opere e ha subito iniziato a progettare una mostra. Da allora abbiamo realizzato insieme diverse grandi mostre. È stata una grande svolta nella mia carriera e ho capito che posso dimostrare qualcosa nella pittura, che la pittura è ciò che voglio fare, che voglio continuare a farlo e che è ciò che mi appaga. Nel 2020 sono tornata a Praga, dove continuo a lavorare. Ho due figlie.

C. L. - Qual è il tuo background?

R. V. - Vengo da una famiglia di medici e orafi. Mio nonno, e le generazioni di antenati che l'hanno preceduto, era un orafo artistico, cosa che mi ha sempre affascinata e mi sono cimentata anch'io nella lavorazione dell'oro. Mio padre e mio fratello sono medici e anch'io ho studiato inizialmente alla facoltà di medicina. Crescere nel centro della vecchia Praga aveva un fascino incredibile, angoli antichi, vicoli bui, vecchie lanterne, teatri, concerti, mostre e altri eventi culturali. Tutto era a pochi passi. Si può dire che sono stata circondata dall'arte fin da bambina e, in qualche modo, ho avuto e ho tuttora la necessità di continuare a fare arte.

C. L. - Puoi parlarci del processo che utilizzi per creare le tue opere? Qual è la tua tipica routine di lavoro?

R. V. - Di solito vado in studio subito dopo pranzo. Al mattino faccio sport, poi lavoro al computer e nel pomeriggio mi trasferisco in studio. Mi devo adattare per un po', guardo i dipinti in corso, penso a come procedere, mescolo i colori, finisco le cornici, eccetera, solo piccoli lavori per iniziare. Per quanto riguarda il processo di creazione, naturalmente inizia con qualche ispirazione, ne ho centinaia in testa e nei miei appunti. Mi piacciono le tele più grandi, 100cm x 100cm e oltre, ho due tele 100cm x 150cm e una 200cm x 300cm in corso di realizzazione. Stendo smalti di densità diverse e ognuno richiede almeno un giorno per asciugarsi, quindi ho sempre diverse tele aperte contemporaneamente. Non è sempre l'ideale, richiede molta concentrazione, immaginazione e pazienza per passare da una all'altra in questo modo, ma in qualche modo mi è andata bene. Ecco perché mi piace lavorare spesso a un dittico, due tele contemporaneamente, che sono in relazione tra loro. Questo lavoro dura al massimo 4-5 ore con una pausa. Dopo un tale periodo in studio, di solito sono esausta e devo andare a fare qualche attività "a terra", qualcosa in giardino, a fare la spesa, a fare i lavori di casa o con i bambini.

C. L. - In occasione delle mostre Panta Rhei e Shapes of Nature hai presentato il dittico "Flow". Descrivici la tua opera.

R. V. - Il dittico Flow è una delle mie opere più piccole preferite. Avevo queste tele in lavorazione da molto tempo. Forse è per questo che Flow, il flusso dell'acqua, del tempo, dell'energia, dei pensieri. Un flusso così calmo e incessante, che cambia nel tempo e nello spazio, ma allo stesso tempo è sempre lo stesso.

C. L. - Quando capisci che un'opera d'arte è finita?

R. V. - Sapere quando un'opera d'arte è finita a volte è una cosa difficile. Il più delle volte lo capisco all'improvviso. Ma mi è anche capitato di perdere il momento giusto, di andare avanti e che l'opera non fosse mai "quella giusta". Quando si finisce, tutto può essere distrutto, ma se non si perde il momento giusto, è la magia che rende il quadro qualcosa di speciale.

C. L. - Come è cambiato il tuo stile nel tempo?

R. V. - Il mio stile è cambiato e sta ancora cambiando. È un processo. Non posso costringermi a dipingere sempre con un unico stile. Così come una persona cambia e si modella, anche lo stile di pittura cambia. Non tutti sono così, ma io lo sono. A volte uno stile si esaurisce. Ho bisogno di provare nuove procedure, nuovi modi di espressione, sperimentare, questa è la libertà, sono affascinata dalle possibilità della pittura. Ho sentito dire da qualche parte che "Tutto è già stato fatto, ma si può sempre scoprire qualcosa di nuovo". 

Allo stesso tempo, però, uso sempre gli stessi strumenti, preferisco usare una spatola larga, un pennello largo e diverse concentrazioni di colori. E poiché lavoro con i colori acrilici, l'acqua fa la magia.

C. L. - Hai qualche mostra in programma di cui dovremmo essere a conoscenza?

R. V. - A novembre partecipo a una mostra collettiva di arte contemporanea presso la Galleria Ikonica di Milano. Inoltre partecipo a una mostra collettiva di Praga Open Art sempre a novembre. Per il resto, sto cercando uno spazio per organizzare una mostra personale a Praga. Finora ho avuto l'unica mostra personale a Praga nel 2017, nel meraviglioso spazio di una vecchia fabbrica, che purtroppo non esiste più. Vorrei trovare qualcosa di simile. Quindi sto cercando e guardando avanti.

Dichiarazione dell'artista

"L'astrazione non è caos. Ogni mio dipinto ha la sua firma. Mi lascio guidare dalle emozioni e porto i miei sentimenti sulla tela. Così facendo, ogni idea di base è il mio obiettivo, non faccio schizzi e penso in originale. Il colore è l'espressione della mia passione. 

Ogni tratto è emozione, se non sono soddisfatta, l'astratto mi permette di cancellarlo, coprirlo, cambiarlo o addirittura distruggerlo. Nell'astratto il colore mi dà la libertà di lavorare, modificare, cambiare o adattare fino a quando non si adatta alla mia idea di base".

INTERVISTA con Irina Schiwon

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Irina Schiwon, che ha partecipato durante la mostra collettiva "Inner Colors", a Matera, presso la sede della Lega Navale dal 14 settembre all'08 ottobre 2023 con le opere: "Feeling", "The sail" e "Morning red".

Carmela Loiacono - Potresti presentarti e raccontarci come hai iniziato a occuparti di arte?

Irina Schiwon - Sono nata nel 1958 ad Altaj, in Siberia. Dal 1975 ho studiato a San Pietroburgo e nel 1982 mi sono diplomata in "Computer Science".

Dal 1984 mi sono trasferita nella Repubblica Democratica Tedesca (GDR).

Fino al 1998 sono stata ingegnere di progetto nel settore della microelettronica. 

Ho realizzato i miei primi dipinti astratti. 

Dal 1990 sono diventata indipendente e dal 2002 lavoro in un'azienda ingegneristica tedesca di livello internazionale. 

Nel 2007 la malattia del cancro, "La pittura come terapia... fuori dalla malattia". 

Dal 2010 prime piccole mostre personali a Mosca e Berlino. 

Dal 2015 ho aperto un mio piccolo studio a Werder, vicino a Berlino, vari lavori su commissione per privati e aziende. 

Ho esposto i miei dipinti a Magdeburgo, Dresda, Cuxhaven e Berlino, tra cui: 2023 Mostra personale "ARTE-ANDO" a Castellina in Chianti, Toscana e la Mostra "BORDERS ART FAIR" a Palazzo Albrizzi-Capello, Venezia.

Il 2007 è stato il mio anno fatale. Diagnosi di cancro orribile e insidiosa.

Grazie al mio medico.  Mi ha detto: "Getta la vernice sul muro e crea creature astratte e mitiche. L'arte può guarire". E poi mi disse... "Dovrai dipingere quadri, perché l'arte è uno dei più grandi mattoni nel concerto di tutte le terapie".

C. L. - Chi sono le tue maggiori influenze artistiche?

I. S. - Le mie maggiori influenze artistiche sono Hilma af Kingt, Max Ernst, Serge Poliakoff, Joan Miro e i pittori del Bauhaus. 

C. L. - Qual è il momento della giornata in cui preferisci creare?

I. S. - Dipingo a seconda dell'umore, in qualsiasi momento della giornata. Anche la notte non è esente.

C. L. - Cosa ti piace dei tuoi dipinti?

I. S. - Vivo nella mia pittura astratta. È una composizione di colori, emozioni, contrasti e linee.

C. L. - Durante la mostra Inner Colors ha presentato le tue opere: "Feeling", "The sail" e "Morning red". Potresti descriverle?

I. S. - Le opere che ho presentato: 

"Feeling" ... è per me l'eruzione interiore delle mie emozioni come un vulcano.

"The sail" ... il mio Wannsee a Berlino... nelle belle giornate un rifugio per i marinai e la mia ispirazione. 

"Morning red" ... New York ... Ispirazione dal mare....

C. L. - L'arte ti aiuta in altri ambiti della tua vita?

I. S. - Con l'aiuto dell'arte ho imparato ad affrontare le critiche. Le conversazioni sono per me il fondo che mi permette di mostrare i miei quadri al pubblico. Oso... che sensazione meravigliosa.

C. L. - A quali progetti interessanti stai lavorando in questo momento? Puoi condividere alcuni dei piani futuri per le tue opere d'arte?

I. S. - Al momento mi sto preparando per il gran finale di quest'anno. Alla fine di ottobre, infatti, si terrà la mia mostra personale presso la Hundertwasser House di Magdeburgo, dove verrà pubblicato anche un libro sulla mia arte. Oltre 60 immagini mostrano la mia diversità nella mostra ..... "ieri... oggi... domani"....

Il suo stile classico si ispira ai maestri impressionisti che le hanno fatto amare la pittura. La frammentazione degli oggetti e degli spazi, secondo lei, deriva dal cubismo, da grandi pittori come: Gris, Braque e Picasso. Ma molti altri artisti contemporanei hanno influenzato il suo lavoro: Julie Mehretu, che attraverso le sue opere affronta temi politici, sociali e culturali, Victor Man - che affronta temi della sua stessa biografia e Alina Gherasim che esprime le sue esperienze attraverso collage e dipinti.

Alida ha bisogno di tradurre le immagini mentali, legate agli eventi contemporanei e ai suoi sentimenti interiori, in forme che possano trasmettere le proprie intenzioni agli altri; le sue opere sono i suoi esperimenti e rappresentano il desiderio di trasmetter messaggi al mondo!

Dichiarazione dell'artista

"I miei valori rappresentano i punti di riferimento in base ai quali mi avvicino a un soggetto che voglio presentare attraverso l'arte. Funzionano come una bussola interiore e il modo di esprimerli si è sviluppato con la mia evoluzione in questo campo.

Faccio parte di una tipologia di artisti interessati a esplorare luoghi, spazi e oggetti. Cerco di essere coinvolta nella presentazione degli eventi e di analizzare come questi continuino ad avere un impatto su di noi.

Il concetto delle mie opere è ispirato dal desiderio di esplorare la geometria attraverso la natura morta, i paesaggi, i volti. Partendo da immagini mentali, creo schizzi attraverso la manipolazione digitale, schizzi che poi reinterpreto attraverso la pittura, con il desiderio di rivelare allo spettatore la geometria e il colore che ci circonda. Ogni opera, ogni serie di opere, in un modo o nell'altro, è legata a un evento contemporaneo.

La sensibilità per l'ambiente sociale e il rispetto per il passato significa, per me, portare i vecchi modelli nel presente, combinando l'approccio tradizionale con la nuova tecnologia, per entrare in un dialogo silenzioso con il mio pubblico. E, mentre lo spettatore reagisce, l'entusiasmo per il nuovo può mettere in discussione la percezione del vecchio, dell'identità e di se stessi".

INTERVISTA con Alida Velea

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Alida Velea, che ha partecipato durante la mostra collettiva "Inner Colors", presso la sede della Lega Navale a Matera, dal 14 settembre all'08 ottobre 2023 con le opere: "Self Portrait", "A place", "Still Life 11, Lock up" and "Still Life 14, Lock up".

Carmela Loiacono - Potresti presentarti e dirci qual è il tuo background?

Alida Velea - Sono un'artista multimediale rumena che ama lavorare con diversi mezzi (ad esempio, pittura, fotografia, videoarte, arte digitale, disegno) ma con una passione per la pittura. Più precisamente, mi piace combinare i mezzi, soprattutto quello digitale con la pittura.

Per quanto riguarda la mia formazione professionale, mi sono laureata in tre università, nel seguente ordine: ingegneria, management e belle arti. In merito all'ultima mi sono laureata all'Università di Hertfordshire (Regno Unito) con il First-Class Honors Diploma. 

C. L. - Cosa influenza il tuo lavoro? Cosa ti ispira? Perché fai arte?

A. V. - Cosa mi ispira? Quasi tutto ciò che vedo e sento accadere intorno a me, e gli eventi sociali contemporanei sono tra i più significativi.

Per quanto riguarda le influenze sulla mia arte e il motivo per cui ho deciso di diventare un'artista, credo che si possa riassumere in una frase: i pittori impressionisti mi hanno fatto innamorare dell'arte! Artisti famosi come Monet, Manet, Pissarro e la visione post-impressionista di van Gogh mi hanno mostrato la bellezza dell'arte. Anche Morandi è un riferimento importante per me.

Più tardi, tuttavia, ho scoperto che una combinazione tra cubismo e surrealismo è ciò che si adatta molto bene al mio stile. E sebbene io sia una buona pittrice figurativa, mi piace anche esplorare l'arte astratta.

C. L. - Descrivici il tuo processo creativo.

A. V. - Il mio processo creativo è tanto importante quanto difficile e lungo. 

In seguito, intraprendo un ampio processo di ricerca che comprende l'uso di Internet, la lettura di libri, la visita di gallerie e l'esplorazione di musei. Scrivo all'incirca cosa conterrà ogni opera; da quale prospettiva guardo il soggetto, quanto voglio rivelare da esso e quanto voglio che sia una sfida per lo spettatore. Poi inizio gli schizzi, che possono essere disegni o collage digitali. Dopo averli creati, scelgo le dimensioni delle tele e cerco di adattare gli schizzi alle dimensioni; processo in cui enfatizzo alcune ombre, elimino oggetti, cambio totalmente la prospettiva e così via. Naturalmente, anche il colore o la pennellata subiscono dei cambiamenti.

Forse è per questo che riesco a completare solo una serie all'anno, con un maggior numero di opere in formato ridotto e un minor numero di tele più grandi.

Di queste scelgo di presentarne alcune al pubblico, di solito quelle che considero le migliori.

C. L. - Da dove vieni e come influisce sul tuo lavoro?

A. V. - Questa domanda mi piace particolarmente!

Sono nata in una piccola città rumena, Slanic, circondata dalla natura e con molte usanze e tradizioni specifiche della zona. Ogni zona della Romania ha il proprio folklore, per lo più legato alle festività religiose. Queste usanze hanno un'aura mistica, con storie bibliche adattate alla vita quotidiana o trasformate in racconti fantastici o surreali. C'è una forte presenza di misticismo e soprannaturale. Sono sempre stata affascinata da queste storie e ho studiato attentamente le nostre usanze popolari.

Credo che la loro influenza sia evidente nelle mie opere; dal fatto che nulla è come lo vediamo all'uso di motivi tradizionali rumeni (si veda, ad esempio, la mia ultima serie di opere, Feminine Frames).

C. L. - Qual è il momento della giornata che preferisci per creare?

A. V. - Dipende da molte cose; ma potrei dire che la parte creativa la faccio più di notte (disegno, creo alcuni collage digitali, cerco su un soggetto, su diverse combinazioni di mezzi) e la parte legata al lavoro sulla tela la faccio più di giorno.

C. L. - Come inizi un nuovo lavoro? Ha già un'idea in mente o inizi a lavorare con i materiali o con gli schizzi per trovare il punto di partenza?

A. V. - Lavoro in serie. Penso a un argomento specifico, a qualcosa che ho visto/sentito e che mi ha colpito. Poi, inizia la parte di ricerca (in diversi ambiti) e la parte creativa. Quando ho un'idea su come affrontare l'opera o la serie, inizio a disegnare o a creare collage digitali. Di norma, subiscono molte trasformazioni. Inizio a lavorare sulla tela quando ho già uno schizzo. Naturalmente, molte volte mi vengono altre idee e le applico direttamente sulla tela. 

È un processo complicato, ma mi piace!

C. L. - Dove vede andare la sua arte tra un paio d'anni?

A. V. - Amo quello che faccio e ogni opera contiene una parte di me. È un processo simbiotico: metto qualcosa di me nella tela e ricevo dagli spettatori ciò che ho dato. In psicologia, la simbiosi è definita come lo stato psicologico in cui i contenuti dell'inconscio di una persona sono vissuti dall'altra.

Spero quindi che col tempo la mia arte cresca sia in termini di qualità che di capacità di trasmettere un messaggio forte agli spettatori.

Mostre

・Agosto 2021: FOCUS ON COLOUR OF LIFE presso la Saatchi Gallery, Londra, Regno Unito

・Settembre 2021: “FOCUS ON COLOUR OF EMOTION” presso la Fitzrovia Gallery, Londra, Regno Unito

・Ottobre 2021: Mostra presso il Carrousel du Louvre, Parigi, Francia

・Marzo 2022: Mostra digitale “War and Peace” della art man gallery

・Giugno 2022: Mostra presso il Rihgaroyal Hotel Galllery a Osaka, Giappone

・Luglio 2022: Mostra presso GRAND NIKKO TOKYO DAIBA Hotel a Tokyo, Giappone

・Settembre 2022: Mostra presso il Carrousel du Louvre, Parigi, Francia

・Luglio 2023: M.A.D.S. Art Gallery, i lavori sono stati presentati in Times Square a New York City

・Agosto 2023: Mostra presso la Senbikiya Gallery e vincitrice dell'Art Award presso la Senbikiya Gallery 2023, Tokyo, Giappone.

DICHIARAZIONE DELL'ARTISTA

"Spero che i miei dipinti siano sempre accanto a voi, indipendentemente dal fatto che i vostri giorni siano buoni o meno. La vita non è facile e voi avete bisogno di guarigione e compassione. Spero che i miei dipinti trasmettano continuamente felicità e coraggio come una fontana, in modo che possiate riposare e prepararvi ad andare oltre l'oggi e il domani. "

I miei dipinti sono colorati e vivaci, raffigurano paesaggi che assomigliano a scene di un sogno romantiche e incantevoli.

L'acqua è un tema comune nelle mie opere.

Continuo a dipingere l'acqua perchè rappresenta la guarigione, oltre che la fonte di idee e di speranza.

Anche se non ci sono laghi veri e propri in questa località di Tokyo, ho scelto di raffiguarare l'acqua per simboleggiare il nutrimento dei cuori delle persone in una città affollata. 

A Matera c'è un piccolo fiume che scorre e io ho raffigurato un fiume più grande nel mio dipinto per esaltare la luminosità delle notti di luna di Matera e per portare conforto nei cuori delle persone.

La composizione dei miei dipinti a Tokyo e a Matera è notevolmente simile, e se il fiume del dipinto di Matera confluisse nel lago del dipinto di Tokyo, sarebbe un simbolo di amicizia, il che sarebbe meraviglioso". 

INTERVISTA con Miho Endo

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Miho Endo, che ha partecipato durante la mostra collettiva "Inner Colors", presso la sede della Lega Navale a Matera, dal 14 Settembre all'08 Ottobre 2023 con i lavori: "Beautiful Matera" e "Beautiful Tokyo".

Carmela Loiacono - Puoi presentarti e raccontarci il momento in cui hai deciso di intraprendere la carriera di artista?

Miho Endo - Sono Miho Endo, nata e cresciuta in una città ricca di natura a Fukuoka, in Giappone. Attualmente lavoro come pittrice impressionista, influenzata da Claude Monet. Originariamente sognavo di diventare una diplomatica e ho studiato economia e politica internazionale negli Stati Uniti e in Spagna. Mentre studiavo in Spagna, ho avuto l'opportunità di sperimentare l'arte e ho spesso fatto schizzi durante i miei viaggi in Europa. Ritengo che la pittura sia una carriera meravigliosa come quella del diplomatico, perché è in grado di far muovere le persone al di là della lingua e della cultura. Quando dipingo, le persone si riuniscono spesso intorno a me e dicono che i miei quadri sono belli, arricchiscono e regalano un momento felice. Continuo a dipingere per regalare alle persone esperienze così toccanti.

C. L. - Come descriveresti te stessa e il tuo lavoro artistico?

M. E. - Do valore al mio tempo personale tanto quanto al tempo che trascorro con gli altri. Mi piace immergermi nel mio mondo, approfondire i miei pensieri, fare passeggiate per apprezzare la bellezza della natura, accendere candele e dedicare tempo alla guarigione. I miei dipinti riflettono questo stile di vita, utilizzando colori pastello e tocchi morbidi per esprimere un senso di benessere e guarigione. Incorporo motivi simpatici come cani, cavalli, cigni e farfalle per creare un'atmosfera rilassante. Sarei felice se i miei dipinti potessero portare luce e speranza a chiunque li veda.

C. L. - Da dove trai ispirazione?

M. E. - L'ispirazione risiede nella bellezza della natura. Ci sono molti elementi curativi nella vita di tutti i giorni, come la luna che brilla dolcemente durante una passeggiata, la superficie del fiume che sembra parlarti, i colori degli alberi giapponesi che cambiano con le stagioni e gli occhi carini dei cani. Anche i momenti che mi hanno commosso, come il cielo stellato e i campi di fiori visti o la luce color arcobaleno nei miei sogni, sono diventati fonte di ispirazione per i miei dipinti. 

C. L. - Quali emozioni speri che gli spettatori provino quando guardano la tua arte?

M. E. - Voglio che chi vede i miei quadri provi guarigione e speranza. Anche nei giorni in cui sono disperati, sarei felice se potessero sentirsi sollevati e confortati guardando i miei quadri. I miei dipinti hanno una certa qualità infantile, con linee misteriose che non sono perfette, ma piuttosto come un gruppo di linee che parlano alle persone, dicendo "Sei meraviglioso così come sei". Spero che le persone possano trovare conforto nei miei dipinti, soprattutto nella nostra società così indaffarata.

C. L. - Come crei un nuovo lavoro? Hai già un'idea in mente o inizi a lavorare con i materiali o gli schizzi per trovare il punto di partenza? 

M. E. - Quando creo un nuovo quadro, lo immagino in base allo scenario che mi ha emozionato il giorno stesso. Non faccio schizzi, non uso tavolozza o pennelli. Stendo i colori direttamente sulla tela e do forma al dipinto con le dita e i tessuti. Man mano che dipingo, il concetto originale spesso cambia e aggiungo un castello, un cane, delle stelle o una luce misteriosa, scegliendo i colori a mio piacimento per rendere il quadro più bello e confortevole.

C. L. - Qual è il progetto dei tuoi sogni?

M. E. - Il mio progetto da sogno è viaggiare per il mondo, trovare nuovi scenari e mostrare i miei dipinti a persone di diversi Paesi. I dipinti possono trasmettere emozioni al di là della lingua, della cultura e della razza e possono essere tramandati alle generazioni future. Anche se i miei dipinti continueranno a cambiare nel corso della mia lunga vita, la base della guarigione rimarrà la stessa. Potrebbero esserci momenti in cui la pittura mi appassiona troppo per creare, ma il mio sogno è continuare a dipingere e trasmettere la guarigione a quante più persone possibile.

C. L. - Hai in programma qualche evento o mostra che dovremmo conoscere?

M. E. - La prossima mostra si terrà in Giappone nel gennaio 2024 nell'ambito di un evento di amicizia tra Giappone e Francia. Il dipinto è un'opera di colore rosa acceso che trabocca di fiori di glicine intorno a un ponte. Il dipinto ha vinto il primo premio dell'evento. Inoltre, è prevista una seconda mostra a Matera, e sono grato a te, dottoressa Carmela, per avermi invitato a questo meraviglioso evento.

Dichiazione dell'artista

"La pittura è per me un modo per trovare pace e nuove visioni nel mondo surreale dell'arte. Creo dipinti che sono una combinazione di tecniche tradizionali di pittura a olio e delle possibilità offerte dalla tecnologia moderna. Recentemente, ho iniziato il mio lavoro schizzando le prime idee, che poi ho trasformato in scenari 3D e infine ricreato su tela. Con la mia arte invito lo spettatore a stabilite un legame basato su un senso di sicurezza che avvolge l'anima assetata di tenerezza". 

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Ewe Klimik, che ha partecipato durante la mostra collettiva "Inner Colors" presso la sede della Lega Navale a Matera, dal 14 settembre all'08 ottobre 2023 con l'opera "Framed".

Carmela Loiacono - Puoi presentarti e raccontarci il momento in cui hai deciso di intraprendere la carriera di artista?

Ewe Klimik - Sono un'artista e designer polacca. Ho deciso di lavorare come artista professionista mentre terminavo la mia tesi di laurea. Stavo per laurearmi all'Accademia di Belle Arti con una specializzazione in design, ma il lavoro nel dipartimento richiedeva un pensiero più tecnico. A quel tempo, la pittura era la mia pausa preferita dalla vita quotidiana. In quel periodo stavano succedendo molte cose. Era l'inizio della pandemia, così ho continuato a lavorare al mio diploma mentre ero chiusa tra le mie quattro mura. Inoltre, subito dopo la laura, stavo progettando di trasferirmi all'estero. Questi eventi hanno fatto sì che nella mia mente si creassero molte idee astratte, che ho deciso di riversare sulla tela. Nel corso del mio lavoro è emerso che è a questo che voglio dedicarmi.  

C. L. - Come descriveresti te stessa e le tue opere?

E. W. - Sono una persona che apprezza molto la pace e le vibrazioni positive. Mi piace condividere questa energia nel mio lavoro. Inoltre, descriverei il mio lavoro come surreale e astratto. Anche se nella mia ultima opera sono stata tentata di inserire tocchi realistici raffiguranti un gruppo di donne, sono le pennellate sottili e i contorni sfocati che probabilmente diventeranno il mio marchio di fabbrica.

C. L. - Dove trovi l'ispirazione?

E. K. - Ho la sensazione di non cercarla mai, ma che sia lei a trovare me. Arriva come una sorpresa. Una volta è l'architettura barocca, un'altra è il corpo femminile, la natura o i luoghi che ho visitato di recente. In fondo, cerco sempre di documentare tutto ciò che mi ispira.

C. L. - Sei stata selezionata per la mostra Inner Colors con l'opera "Framed". Descrivici il tuo processo creativo per realizzare quest'opera e il suo significato.

E. K. - L'idea di creare l'opera è nata in un ristorante dove abbiamo festeggiato il 60° compleanno di mio padre. Avevamo un tavolo con una bella vista sul lago. Ho pensato che sarebbe stata una grande idea iniziare un nuovo ciclo, cioè una natura colorata e persone che assomigliano a sculture che guardano ciò che accade dall'altra parte. Anche se il dipinto "Framed" mostra il deserto durante il tramonto, in realtà sono stato ispirato dalla vista della città durante una gita a Massa Carrara. Ho semplicemente deciso che i movimenti delicati del pennello avrebbero riflesso meglio la sottigliezza che volevo presentare nel dipinto. Questo dipinto è stato realizzato in due città. A Łódź e nella mia città natale, Szczytno. Ho diviso il processo creativo in due fasi. Durante la prima fase, ho lavorato su uno schizzo dell'intero dipinto e sulla pittura del paesaggio. Nella seconda fase ho dipinto le donne e gli ornamenti che si snodavano intorno al paesaggio. Mantenere questo ordine è stato molto importante perché ha dato all'intera immagine un carattere tridimensionale.

C. L. - Abbiamo avuto il piacere di incontrarci personalmente e di conoscere altri artisti selezionati. Qual è stata la tua esperienza durante l'inaugurazione della mostra?

E. K. - Sono rimasta affascinata dalla sede della mostra. L'interno della grotta ha conferito un carattere incredibilmente intimo all'intero evento. Non capita spesso di visitare luoghi del genere. In particolare, gli organizzatori, gli artisti, gli ospiti e i deliziosi rinfreschi sono stati molto cordiali! Che ci siano sempre più incontri di questo tipo!

C. L. - L'arte ti aiuta anche in altri ambiti della tua vita?

E. K. - Certamente! Per me personalmente, aiuta a liberare ogni tipo di emozione. Creare sviluppa anche enormemente l'immaginazione, che è molto utile in varie situazioni della vita, dove la creatività è l'unica soluzione migliore.

C. L. - Professionalmente, qual è il tuo obiettivo o i tuoi obiettivi per il futuro?

E. K. - Da più di un anno sto lavorando a disegni di gioielli che si riferiscono ai miei dipinti. Da allora ho raccolto molte idee interessanti. È arrivato il momento di realizzarle! Non vedo l'ora di farlo!

Ha vissuto nei Paesi Bassi e ha messo radici in un luogo magico in Italia. In questo percorso, i musei sono stati i suoi migliori compagni di viaggio.

Studia il percorso dell'arte dai suoi inizi, fino ad oggi; l'interesse a conoscere la vita dei pittori e il loro tempo, e a contemplare le loro opere, è una costante scoperta che la pittura è un'espressione dell'anima.

Davanti a ogni tela pensa all'autore, al perché in ognuna di esse, di tali luci e ombre, tratti, espressioni, colori. Cosa avrebbe provato in quel momento, cosa stava accadendo intorno a lui, quali erano le sue visioni.

Da Lorenzo Lotto a Ghirlandaio, Fortuny, Rothko, Modigliani, de Chirico, tutti hanno inciso su di lei qualcosa, hanno inciso con un'immagine, un'emozione, un tema.

Ora vive a Madrid e il suo momento migliore della settimana è la visita al Museo del Prado, un luogo dove si gode ogni conferenza, ogni corso, ogni minuto tra le sue sale come un'osservatrice d'arte, una passione che domina le sue ore.

Durante la triste pandemia, ha trovato rifugio in questo piccolo atelier. Grazie alla tecnologia, ha potuto recuperare le ore di lezione con Corina, ormai virtuali.

È stato un momento di connessione con l'interno, per provare nuove tecniche, nuovi supporti, nuovi materiali. Collage, legno, cartone, aniline e acquerelli sono stati incorporati nel suo lavoro e oggi accompagnano tele e dipinti a olio.

Era anche un momento per esprimere sentimenti, per parlare attraverso le opere. Un tempo in cui creare per mostrare il nostro mondo interiore e le nostre emozioni, tutte. Era un tempo di divertimento, di lasciare che i materiali fluissero e giocassero. In definitiva, per essere liberi... dentro di noi.

Oggi, dice di essere felice quando si trova davanti a una nuova tela, un pezzo di cartone o un foglio bianco, che può essere trasformato con tratti e pennellate pieni di sentimenti.

DICHIARAZIONE DELL'ARTISTA

"Da quando ho memoria, l'arte, la storia e la lettura sono state le mie passioni. Anche se ho deciso di studiare Legge e ho lavorato come avvocato per più di 20 anni, le mie passioni non mi hanno mai abbandonato. Mi hanno accompagnato, perché ho iniziato a frequentare un'Accademia d'Arte mentre ero all'Università. I miei inizi sono stati con l'olio e la tela, ma ora, dopo 40 anni, sono felice di poter utilizzare tutte le tecniche, i materiali e i supporti, e mi sento molto a mio agio nel realizzare opere astratte, giocando con forme geometriche, cerchi e linee nere.

Le vicissitudini della vita mi hanno portato verso una nuova destinazione: L'Europa. Una volta lì, ho vissuto nei Paesi Bassi e ho messo radici in un luogo magico in Italia.

È stato a questo punto della mia vita che ho deciso di seguire i miei sogni e le mie passioni. Ho studiato Storia dell'Arte e ho iniziato a trasformare le mie passioni nella mia attività principale.

Per me l'arte è l'espressione dell'anima. Penso che tutta la mia vita sia nelle mie opere d'arte e che le mie opere mostrino la mia vita e le influenze di tutti gli artisti che hanno avuto un impatto su di me in diversi modi. Oggi mi sento felice ogni volta che mi trovo di fronte a una nuova tela, un pezzo di cartone o un foglio di carta bianco, che posso trasformare con pennellate, sentendo che sono venute direttamente dalla mia anima".

INTERVISTA con Adriana Setter

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Adriana Setter, che ha partecipato durante la mostra collettiva "Inner Colors", presso la sede della Lega Navale a Matera, dal 14 Settembre all'08 Ottobre 2023 con i lavori:  "Equilibrio", "Colores del Campo", "Limpiando pinceles" e "City Purple". 

Carmela Loiacono - Puoi presentarti e raccontarci come hai iniziato a occuparti di arte? 

Adriana Setter - Sono Adriana Setter, quasi felicemente sessantenne, madre di due splendide figlie e benedetta da un grande compagno da 40 anni.

Sono nata in Argentina, ma sono anche italiana... per amore e per scelta.

C. L. - Qual è il tuo background? 

A. S. - Sono un avvocato, ma da quando ho memoria l'arte, la storia e la lettura sono state le mie passioni. 

Anche se ho deciso di studiare Legge e ho lavorato come avvocato per più di 20 anni, le mie passioni non mi hanno mai abbandonato. Al contrario, mi hanno accompagnato, dato che ho iniziato a frequentare un'Accademia d'Arte mentre ero all'Università.

Nel 2006 il destino mi ha portato in Europa, un universo infinito di culture, arte e storia diverse. Approfittando di questo cambiamento di scenario, ho preso una decisione fondamentale: ho iniziato a studiare Storia dell'Arte... e ho continuato a dipingere.

C. L. - Puoi parlarci del processo di creazione delle tue opere? Qual è la tua tipica routine di lavoro? 

A. S. - Beh... è complicato rispondere :-). In generale, è un processo di pensiero, come serie o studi, pezzi che organizzo dalle dimensioni ai colori.

Ma a volte... è la magia di esprimersi senza alcuno schema o regola, e nemmeno un pensiero precedente. È solo... ok... andiamo...

Ho il mio atelier a casa, il che significa che... sono sempre lì :-) . Come routine, al mattino organizzo le carte, le mail, tutto il "lavoro amministrativo" - che è qualcosa che mi è rimasto dalla mia precedente vita di avvocato :-), oppure pulisco e controllo i materiali. 

E nel pomeriggio..... inizia la parte migliore!!! Creare, dipingere... Sempre con la musica o la radio accesa!!!

2 giorni alla settimana, ho le mie lezioni virtuali di pittura con la mia adorabile amica e migliore insegnante Corina Caldelas, la mia guida da 30 anni.

C. L. - Chi sono le tue maggiori influenze artistiche? 

A. S. - Naturalmente tutti i grandi Maestri... Leonardo Da Vinci, Michelangelo, Botticelli..., impossibile citarli tutti, ma da Lorenzo Lotto a Ghirlandaio, Fortuny, Rothko, Modigliani, de Chirico, tutti hanno inciso su di me, tutti hanno inciso con un'immagine, un'emozione, un tema.

E non posso non citare Alberto Delmonte ed Emilio Pettorutti, grandi rappresentanti del costruttivismo che mi hanno fatto pensare tanto attraverso le loro opere.

C. L. - Durante le mostre Inner Colors, lei hai presentato le tue opere: "Equilibrio", "Colores del Campo", "Limpiando pinceles" e "City Purple". Potresti descrivere queste opere? 

A. S. - Le quattro opere che hai selezionato sono tutte diverse per tecnica e anche per periodo, ma la catena comune è l'uso dei colori.

City Purple è un'opera di piccolo formato, che utilizza un solo colore: il viola. Le linee e le ombre sono state realizzate con matite bianche e gialle.

Equilibrio è un'opera d'arte geometrica, che bilancia texture e forme. Ho usato olio e pastello, con diversi strati liquidi e diluiti.

Colores del Campo... Ho sempre delle piccole tele per testare i colori o i materiali. Questa è una di quelle... Stavo provando alcuni colori per un altro dipinto. Dopo aver finito il quadro grande... sono tornato su di esso e sono iniziati ad arrivare forme e colori familiari della natura: tutti quei ricordi de "El Campo Argentino". Così ho deciso di continuare a lavorare nel tester e sono soddisfatto dei risultati.

Limpiando pinceles... Stessa storia, anche questa tela era un tester... e ho continuato ad applicare pennellate su di essa fino a quando qualche città ha iniziato a rivelarsi. Tuttavia, la verità è che stavo testando gli strati e pulendo i miei pennelli!!! Quindi non cambio il nome, perché è nato così...

C. L. - Quando sai che un'opera è finita? 

A. S. - Quando mi ci trovo davanti e non voglio aggiungere altro se non la mia firma. In quel momento mi rendo conto di aver espresso tutto quello che c'era sopra e l'opera sembra dire "È Ok....".

C. L. - A quali progetti interessanti stai lavorando in questo momento? Puoi condividere alcuni dei piani futuri per le tue opere?

A. S. - Beh, ho due mostre in programma: Nella House of Parliament di Malta, dal 6 al 23 ottobre, e nel Central State Museum di Almaty, Repubblica del Kazakistan, a novembre.

Sarò inoltre premiata a Malta con il premio "I Segnalati" e a Washington con il premio internazionale "Art Leaders".

Quest'anno è stato davvero straordinario, ricco di mostre e riconoscimenti. Mi sento molto grata e onorata per questo.

L'anno prossimo parteciperò a un paio di fiere a Madrid, in Spagna, e anche ad Algarve, in Portogallo, e lavorerò in una mostra SOLO a Hilversum, nei Paesi Bassi.

Per quanto riguarda l'arte, sto lavorando a un progetto che è un tributo a tutte le donne che hanno lasciato l'eredità.... e anche ad altre cose che riguardano Doors.... 

Ma sicuramente ne arriveranno altri :) 

E sarò molto felice se uno di questi "altri" sarà lavorare di nuovo con te, Carmela.

Riitta Nelimarkka ha ricevuto il titolo onorario di professore dal presidente della Finlandia nel 2008. Ha ricoperto diversi incarichi di fiducia, tra cui quello di membro del consiglio di amministrazione della Kiasma support foundation dal 2017 e di presidente della Nelimarkka-foundation 1987-2021, 1921 - il curatore. 

È stata più volte premiata dallo Stato finlandese e da numerose biennali d'arte e festival cinematografici internazionali per i suoi libri e film d'animazione; l'ultimo premio è il grande tessuto alla Biennale di Firenze 2021. Nel 2016 ha ricevuto l'Ordine di Francia con la distinzione di Officier des Arts et Lettres. 

Virtualmente: Riitta Nelimarkka BONGA ART youtube: https://youtu.be/r9WZucI8qsY

https://artspaces.kunstmatrix.com/en/exhibition/4884308/riitta-nelimarkka-happiness-allowed

www.nelimarkka.com

www.bonga.fi

Dichiarazione dell'artista

"Devo dire che più a lungo faccio arte, meno capisco da dove viene, dove va e perché la faccio. 

Il punto di partenza di una serie di opere può essere un piccolo schizzo scarabocchiato anche decenni fa, qualcosa trovato in un cassetto che mi ispira per la sua autenticità e la sua semplicità. Per esempio, il disegno di un cupido con una stella, il cui modello è mio figlio Max Seeck, scrittore, è stato lo spunto per la suite musicale Preludes, che comprende centinaia di dipinti e fotografie.

Mi sembra artificioso presentare tesi o manifesti sui principi della mia arte, anche con il senno di poi, poiché ritengo che l'arte a cui vale la pena aspirare, in tutte le diverse fasi della sua vita, sia per sua natura difficile da schematizzare e si rifiuti di rimanere in un unico luogo. È proprio questa qualità di non possidenza che la mantiene viva, sia per chi la crea che per chi la riceve. 

Le mie aree di predilezione fondamentali e i miei temi artistici sono in realtà senza tempo, del tipo "l'umano è bello". Questo, naturalmente, non significa che un'opera inetta e appena abbozzata sia accettabile come opera d'arte.

I miei "strumenti" sono il disegno, il colore, il movimento, la musica, l'opera, la cosmologia, i sogni, le strane creature, le interpretazioni surreali, l'infinità di variazioni, gli ibridi del bene e del male, una simpatica indifferenza al mainstream, un'indipendenza ottimale e un'allegra assunzione di rischi.

Anche se le mie opere sono colorate e folli, di buon umore (così dicono) e portano gioia, fanno anche dichiarazioni clandestine di opinione, e dietro il sipario del proscenio dell'allegria possiamo intravedere la tragedia del backstage".

INTERVISTA con Ritta Nelimarkka 

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con la professoressa Ritta Nelimarkka, che ha partecipato durante la mostra collettiva "Inner Colors",  presso la sede della Lega Navale a Matera, dal 14 settembre all'08 ottobre 2023 con i lavori: "L'enfant du Jardin de Monet" e "Les petites sauvages dans le jardin de Monet".

Carmela Loiacono - Può raccontarci il momento in cui hai deciso di intraprendere la carriera di artista? 

Riitta Nelimarkka - O la la! Il momento! Forse è stato quando a 15 anni ho scritto la biografia/romanzo di Vincent van Gogh. Irving Stone: Vincent van Gogh: Lust for Life.

Mi sono sentita profondamente toccata e mi sono entusiasmata per il modo in cui un artista pone l'arte come priorità assoluta nella sua vita, e anche per il modo in cui l'arte può essere sorprendentemente vista quasi come un'amante.

C. L. - Qual è il tuo background? 

R. N. - Mio nonno, il prof. Eero Nelimarkka era un artista famoso in Finlandia e anche all'estero. 

I miei genitori erano entrambi ingegneri. Mio padre, che era anche un inventore, ha fondato un'azienda ventile di successo internazionale, la Neles Ltd.

C. L. - Chi sono le tue maggiori influenze artistiche? 

R. N. - Dovrei citare molti nomi, perché ho avuto influenze molto varie, diverse e incostanti.

Maurice Ravel, Paolo e Vittorio Taviani, Milan Kundera, Giacomo Puccini e i classici come Matisse, Bonnoard e Picasso. 

C. L. - Qual è il momento della giornata che preferisci per creare? 

R. N. - Al mattino, non troppo presto, inizio la giornata con un caffè super nero, poi faccio una nuotata nel lago (tutto l'anno) e faccio yoga. Dopo queste manovre mi sento come una bella tabula rasa :) e sono pronta a tutto. Anche la tarda serata, fino a mezzanotte, è fruttuosa. 

C. L. - Sei stata selezionata per presentare le tue opere: "Les petits sauvages du jardin de Monet" e "L'enfant vert du Jardin de Monet". Potresti descrivere queste opere? 

R. N. - Queste opere appartengono a un'ampia serie PRELUDES 2016 - 2023, che consiste in ritratti espressivi e sensibili, disegnati in modo semirealistico, di bambini che giocano in paesaggi onirici. 

L'ispiratore è stata la fantastica musica di Claude Debussy, in particolare i suoi Preludi, e anche il bellissimo giardino di un altro Claude, il pittore Claude Monet. Ho realizzato un video su queste scene che è stato proiettato al Musiikkitalo di Helsinki insieme all'Orchestra della Radio Finlandese.

C. L. - L'arte ti aiuta anche in altri ambiti della tua vita?

R. N. - Sicuramente è un grande aiuto. Io "consumo" arte, soprattutto musica, libri di ogni genere e mostre, regolarmente e spontaneamente concerti, opera, musei...

Naturalmente il puro fare arte tiene vicini alla vita reale, ma forma anche uno strumento perfetto per sfuggire al grigiore di una quotidianità a volte pesante. 

C. L. - Professionalmente, qual è il tuo obiettivo? 

R. N. - Probabilmente lavoro come artista, perché voglio vivere una vita relativamente libera dalle autorità. Inoltre, sono sempre stata interessata a nuovi modi e tecniche per filtrare le mie esperienze, i miei sentimenti, pensieri e valori in questo strano mondo.

Tutto viene dal cuore e dalla testa. 

Mi propongo di essere onesta, non falsa, di rinnovarmi, di non ripetermi e, cosa molto importante, di raggiungere il pubblico (non proprio al 100%, non è nemmeno l'ideale), ma abbastanza numeroso da avere la certezza di non faticare invano. Il mio obiettivo è creare un dialogo, non un monologo. 

DICHIARAZIONE DELL'ARTISTA

"L'atto di creare serve come processo contemplativo attraverso il quale cerco di mostrare la connessione dello spirito universale di tutti gli esseri viventi. Mi concentro e sono assorbita dall'atto meditativo della pittura. L'esperienza di essere abbracciati dallo spirito universale si esprime attraverso la luminosità del colore e della luce, il movimento attraverso il gesto, la ricchezza attraverso la stratificazione del colore e la profondità attraverso l'intreccio dei segni. L'elemento delle forme geometriche che emerge manifesta la bellezza attraverso l'equilibrio, il ritmo e l'armonia. Il segno calligrafico, con un senso di eterna ripetizione, rappresenta la coscienza infinita. Il movimento e l'energia dei segni calligrafici mostrano il costante stato di flusso o vibrazione di ogni cosa".

INTERVISTA con Shafaq Ahmad 

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Shafaq Ahmad, che ha partecipato durante la mostra collettiva "Inner Colors", presso la sede della Lega Navale a Matera, dal 14 Settembre all'08 Ottobre 2023 con i lavori: "Of me of me be conscious" e "Be and it is".

Carmela Loiacono - Puoi presentarti e raccontarci come hai iniziato a occuparti di arte? 

Shafaq Ahmad - Mi chiamo Shafaq Ahmad, sono nata e cresciuta in Pakistan fino all'età di 20 anni e da allora ho vissuto nel Regno Unito, in Danimarca, in Iran e negli Stati Uniti. Sono un'artista e designer multimediale con sede in Texas, negli Stati Uniti. 

In realtà volevo studiare architettura, ma poiché all'epoca non c'erano programmi disponibili nel luogo in cui vivevo, ho scelto di frequentare il Bachelor of Fine Arts presso la Virginia Commonwealth University con una specializzazione in design. Alcuni anni dopo ho conseguito il Master of Fine Arts in Studio Arts presso la Texas Christian University di Fort Worth, Texas.

C. L. - Qual è la tua prima esperienza nel fare arte? 

S. A. - Naturalmente, da bambini la maggior parte di noi ha l'opportunità di fare arte a scuola o a casa. Una delle esperienze più profonde che ho vissuto da bambina è stata quella di imparare a scrivere l'alfabeto arabo su una tavoletta di legno con una penna e un inchiostro di bambù. Non era un'opera d'arte, ma molto più tardi, quando ho cercato di fare arte, ho scoperto che l'esperienza di scrivere sulla tavoletta di legno ha giocato un ruolo importante nella mia pratica artistica. Poiché avevo una sola tavoletta di legno, per poterla usare più volte la superficie doveva essere ricoperta con un gauche chiamato Gachi, che permetteva di riutilizzare la superficie di legno. Sebbene la tavoletta di legno potesse essere lavata tra un'applicazione e l'altra, rimaneva comunque un'immagine fantasma della scrittura precedente. Questa stratificazione della scrittura è evidente nel mio lavoro.

C. L. - Qual è il tuo background? 

S. A. - Sono nata a Rawalpindi, in Pakistan, e sono cresciuta in diverse parti del Paese con la mia famiglia. In Pakistan la popolazione è molto eterogenea e ogni regione ha la propria lingua, letteratura, musica, arte popolare e abiti tradizionali. Una cosa in comune sono i colori vivaci, l'artigianato unico e le texture presenti ovunque. Sono stata anche molto fortunata a far parte di una famiglia in cui l'arte in tutte le sue forme era apprezzata. Anche se, crescendo, pensavo di non essere troppo interessata alle arti, ho avuto modo di partecipare a molte sessioni di poesia, discussioni letterarie e di conoscere le arti visive, la storia dell'arte e l'antiquariato. Tutte queste conoscenze, crescendo, hanno creato in me la sete di esplorare l'arte in tutte le sue forme, soprattutto durante i miei viaggi in giro per il mondo.

C. L. - Da dove trai ispirazione? 

S. A. - Sono cresciuta con la sensazione di qualcosa di più grande di ciò che ero e del mondo in cui mi trovavo. Questa sensazione l'ho avuta fin da piccola. Ho iniziato a comprenderla meglio attraverso la mia fede e la mia costante lotta per trovare la verità. Questa è la base della mia opera d'arte per cercare la verità, che è illimitata e mi ha lasciato di stucco.

Ci sono diversi altri fattori che influenzano la scelta che faccio come artista per esprimermi. Naturalmente, la letteratura e le arti del mondo islamico sono per me fonte di grande ispirazione, così come la natura che mi circonda. Vedo l'essere umano come un microcosmo e il cosmo come un macrocosmo. Sono anche molto interessata agli sviluppi nel campo della tecnologia, dell'astronomia e dell'astrofisica. 

Il vocabolario della mia arte consiste nella ripetizione, nella stratificazione, nelle forme geometriche che emergono e che creano una profondità nell'immagine finale e un senso di equilibrio e armonia.

C. L. - Quanto tempo ci vuole per produrre un'opera? 

S. A. - Il tempo varia a seconda del mezzo che utilizzo per creare l'opera. Nella maggior parte dei casi mi piace lavorare in serie, che possono essere composte da vari mezzi. 

Per un singolo dipinto direi che ci vogliono dai 4 ai 6 mesi. Ma naturalmente lavoro sempre a più di un dipinto alla volta. 

Il lavoro digitale, per la maggior parte, richiede meno tempo. Per esempio, nella mia serie Forty Days Forty Nights ho creato quaranta immagini in quaranta giorni consecutivi, un'immagine al giorno.

C. L. - Sei stata selezionata per la mostra Inner Colors con le opere "Of me of me be conscious" e "Be and it is". Descrivici il tuo processo contemplativo per creare le tue opere e il loro significato interiore. 

S. A. - Questi due dipinti sono una contemplazione del Creatore, che credo sia presente ovunque e non abbia né inizio né fine. Se diventiamo consapevoli di questo fatto, allora iniziamo a vedere come tutto sia collegato nel cosmo.

C. L. - Abbiamo avuto il piacere di incontrarci personalmente e di conoscere altri artisti selezionati. Qual è stata la tua esperienza durante l'inaugurazione della mostra? 

S. A. - È stato un grande piacere incontrarti finalmente di persona dopo una corrispondenza durata alcuni mesi. Mi congratulo con te e con il suo team per una mostra molto ben pensata e significativa e per tutto l'impegno profuso. Ho potuto cogliere appieno la tua visione di portare artisti da ogni angolo del mondo, permettendoci di esprimere i nostri colori interiori. Sono stata molto contenta di incontrare anche altri artisti e di conoscere un po' il loro processo di pensiero e la loro pratica creativa. Mi congratulo con tutti gli individui e le organizzazioni che sostengono questo evento. Tutti sono stati accoglienti e hanno espresso molto interesse e calore durante la serata. Spero che questa mostra abbia il successo sperato e attendo con ansia ulteriori collaborazioni.

C. L. - Quali sono i tuoi nuovi obiettivi di carriera? 

S. A. - Voglio solo continuare a fare arte. Mi piace collaborare con altri artisti, curatori, esperti d'arte ed educatori per approfondire la mia ricerca di apprendimento e far crescere le mie esperienze attraverso la condivisione di idee e pensieri e la cooperazione con gli altri in modi significativi per evolvere come persona e come artista. Voglio aiutare il pubblico a vivere esperienze diverse e a conoscere altre culture e punti di vista attraverso l'arte.

C. L. - Hai in programma qualche prossima mostra o premio di cui dovremmo essere a conoscenza?

S. A. - Ho un paio di progetti in cantiere con mostre personali, negli Stati Uniti e all'estero, e condividerò ulteriori informazioni non appena si concretizzeranno.

In autunno parteciperò alla Shanghai Art Fair.

"Pur continuando a lavorare nella tradizione figurativa, credo che, come ha affermato Francis Bacon, sia necessario un nuovo realismo; e con questo obiettivo cerco di creare una pittura 'significativa' piuttosto che un quadro decorativo".

"Credo che l'arte debba riflettere e sfidare i cambiamenti all'interno di tutte le società, e tentare un approccio di sfida perspicace per evitare di sprofondare nel compiacimento e nella banalità.

Il mio interesse specifico risiede nel gioco interattivo della psiche di un individuo all'interno di un dialogo personale o di gruppo; la natura personale più 'vera' di tale individuo è spesso nascosta dietro una maschera blanda di etichetta sociale; con questo concetto in mente, il mio lavoro non è etichettato o intitolato; in questo modo si permette all'osservatore una maggiore e più libera interpretazione del mio lavoro senza alcuna idea preconcetta."

INTERVIEW with David Whitfield

Carmela Loiacono dialoga con David Whitfield, che ha partecipato durante la quorta mostra di RenovArt | 100 Artisti per il Futuro, dal 5 Dicembre 2022 al 3 Gennaio 2023 a Matera, presso la Galleria Spazio Opera con 4 opere.

Carmela Loiacono - Potresti presentarti e raccontarci come hai iniziato a occuparti di arte e la tua prima esperienza nel fare arte?

David Whitfield - Non riesco a ricordare un momento in cui non ho disegnato o dipinto, anche da bambino prima di iniziare la scuola disegnavo, i giorni di pioggia non erano un problema per me!

Durante la scuola e poi l'istituto d'arte e vari tipi di lavoro per mantenermi solvibile ho dipinto, spesso fino a notte fonda. Alla fine sono andato in pensione anticipata da infermiere manager per trasferirmi in Francia dall'Inghilterra e ho avuto il piacere di dipingere a tempo pieno.

C. L. - Chi sono le tue maggiori influenze artistiche? Qual è il significato o l'ispirazione creativa del tuo lavoro?

D. W. - Le prime influenze provenivano da movimenti piuttosto che da singoli artisti; il surrealismo è stato il principale, anche se attraverso vari stili, Cézanne è stato un'influenza quando dipingevo con i colori ad acqua; la fotografia, i libri e persino la musica sono stati un'influenza.

C. L. - Ci puoi parlare delle tue opere esposte durante la mostra? 

D. W. - Evito sempre i titoli delle mie opere, preferendo che lo spettatore interpreti l'immagine di conseguenza, secondo la propria prospettiva ed esperienza di vita.

C. L. - Quanto tempo ci vuole per produrre un'opera?

D. W. - La produzione di un dipinto richiede molto pensiero e contemplazione, che ovviamente non possono essere visti dallo spettatore; la decisione di usare un particolare colore, di modificare la composizione, la scala, di aggiungere o sottrarre, nel processo creativo sarebbe più lunga del tempo fisico per mettere la vernice sulla tela!

C. L. - Descrivi come l'arte è importante per la società.

D. W. - L'arte nella società è una proposta difficile, ma aiuta a richiamare l'attenzione su diverse sfaccettature della società e favorisce la contemplazione e la chiarezza di pensiero verso il particolare soggetto dell'opera d'arte, nonché il semplice piacere estetico che emana verso lo spettatore.

C. L. - L'arte ti aiuta anche in altri ambiti della tua vita?

D. W. - Recentemente Virginia Ganucci, critico d'arte e gallerista degli Uffizi, ha riassunto il contenuto del mio lavoro in una recente mostra.

Dipingendo da quasi 30 anni, ha sviluppato un suo stile personale e la pittura a correre è un elemento che inserisce nella maggior parte dei suoi dipinti.  Lavora prevalentemente a olio, ma talvolta anche con colori acrilici. A suo parere, la pittura a olio è più tattile e dà un'espressione più ricca e profonda. In alcune opere utilizza anche tecniche miste.  Di solito medita prima di iniziare a dipingere. Ultimamente ha iniziato a dipingere il primo e il secondo strato con le dita; è come se avesse bisogno di questo stretto contatto con il medium per sentire l'immagine che si evolve sotto le sue dita.

Dichiarazione dell'artista

"Voglio che tutti scoprano la magia dell'arte, dove tutto è permesso e tutto è possibile".

INTERVISTA con Ann-Brit Christoffern

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Ann-Brit Christoffern, che ha partecipato durante la mostra itinerante Flowing Identities a Matera presso la Lega Navale Matera dal 1 al 22 Marzo 2023 e presso la Galleria Spazio Opera, dal 12 al 26 Aprile 2023 con le opere: "Undertow" e "No title".   

Carmela Loiacono - Potresti presentarti e raccontarci come hai iniziato la tua attività artistica?

Ann-Brit Christoffern - Sono un'artista, principalmente dipingo e disegno, ma lavoro anche con la landart e scrivo un blog d'arte. Dipingo da quasi 30 anni. Sono sposata e ho due figli meravigliosi.

Sono sempre stata molto interessata all'arte, ma ho iniziato a dipingere sempre di più dopo aver frequentato la scuola estiva dell'Edinburgh College of Art nel 2005. Il modo in cui sono stata accolta e le persone che ho conosciuto mi hanno fatto capire che quella era la mia vera strada. Ci sono tornata altre tre volte.  Questo mi ha portato a studiare arte all'Università di Agder nel 2014 e a conseguire un BA in Arts and Crafts nel 2017.  

C. L. - Qual è il tuo background?

AB. C. - Da giovane volevo studiare arte, ma mi è stato sconsigliato. Ho quindi studiato legge, ma dopo aver lavorato per un po' con l'Agenzia delle Entrate mi sono resa conto che il mio cuore non era lì e che non sarei stata felice se non avessi cambiato strada. Fortunatamente mio marito e i miei figli mi hanno sostenuta al 100%. 

La mia famiglia si è trasferita spesso quando ero bambina, quindi sono diventata piuttosto priva di radici. Una volta un amico mi ha detto che avevo radici d'aria, e questa immagine mi è rimasta impressa nella mente e ricorre spesso nella mia arte.

C. L. - Tu hai presentato le tue opere "Undertow" e "No title". Parlaci di queste due opere. Qual è il loro significato?

AB. C. - Ho dipinto "No title" quando avevo trovato il mio stile personale con la pittura a correre.  Volevo dipingere astratti e in quest'opera ho semplicemente seguito il flusso e i colori e le forme mi hanno portato avanti. Ecco perché non ho trovato un titolo. 

In "Undertow" ho dipinto uno scenario sottomarino, ma ho capito subito che si trattava anche di un tema psicologico. I pensieri oscuri e le esperienze precedenti possono trascinarti giù come le correnti sottomarine, quando sei fuori a nuotare. 

C. L. - La pittura che scorre è un elemento che inserisci nella maggior parte dei tuoi dipinti. Potresti descriverci questo tipo di pittura?

AB. C. - Volevo trovare la mia espressione personale e ho scoperto che la pittura che scorre è qualcosa che mi attrae.  Credo che crei un'illusione di movimento. Allo stesso tempo mi permette di esplorare ciò che accade quando i colori si mescolano. Trovo anche che possa creare linee emozionanti in un dipinto. 

C. L. - Dove trovi l'ispirazione?

AB. C. - Trovo ispirazione nei film e nei libri. Una scena di un film può rimanere impressa nella mia mente e devo solo esplorarla. Lo stesso vale per i libri. Trovo molta ispirazione anche stando in mezzo alla natura.  Vivo vicino a una foresta e spesso vado là fuori a creare landart o a fare schizzi da tre e da piante.  E medito, sia a casa prima di iniziare a dipingere, sia nella foresta.

C. L. - Qual è il progetto dei tuoi sogni?

AB. C. - Il mio sogno è poter rimanere in Italia per un periodo più lungo e lavorare a una serie di dipinti tratti dalle opere di William Shakespeare. Quando ero giovane leggevo le sue opere e vedevo nella mia testa tutte queste immagini meravigliose e colorate. Ho appena iniziato questo progetto con alcuni dipinti, ma mi piacerebbe andare in Italia e fare degli schizzi della meravigliosa architettura antica. Mi piacerebbe dipingere ed esplorare le varie opere e concludere il viaggio che ho iniziato da giovane. 

C. L. - L'arte ti aiuta anche in altri ambiti della mia vita?

AB. C. - Oh, sì, lo fa. So che ora sono una persona più socievole. Ho conosciuto persone che non avrei mai incontrato prima. Sono la persona che dovevo essere e, in caso di crisi, mi aiuta a concentrarmi. Quando mi è stato diagnosticato il cancro al seno durante la pandemia, la pittura mi ha aiutato a liberarmi dallo stress e dall'ansia.  Non riesco a immaginare una vita senza. 

INTERVISTA con Greta Schnall

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Greta Schnall, che ha partecipato durante il quarto evento di RenovArt, dal 05 Dicembre 2023 al 03 Gennaio 2023 con l'opera: "Cyan lighted windows world"; durante la mostra itinerante Flowing Identities in Matera presso la sede della Lega Navale Matera, dal 01 al 22 Marzo 2023 e presso la Galleria Spazio Opera, dal 12 al 26 Aprile 2023 con l'opera: "Aqua lighted planets";  e anche durante la mostra Panta Rhei, dall'08 al 26 Maggio 2023 presso la sede della Lega Navale Matera.

Carmela Loiacono - Può presentarsi e raccontarci la sua prima esperienza artistica? 

Greta Schnall - Mi chiamo Greta Schnall, nata nel 1964 in Baviera, Germania. Da circa 35 anni vivo nel bellissimo Chiemgau, sul lago Chiemsee. Il mio lavoro principale è quello di co-terapeuta. L'equilibrio migliore e più bello è la mia occupazione con la fotografia e la successiva elaborazione digitale delle immagini.

Dal 2006 mi sono specializzata nella fotografia naturalistica, in particolare nella fotografia macro. In seguito ho scoperto la fotografia di paesaggio. Nel 2008 ho iniziato con l'elaborazione digitale delle immagini, che ho presto praticato con sempre maggiore impegno. Intorno al 2010 ho iniziato a lavorare con la fotografia architettonica. Soprattutto in questo settore, a tutt'oggi, sto ampliando continuamente i miei metodi di elaborazione digitale.

C. L. - Qual è il tuo background? 

G. S. - Sono un artista autodidatta. La fotografia è stata la mia passione per circa 20 anni. Il successivo editing delle immagini è stato aggiunto circa 15 anni fa e questa combinazione è diventata la mia vera passione. Perché amo il cubismo, l'architettura e il surrealismo. Nelle mie opere cerco di unirli.

C. L. - Sei un'artista digitale. Potresti descrivere il tuo processo creativo? 

G. S. - All'inizio sono sempre stata affascinata dalle foto dei grattacieli o degli skyline delle metropoli del mondo. Poiché nel mio ambiente non ci sono questi motivi, ho cercato di renderli più impressionanti con l'elaborazione digitale delle immagini. Nei nuovi complessi residenziali o nelle aree industriali delle città circostanti, cerco edifici moderni, preferibilmente con elementi strutturali o decorativi geometrici. Poi fotografo le loro facciate o parti di esse. A quel punto, di solito ho già un'idea di massima del prodotto finale. Poi modifico il motivo più volte e sistematicamente con vari programmi di editing digitale.

C. L. - Durante le mostre di RenovArt hai presentato "Cyan lighted windows world", "Aqua lighted planets" e "Urban landscape white", parlaci di queste opere. 

G. S. - Qui, come per tutti i miei motivi architettonici, ho fotografato una parte o l'intera facciata di un edificio moderno e poi l'ho modificata digitalmente più volte.

Cyan lighted windows world: qui ho avuto l'idea di un motivo con edifici in cui le finestre sono in primo piano e sono in tonalità cristalline di blu. L'opera completa con il globo al centro dovrebbe rappresentare un mondo freddo ma chiaro, che tuttavia è in costante movimento.

Aqua lighted planets: Ho avuto l'idea di un motivo con pianeti dal tocco marittimo, che mi ricorda un po' le vacanze estive mediterranee con un senso di spensieratezza. Qui le case dovrebbero essere bianche e le loro finestre illuminate con colori acquatici, che dovrebbero soprattutto irradiare freschezza e felicità.

Urban landscape white: qui ho voluto mostrare un motivo che contrasta i paesaggi urbani spesso tetri. Castelli residenziali, ma qui in bianco fresco con finestre illuminate di blu, ognuna leggermente sfalsata come le montagne e le colline di un paesaggio. L'intera creazione è schietta, chiara e con un certo tocco di eleganza.

C. L. - Cosa vuole che la sua arte trasmetta alle persone che la vedono? Qual è il significato o la motivazione creativa alla base del suo lavoro?

G. S. - In particolare, che gli edifici "normali" possano diventare qualcosa di speciale e spettacolare con un po' di immaginazione, proprio come accade per molte cose nella vita. Soprattutto, voglio mostrare come l'architettura semplice, spesso deprimente e monotona, possa essere trasformata attraverso l'elaborazione delle immagini sulle foto in modo fantasioso ed emozionante. È così che si passa dal motivo funzionale a quello di pura fantasia, quasi come un motivo proveniente da un altro mondo edilizio, spesso più amichevole, da cui ci si può ispirare in molti modi.

C. L. - Ha in programma qualche mostra o premio che dovremmo conoscere?

G. S. - Un articolo nel numero 26 di luglio di quest'anno della rivista d'arte "Artist Talk Magazine", Regno Unito.

Una mostra collettiva digitale con la "Artio Gallery", Toronto, per due settimane, a più riprese, dal 1° Agosto 2023.

Concorsi digitali regolari con la "Teravarna Art Gallery", Los Angeles.

INTERVISTA con Małgorzata Czerniawska

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Małgorzata Czerniawska, che ha partecipato durante la mostra itinerante Flowing Identities a Matera presso la sede della Lega Navale Matera, dall'1 al 22 marzo 2023 e presso la Galleria Spazio Opera, dal 12 al 26 aprile 2023 con le opere della serie Clearances:  "Towards the dark IV", "Towards the dark V" and "Towards the light V".   

Carmela Loiacono - Puoi parlarci del momento o del periodo in cui hai deciso di intraprendere la carriera di artista?

Małgorzata Czerniawska - In realtà, ho sempre disegnato e dipinto, ma credo che il mio percorso artistico professionale sia iniziato solo quando ho studiato all'Accademia di Belle Arti.

C. L. - Da dove vieni e come influisce sulle tue opere?

M. C. - Sono cresciuta in campagna, a stretto contatto con la natura, ed è lì che ho iniziato a osservare i fenomeni visivi derivanti dalla logica del funzionamento della natura, per poi sottoporli alla mia interpretazione in composizioni astratte.

C. L. - Qual è il significato delle tue opere esposte durante la mostra itinerante Flowing Identities?

M. C. - I dipinti della serie "Clearances" sono una sorta di paesaggio interiore, un'espressione plastica dei miei stati emotivi e una registrazione personale di contenuti intimi.

C. L. - Descrivici il tuo processo creativo.

M. C. - Quando, con lo sviluppo della civiltà e della tecnologia, il mondo, diventando sempre meno misterioso per noi, scatena un acuto senso di vuoto interiore, allo stesso tempo risveglia un bisogno inconscio di colmarlo cercando e comunicando con il sacro. La pittura, per me, è proprio questo complemento. Un dipinto diventa un'esperienza che trascende lo strato visivo, riferendosi al mio spazio interiore, comprendendo la sfera mentale e metafisica - esprime un contenuto spirituale. 

C. L. - Quando sai che un'opera d'arte è terminata?

M. C. - I miei dipinti sono come esseri viventi: nel corso della loro creazione cambiano proprio come cambiano i miei pensieri. Sono anche soggetti a cambiamenti dovuti allo stato d'animo di chi li sta guardando. Non sono quindi finiti. 

C. L. - Qual è il momento della giornata o della settimana in cui ritieni di essere più prolifica?

M. C. - Dipingo - per quanto possibile - tutti i giorni, ma il momento migliore è il pomeriggio, fino al tramonto; poi, dopo qualche ora di lavoro, arriva la vera magia.

C. L. - Hai qualche evento o mostra in programma di cui dovremmo essere a conoscenza?

M. C. - Dopo Flowing Identities, i dipinti sono stati esposti alla 7ª FIERA INTERNAZIONALE D'ARTE DI ROMA,

Altri due dipinti parteciperanno a un evento intitolato "LUCE: TRASFORMAZIONE DELLA RINASCITA", a Santa Maria di Sala (VE).

Il dipinto "Toward the Light II dalla serie Clearances" è stato presentato alla 7ª Biennale d'arte polacca. 

Sito web: www.czerniawska.eu

Curriculum vitae

2019 - Monografia: "Małgorzata Czerniawska - dipinti selezionati e realizzazioni in architettura", Copyright © by Casa Editrice dell'Università di Zielona Góra

2021 - Dottorato nel campo dell'arte, nella disciplina artistica: belle arti e conservazione delle opere d'arte

2021 - Pubblicazione del libro: "Clearances - verso la luce, verso il buio. Trasformazione dello spazio e altri metodi di modellazione dei processi percettivi in pittura", Copyright © by Scientific Publishing PWN SA, Varsavia

2022 - Distinzione dell'Accademia polacca delle scienze nell'area delle scienze umane e sociali per la pubblicazione di una ricerca intitolata "Clearances - towards light, towards darkness. Trasformazione dello spazio e altri metodi di modellazione dei processi percettivi in pittura" per il modo originale di combinare considerazioni umanistiche e arte.

Principali mostre:

DREI ART GALERIE Stoccarda 1989, 1993; INTERART Poznań 1990;

GALLERIA COMUNALE BWA Zielona Góra 1993, 1994; GALLERIA COMUNALE Beeskow 1994;

GALLERIA comunale Sulechów 1994; MUSEO DEI PRIMI PIASTI a Lednica 1995;

GALLERIA D'ARTE CONTEMPORANEA PROFIL Poznań 1996; GALLERIA BETA Varsavia 1997;

Galleria Comunale Mosina 1998; GALLERIA KUBUS Hannover 1999;

GALLERIA COMUNALE ARSENAL Poznań 2000;

Festival della pittura polacca, Palazzo Działyński 2003; "CONFIGURATION" - XX Festival della pittura contemporanea polacca, Stettino 2004;

"Ambiente artistico" - II BIENNALE D'ARTE, GALLERIA D'ARTE CONTEMPORANEA PROFIL Poznań 2005;

"Sgomberi - continua", Galleria PBG Poznań 2005;

"Generazioni d'arte" - mostra presso la Galleria Track Poznań 2006;

"Sgomberi, acchiappasogni e altre dipendenze" Galleria Comunale DIALOG Kostrzyn 2006;

"Immagine dell'ambiente" - III BIENNALE D'ARTE, Galleria d'Arte Contemporanea PROFIL Poznań 2007;

XXII Festival della pittura contemporanea polacca Stettino 2008;

CONCOURS INTERNATIONAL d'ART Monte-Carlo 2010;

"Identità" - IV BIENNALE D'ARTE, GALLERIA D'ARTE CONTEMPORANEA PROFIL Poznań 2010;

"Quadri dipinti con la musica", SWP GALLERY, Cracovia 2010;

"Wave" - Mostra interdisciplinare Koszalin 2011;

"Tracce di esistenza" - V BIENNALE D'ARTE, GALLERIA D'ARTE CONTEMPORANEA PROFIL Poznań 2012;

VII Biennale Internazionale di Pittura e Tessuti Unici Gdynia 2013 - GRAND PRIX;

"To See the Sound" - mostra di accompagnamento 15° Concorso Internazionale di violino Henryk Wieniawski, GALLERIA D'ARTE CONTEMPORANEA PROFIL, Poznań 2016;

"EKO MATERIA" - Mostra internazionale di pittura e tessuti unici, MUSEO NAZIONALE, Danzica 2017;

VIII BIENNALE D'ARTE "85 - Continuazione", GALLERIA D'ARTE CONTEMPORANEA PROFIL, Poznań 2018;

"Clearances - verso la luce, verso l'oscurità", GRANDE GALLERIA DELL'UNIVERSITÀ ARTISTICA DI POZNAŃ, Poznań 2021;

"Jazz Thirteen", OLD BREWERY GALLERY - mostra di accompagnamento XIII POZNAŃ OLD JAZZ FESTIVAL, Poznań 2021;

"Clearances", GALLERIA REKTOR dell'Accademia d'Arte di Stettino 01.02-07.04.2022

FIERA INTERNAZIONALE D'ARTE DI VENEZIA 2022 - 15a EDIZIONE, Palazzo Albrizzi-Capello, Palazzo Bembo, Venezia 09-30.09.2022

CONFRONTI D'AUTUNNO 2023 - 6a Triennale di Pittura Contemporanea Polacca, BWA Rzeszów

01.12.2022-29.01.2023

VENEZIA CONTEMPORANEA 2022 - 11ª EDIZIONE, Palazzo Albrizzi-Capello, Palazzo Bembo, Venezia 21.10-10.11.2022

FIERA INTERNAZIONALE D'ARTE DI ROMA 2022 - 5ª EDIZIONE, Galleria d'Arte Medina, Roma 13-30.12.2022

FIERA D'ARTE CONTEMPORANEA DI LONDRA 2023 - 7a EDIZIONE, Spazio d'arte contemporanea The Line, Londra 03-19.02.2023

FLOWING IDENTITIES - RenovArt | 100 Artists for the Future, Mostra Internazionale d'Arte Contemporanea, Lega Navale Italiana Sezione di Matera - Magna Grecia, Matera 01-22.03.2023

LONDON SUPERNATURAL 2023 - 1TH EDITION, Mostra internazionale d'arte contemporanea, The Line Contemporary Art Space, Londra 18.03-01.04.2023

LONDRA SUPERNATURAL 2023 - 2ª EDIZIONE, Mostra internazionale d'arte contemporanea,

Spazio d'arte contemporanea The Line, Londra 07-21.04.2023

7ª FIERA INTERNAZIONALE D'ARTE DI ROMA, Rzym 09-22.06.2023

"LUCE: TRASFORMAZIONE DELLA RINASCITA", Mostra Internazionale d'Arte Contemporanea, Santa Maria di Sala (VE) 21.05-06.06.2023.

Dichiarazione dell'artista

"La maestosità della vita è la cornice della mia arte e cerco di incanalare questa ispirazione in ogni opera. In genere, lascio i miei dipinti senza titolo. Da persona a persona, ogni opera ha un significato diverso. Il significato individuale e l'interpretazione personale dell'arte sono importanti per me. Voglio che gli spettatori siano in grado di interpretare la mia arte senza un contesto diverso da loro. Se siete voi stessi a dare un titolo all'arte, la vostra percezione dell'opera le conferisce un significato e io vi ringrazio per questo. Sentitevi liberi di condividere la vostra esperienza, mi piacerebbe sentirvi."

INTERVISTA con Rebeccah Klodt

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Rebeccah Klodt, che ha partecipato durante la mostra itinerante Flowing Identities in Matera presso la sede della Lega Navale Matera dal 01 al 22 Marzo 2023 e presso la Galleria Spazio Opera, dal 12 al 26 Aprile 2023; e anche durnate la mostra Panta Rhei con le tre opere: "UNTITLED".   

Carmela Loiacono - Potrebbe presentarsi e raccontarci come ha iniziato a lavorare nel campo dell'arte?

Rebeccah Klodt - Lavoro nel settore artistico da 30 anni come designer d'interni e dipingo da quasi 40 anni. Mi sono avvicinata all'arte grazie al mio naturale interesse per essa.

C. L. - Cosa influenza il suo lavoro? Cosa la ispira? Perché fa arte?

R. K. - La natura e le fluttuazioni della vita influenzano il mio lavoro. Ogni giorno ha la sua ispirazione e io la porto sulla tela. Perché faccio arte? Perché respiro?

C. L. - Lei ha presentato 3 opere senza titolo, come ha sempre fatto perché desidera che ogni visitatore possa esplorare e trovare i significati della sua pittura. In un dipinto, per lo più di colore giallo, ci sono dei numeri, potrebbe dirci perché ha messo dei numeri su quell'opera?

R. K. - Amo i numeri, la musica e la natura. L'intento del dipinto era quello di esprimere queste emozioni. Spesso mi perdo durante il processo pittorico e quando faccio una pausa, il dipinto mi si rivela. Questo quadro in particolare, uno dei miei preferiti, è stato come un'onda anomala che mi ha travolto.

C. L. - Siamo curiosi di sapere qual è il suo racconto o la sua storia?

R. K. - Non c'è un racconto o una storia nel dipinto, al di là di quello che lo spettatore crea nella sua mente. È lo spettatore che crea la storia del mio lavoro.

C. L. - Chi sono le sue maggiori influenze artistiche?

R. K. - Le mie influenze artistiche cambiano continuamente. Ultimamente ho esposto con Tanja Playner, i suoi dipinti e la sua incessante etica del lavoro mi ispirano. È una pittrice di grande talento con una mente brillante.

C. L. - Come è cambiato il suo stile nel tempo?

R. K. - Il mio stile cambia di momento in momento. È difficile per me mantenere uno stile.

C. L. - Quando capisce che un'opera d'arte è finita?

R. K. - C'è un momento in cui qualcosa mi dice che è finito. Spesso vedo altre possibilità nel dipinto e continuo oltre quel punto. Quando inizio a discutere con me stesso, so che l'opera è completa.

C. L. - Ci sono mostre o luoghi in cui la gente potrà presto vedere di persona queste bellissime creazioni?

R. K. - Sono rappresentata dalle gallerie PAKS in Europa, Rossocinabro a Roma e Art Girls negli Stati Uniti. Espongo spesso con la Limner Gallery di New York e la galleria Las Lagunas in California.

Janni Nyby dipinge astrazioni colorate della natura e del paesaggio. Combina un mare di tecniche diverse e di solito inizia un dipinto sulla base di pensieri preliminari, che durante il processo di creazione possono trasformarsi in direzioni completamente diverse prima di mettere la firma sul dipinto finito. Il suo approccio è meglio descritto come espressionista astratto e ama usare tutti i colori della tavolozza.

È profondamente incuriosita dalle interpretazioni e dalle prospettive individuali su ciò che l'osservatore vede e si rallegra ogni volta che uno dei suoi dipinti diventa "un ponte verso un altro essere umano". Per questo motivo, non dà volutamente titoli ai suoi dipinti, per lasciare allo spettatore una libertà illimitata in termini di percezione, esperienza e racconto.

Nel processo pittorico stesso, ama quando i colori, le forme, la composizione e l'espressione si uniscono in un insieme in cui c'è sia calma che energia. Poiché dipinge con molti strati e spesso cambia più volte sia gli elementi che l'intero dipinto, dipinge con colori acrilici che si asciugano rapidamente sulle sue tele. 

Il curriculum vitae di Janni Nyby è disponibile sul sito www.gallerijanninyby.dk

INTERVISTA con Janni Nyby

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Janni Nyby, che ha partecipato durante la mostra itinerante Flowing Identities a Matera presso la sede della Lega Navale Matera dal 01 al 22 Marzo 2023 e presso la Galleria Spazio Opera, dal 12 al 26 Aprile 2023; e anche durante la mostra Panta Rhei con due sue opere: "UNTITLED".   

Carmela Loiacono - Puoi raccontarci il momento in cui hai deciso di intraprendere la carriera artistica?

Janni Nyby - A un certo punto, verso la fine degli anni '90, si è aperta in me, per una coincidenza, una dimensione/sorgente che non avevo previsto, dato che ho una formazione accademica e non ho trascorso molto tempo nell'universo creativo. Ma dopo aver germogliato per alcuni anni, questa dimensione si è lentamente ma potentemente e persistentemente riempita sempre di più in me, e oggi sono completamente "dipendente" dalla pittura nel modo giusto.

C. L. - Qual è il tuo background?

J. N. - Sono Cand. Fil. in Storia, presso l'Università di Aalborg (AAU) in Danimarca e ho conseguito un diploma di Professione Accademica (AP) in Leadership presso l'Aalborg Business Academy in Danimarca e un diploma di Leadership presso l'University College Northern Jutland (UCN) in Danimarca. Inoltre, ho seguito innumerevoli corsi d'arte.

C. L. - Chi sono le tue maggiori influenze artistiche?

J. N. - Non posso citare uno o più artisti specifici a cui mi ispiro, ma in generale mi ispiro agli espressionisti, ai coloristi e ai grandi pittori di paesaggi. Uno dei più noti editori e critici d'arte danesi, Tom Joergensen, scrive nella sua recensione dei miei dipinti nel libro d'arte "101 artisti 2022/23", che i miei quadri mostrano un'ispirazione dal primo modernismo, con Sigurd Swane e Harald Giersing come alcuni dei più grandi in Danimarca. E sì, come questi artisti, rompo la rappresentazione univoca della natura e del luogo specifico e creo un'interpretazione libera e astratta.

C. L. - Non dai volutamente titoli ai tuoi dipinti, perché sei molto incuriosita dalle interpretazioni individuali. Potresti parlarci delle due opere che hai presentato durante le mostre Flowing Identities e Panta Rhei?

J. N. - Pittura 60 x 60 cm: Nella splendida regione francese della Champagne si possono ammirare splendidi paesaggi dai colori verdi in un'infinità di sfumature. In questi paesaggi, le case giacciono meravigliosamente e invitano e ispirano a essere riprodotte su una tela, e il cielo sembra infinito. È da questa zona che ho iniziato a trovare l'ispirazione per questo dipinto. Ma non si tratta di una riproduzione univoca, e quindi anche lo spettatore potrà sperimentare che le sue associazioni vanno in altre zone, ed è questa "espansione" che amo, e che è anche guidata dal corso del processo pittorico. Pertanto, lo spettatore potrà trovare nel dipinto sia elementi riconoscibili che irriconoscibili dello Champagne.

Pittura 80 x 80 cm: Nel bellissimo distretto della Champagne, in Francia, si possono ammirare splendidi paesaggi dai colori verdi in un'infinità di sfumature. In questi paesaggi, le case giacciono meravigliosamente e invitano e ispirano a essere riprodotte su una tela, e il cielo sembra infinito. Partendo dalla vista della piccola e accogliente cittadina di Chattillon-sur-Marne, presso la piazza dove troneggia la grande statua di Papa Urbano II, ho trovato l'ispirazione per questo dipinto. Se visitate personalmente questo luogo, difficilmente riuscirete a fermarvi in un determinato posto e a credere che sia proprio questo il luogo da cui ha tratto ispirazione, ma se osservate l'intera area, troverete senza dubbio una serie di elementi diversi che ha incluso nel dipinto. Poiché non si tratta di una riproduzione unica, anche l'osservatore potrà sperimentare che le sue associazioni vanno ad altre aree, ed è questa "estensione" che amo.

Questo quadro è stato appena venduto a un artista collezionista di Copenhagen.

C. L. - Come definisci il successo come artista?

J. N. - Dipende molto da come si intende e si definisce il successo?

Si tratta di fare soldi - una buona economia - l'arte come stile di vita?

Si tratta di avere una vita lavorativa significativa ed emozionante? Oppure...?

Penso che il successo come artista possa essere vissuto sia da una prospettiva interna che esterna, che possono essere diverse.

Per me, il successo più importante è poter vivere la mia passione e sperimentare che qualcosa riesce nell'incontro con altre persone intorno alla mia arte - questo mi riempie di grande gioia e gratitudine.

C. L. - Descrivi come l'arte è importante per la società.

J. N. - L'arte risveglia i nostri sensi, sfida la nostra comprensione e la nostra visione della vita e rafforza la nostra educazione in una prospettiva olistica, in modo da aumentare l'empatia e la curiosità nei confronti degli altri.

Nell'incontro con l'arte, abbiamo uno spazio di respiro e di riflessione, dove possiamo andare alla scoperta che può contribuire a creare una maggiore e migliore comprensione dell'altro, riducendo così al minimo i conflitti e le discordie.

Attraverso i miei dipinti, incontro un numero incredibile di persone meravigliose che desiderano conversare su qualcosa che interessa loro come spettatori. In questo modo, i miei dipinti diventano un "ponte verso un'altra persona", e spero e sogno che noi, come persone, ci avvicineremo ancora di più gli uni agli altri e creeremo una coesione ancora maggiore. E in un periodo in cui molte cose possono sembrare buie e difficili, diventa ancora più importante riempire la mente e il corpo di esperienze positive, in modo da avere l'energia per affrontare i problemi. Molti dei miei acquirenti mi dicono che sono felici di guardare i miei dipinti, quindi se le mie astrazioni colorate della natura e del paesaggio possono contribuire a riempire il conto con vibrazioni positive, sono più che grata.

C. L. - Nel corso della tua carriera artistica hai partecipato a molte mostre e ricevuto molti premi, hai qualche novità in arrivo di cui dovremmo essere a conoscenza?

J. N. - Ciò che mi occupa maggiormente in questo momento è la mia prossima terza mostra personale alla galleria d'arte Jarsbo Contemporary Art nel centro di Aalborg (la terza città più grande della Danimarca), dove sto dipingendo una serie di nuove opere.

In occasione della mia ultima mostra personale presso la galleria, i miei dipinti sono stati venduti rapidamente, e mi impegno affinché gli spettatori possano incontrare e sperimentare alcune opere che trovano emozionanti da esplorare.

Inoltre, sto lavorando a un contratto in relazione a una mostra negli Stati Uniti e a diverse mostre in Svizzera.

Per quanto riguarda il soggetto dei suoi dipinti, ha sempre dipinto quadri figurativi e più precisamente ritratti. Dipinge anche animali e talvolta paesaggi, ma i ritratti sono il suo soggetto preferito.

Nel 2022 i suoi quadri sono stati esposti in vari luoghi tra cui Roma, nella Galeria d'arte Il Leone per la mostra Inseguendo l'imprevisto, Venezia per la mostra Anima Mundi e Londra per una mostra contemporanea. È inoltre presente nel libro d'arte "Artisti di oggi e di domani III".

Per il 2023 sarà in varie città di diversi Paesi, in Francia nel Carousel du Louvre, a Firenze, a Liegi e in altre città. Ha ricevuto anche il premio internazionale Donatello ed è presente nella prima edizione di "Contemporary Celebrity Masters".

INTERVISTA con Celine Kobierzynski

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Celine Kobierzynski, che partecipa durante la mostra itinerante Flowing Identities a Matera, presso la Lega Navale Matera dall1 al 22 marzo 2023 e presso la Galleria Spazio Opera, dal 12 al 26 aprile 2023 con l'opera: "Hera".  

Carmela Loiacono - Potresti parlarci del momento in cui hai deciso di intraprendere la carriera artistica? So che hai sempre avuto una grande passione per l'arte, ma ci sono stati ostacoli, battute d'arresto e imprevisti nel corso della tua vita. Qual è stata la molla che è scattata in te?

Celine Kobierzynski - Ho deciso di iniziare la mia carriera nel 2021, avevo finito il liceo da due anni e dopo aver provato diversi studi che non mi piacevano, avevo bisogno di un piano B. Mi mancava l'arte, avevo frequentato una scuola d'arte al liceo, e ho deciso di tornarci, così ho comprato un iPad e una matita con i miei risparmi e ho ricominciato a creare. Questa volta non c'era nessun insegnante che mi riprendeva e quindi mi divertivo davvero. Ispirato dagli artisti presenti su Instagram ho iniziato a vendere stampe dei miei dipinti digitali e ho sperimentato anche la pittura a olio. Poi tutto è diventato più serio all'inizio del 2022, quando ho ricevuto la mia prima candidatura per una mostra a Roma e a Venezia.

C. L. - Sei un'artista autodidatta e hai una passione per la pittura a olio e soprattutto per la pittura figurativa come il ritratto. Ci puoi parlare della tua opera "Hera" presentata durante la mostra itinerante Flowing Identities?

C. K. - Hera è stata realizzata alla fine del 2022, fa parte di una serie di 4 (Armor, Hera, Artemide, Apollo). I miei quadri precedenti erano piuttosto classici e volevo fare qualcosa di diverso. Sono tornato da Roma con una tonnellata di immagini di statue e volevo davvero integrarle nei dipinti futuri. All'inizio ho avuto l'idea dell'Armatura, che mi piaceva molto dipingere, quindi ho dipinto Era, che è probabilmente il mio preferito della serie con l'Armatura.

C. L. - Dove trovi l'ispirazione? Cosa ti spinge a creare?

C. K. - Molte cose mi ispirano, libri, film, serie, musica, videogiochi, ma anche molti artisti del passato come Monet, Waterhouse, Bouguereau, Mucha, ecc.

C. L. - Cosa vuoi che la tua arte trasmetta alle persone che la vedono? Qual è il significato o la motivazione creativa che sta dietro al tuo lavoro?

C. K. - Onestamente, dipingo solo ciò che mi ispira, ciò che voglio dipingere, cerco soprattutto di migliorare la mia tecnica e di sviluppare il mio stile, ma quando scelgo un soggetto cerco di renderlo il più naturale possibile nell'espressione del viso, nell'autenticità e in una tavolozza di colori interessante.

C. L. - Quando capisci che un'opera d'arte è terminata?

C. K. - Personalmente dipingo con una sorta di tecnica alla prima, quindi mi "impongo" un certo limite di tempo, non tocco o tocco veramente poco un quadro dopo averlo finito. Lavoro zona per zona, per esempio il viso, il corpo, i capelli, lo sfondo, e ho solo pochi giorni prima che la pittura sia asciutta, quindi lavoro in questo lasso di tempo, faccio del mio meglio e poi mi fermo. Non voglio lavorare e rielaborare continuamente un quadro, penso che si corra il rischio di fare peggio che meglio. Non importa se un dipinto non è perfetto, se vedo ancora degli errori, farò meglio la prossima volta, considero ogni dipinto come un passo avanti e preferisco concentrarmi sul progresso per non rimanere bloccato per sempre sullo stesso dipinto.

C. L. - Com'è cambiata la tua arte nel tempo?

C. K. - All'inizio ho iniziato con la pittura digitale su iPad, ma mi è sempre piaciuta la pittura, solo che non ho mai trovato il mezzo adatto a me, e grazie a Instagram ho riscoperto la pittura a olio e oggi faccio quasi solo pittura a olio, ci sono ancora molti soggetti e altri mezzi che vorrei esplorare, ma per il momento non ho molto tempo.

C. L. - Come pensi possa essere la tua arte tra due anni?

C. K. - Devo ammettere che non sono molto brava a proiettarmi nel futuro, quindi onestamente non ne ho idea, ma ho alcuni obiettivi, che potrebbero richiedere più di due anni per essere raggiunti, come trasferirmi all'estero, dipingere paesaggi, fare scultura, insomma avere abbastanza successo nella mia carriera da avere la libertà di realizzare tutti i miei progetti.

TECNICHE UTILIZZATE:  Tempera acrilica su tela, cartoncini telati, su legno, pastello a gesso su carta, acquerello, olio su tela e carta.

INTRODUZIONE: Nelle sue opere Cinzia propone una visione del tutto nuova della natura, considerata come principio e fine. La natura è la manifestazione di quel finito che è nell’infinito a cui tende passionalmente, una forza unica ma dinamica, costruttiva e in continua evoluzione. La natura è anche donna, madre divina, rappresentante di valori veri e autentici, specchio dell’anima. 

Ogni sua pennellata crea un connubio di forme e colori morbidi, sinuosi e delicati che danno vita ad atmosfere misteriose e affascinanti, dense di profondi racconti da vivere. Ogni opera è creazione della natura che si manifesta attraverso lo spiritualismo dell’artista, un’unione tra spirito e materia, tra finito e infinito. Cinzia parla attraverso le sue opere, trasportando lo spettatore verso nuovi orizzonti, quasi rarefatti e inesplorati, che indagano l’Io più nascosto. Le sue pennellate intense e vibranti suscitano sensazioni ed emozioni profonde che guidano verso una conoscenza interiore, analizzando la parte più nascosta della coscienza individuale. 

DICONO DI LEI: “… Cinzia mette a nudo le tensioni più nascoste del nostro io e non esita a tirar fuori il coraggio della realtà nel quadro di una natura abbarbicata a consuetudini secolari, con suoni e aromi talvolta scalfiti dal progresso. Una natura dal lento e placido fluire, dove il cuore continua a pulsare in sintonia con il respiro di madre Terra. Dalle sue opere, dunque, traspare l’iter di un’artista che affida le sue ‘chances’ ad un linguaggio essenziale, quasi sempre lirico…” – Vinicio Coppola 

“Cinzia De Vita è un’artista che ama osservare la realtà, sia umana che paesaggistica, con profonda attenzione, per poi dipingerla attraverso lo sguardo del cuore. Ella si lascia coinvolgere emozionalmente per poi fissare sulla tela le proprie sensazioni interiori, i moti dell’animo, riuscendo a identificare, con singolare immediatezza, l’elemento essenziale che racchiude e sintetizza il momento aspirativo. Il dipinto nasce così con una spontaneità narrativa capace di cogliere le sfumature e le vibrazioni dell’animo, con una naturalezza sincera in grado di affrontare i diversi soggetti con evidente freschezza rappresentativa…” – Prof. Vito Cracas.

“… Uno degli aspetti che colpisce, osservando i lavori di Cinzia, è proprio la suggestione del colore, un colore niente affatto gratuito, ma ricondotto ad una funzione di elemento catalizzatore dei sentimenti. Si può parlare di un colore, di un tessuto pittorico che talvolta sembra sfrangiarsi in una sorta di alternanza di bagliori e di umori caldi e persuasivi come se l’artista volesse conciliare l’urgere dei sensi e la bellezza tattile della realtà”. – Calogero Cordaro.

Vittorialessia è specializzata in soggetti quali nature morte, ritratti e pianeti liberi nello spazio. 

I ritratti sono realizzati anche su commissione. Nella sua riflessione artistica si denota il desiderio di armonia sia interiore che esteriore attraverso un effetto tridimensionale dato dall’accurato uso di forme e colori, un insieme di classico e moderno che rispecchia un equilibro ormai in netto contrasto col caos giornaliero.Gli ambienti scelti coniugano sia il mondo fisico delle cose che quello metafisico delle idee e dei significati; particolare attenzione anche alla prospettiva e agli oggetti che spesso restano in sospensione a sottolineare lo stato di precarietà della vita.

Nelle opere di Vittorialessia Brunetti prendono vita paure, angosce, riflessioni, interrogativi senza risposta, energia, speranze, amore e passione.

Durante la Fiera di Gravina 2019 ha esposto i suoi quadri e alcune opere del bisnonno Franco Colella e del nonno Franco Solito. Nell’occasione ha avuto l’opportunità di confrontarsi con collezionisti e appassionati d’arte di vari generi, ha imparato a gestire il proprio stand personale e a sostenere il rapporto con le domande del pubblico. L’esposizione è durata in tutto gli ultimi quattro giorni di novembre.

INTRODUZIONE: Attraverso la rappresentazione di ritratti, nature morte, pianeti e figure astratte.. indago la realtà ed il flusso dinamico dell’arte. Cerco armonia e bellezza nel caos degli eventi. 

Le mie opere infatti sono una sintesi tra classico e moderno; un continuo alternarsi di forze contrapposte tra loro complementari... Bello e brutto, bene e male, giorno e notte, fisico e metafisico. Utilizzo giochi di colore, luci, ombre e forme per creare un forte impatto visivo che spinga gli osservatori ad addentrarsi nella storia dei dipinti… Dove ognuno costituisce un importante tassello per la comprensione dei significati profondi delle cose e dei fenomeni.

INTERVISTA con Vittorialessia Brunetti

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Vittorialessia Brunetti, che ha  partecipato durante gli eventi RenovArt | 100 Artisti per il Futuro, dal 20 maggio 2022 al 03 gennaio 2023 in Matera, presso la Galleria Spazio Opera e la Lega Navale Italiana con le opere: "Frutta", dittico "Luci e Ombre", "Bambina con hijab", "Donna con fiocco" e "Donna con drappeggio".

Carmela Loiacono - Come descriveresti te stessa e le tue opere d'arte?

Vittorialessia Brunetti - Mi descrivo come una persona solare, spontanea nel manifestare le proprie emozioni e pensieri, molto sensibile ed empatica ma allo stesso tempo complessa per via della mia inclinazione artistica che ho ereditato in famiglia. Sono figlia d’arte… il mio bisnonno Franco Colella è un famoso artista pugliese e i miei nonni materni due bravissimi pittori. Ho una personalità sfaccettata ed istrionica come le opere che propongo, sono sia una persona tradizionalista che moderna. La mia arte trae le sue radici nel passato da cui prendo ispirazione per poterla riproporre in chiave contemporanea. Mi occupo di pittura digitale ed utilizzo un programma per iPad di nome Procreate. I miei dipinti digitali uniscono caratteristiche tipiche della pittura classica come l’armonia delle forme e l’abilità tecnica ad effetti della pittura digitale come particolari sfumature cromatiche, luci e tagli prospettici… quasi fotografici. I soggetti che preferisco sono generalmente ritratti, nature morte, pianeti, figure fluttuanti e surrealiste talvolta anche astratte. Indago la realtà in tutte le sue sfaccettature. Sono sempre alla ricerca di nuovi stimoli e di dialogo con altri artisti. Sono un’attenta osservatrice e studiosa dei fenomeni naturali e della psiche umana. Quando realizzo un ritratto infatti mi compenetro nel soggetto raffigurato, soprattutto rappresento e valorizzo figure femminili… ognuna con il proprio vissuto. 

Nelle mie opere regna un’armonia soltanto apparente, in cui si fondono aspetti dualistici-contrastanti come: bene e male, fisico e metafisico, luci e ombre, ordine e caos, reale e surreale, stasi e movimenti, classico e moderno e così via… 

C. L. - Da dove trai ispirazione? Quali sono le tue maggiori influenze artistiche?

V. B. - Le mie influenze artistiche sono varie… dai grandi maestri del passato come Leonardo Da Vinci e Van Gogh alle correnti più recenti come la metafisica, il surrealismo e la pittura digitale. Mi interesso anche alla body art e performance: l’arte del linguaggio del corpo. 

Riguardo la musica ad esempio prediligo il genere pop, in particolare ammiro molto il performer-cantante michael jackson. Mi piace infatti anche ballare e cantare. 

C. L. - Quando pensi che sia il momento della giornata o della settimana più prolifico per te?

V. B. - Di solito prediligo la sera per sviluppare le mie idee, riflessioni e progetti artistici.. a volte lavoro anche di notte poiché mi sento più ispirata e motivata. La sera mi trasmette maggiore raccoglimento ed intimità rispetto alla mattina o pomeriggio in cui preferisco dedicarmi ad altre attività quotidiane. 

C. L. - Come sviluppi le tue capacità artistiche?

V. B. - Sviluppo le mie capacità artistiche osservando e analizzando tutto ciò che mi circonda. È attraverso il dubbio e lo spirito di scoperta che si sviluppa la conoscenza in ogni ambito della vita. L’arte, come la vita, è un fenomeno sempre in divenire… non c’è nulla di certo nè di prestabilito, è SPERIMENTAZIONE. Niente è sempre uguale a se stesso. 

Come diceva lo stesso Giorgio de Chirico… ogni dipinto che si realizza lascia subito spazio ad una nuova opera. 

C. L. - L'arte ti aiuta in altri ambiti della tua vita?

V. B. - L’arte è un’arma a doppio taglio… si sa, gli artisti sono un bel po’ incompresi. 

C. L. - Descrivi il tuo ambiente ideale di lavoro.

Qual è lo scopo o l'obiettivo del tuo lavoro e come ti immagini tra 10 anni?

V. B. - Attualmente mi trovo a mio agio lavorando in casa nella mia stanza ma il mio sogno è sempre stato quello di aprire uno studio o una galleria personale in cui poter esporre le mie opere ed accogliere le esperienze anche di altri artisti. Un ambiente di lavoro aperto allo scambio interculturale come fonte di arricchimento per dare spazio a nuove opportunità. È così che mi immagino tra 10 anni. Non nego però che a causa della difficoltà che sto riscontrando nel vendere le mie opere anche se riscuotono successo, dato che è risaputo che il commercio dei quadri è impervio e spesso si va incontro a delusioni, ci sono momenti in cui mi sento giù di morale. Soprattutto in quest’ultimo periodo in cui la crisi è aumentata per i motivi che conosciamo… 

Nonostante le difficoltà ed i sacrifici, sono convinta del percorso che ho intrapreso e non intendo arrendermi. Perseguirò con determinazione il mio obiettivo. Spero davvero di poter vedere come desidero i frutti del mio lavoro. 

TECNICHE UTILIZZATE: Pittura digitale; acrilico su tela. 

Prima di iniziare la mia formazione artistica lavoravo in stile classico, ma oggi il mio lavoro è diventato più moderno.

Lavoro con la pittura, la grafica e il disegno. Nella pittura c'è un'ampia gamma di possibilità per esprimere le mie intenzioni. Quando lavoro con la grafica, posso lavorare di più con il disegno. Il disegno è sempre la base delle mie opere. La mia pittura è colorata e non mi annoio mai a sperimentare.

Nel mio lavoro artistico la cosa più importante è creare un'esperienza emotiva. Esperienze che possano ispirare le persone a nuove idee e creare curiosità. Sono affascinato da ciò che vedo intorno a me, dall'ambiente, dai miei sogni e anche, naturalmente, da ciò che vedo nelle mostre d'arte e nei musei. Ma anche la prospettiva storica, i misteriosi miti dell'immaginazione che l'uomo ha creato sono significativi. Sia storicamente che nel nostro tempo.

INTERVISTA con Hans Johansson

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Hans Johansson, che ha partecipato durante molte mostre di RenovArt | 100 Artisti per il Futuro, incluse le mostre Panta Rhei e Flowing Identities, presso la Lega Navale Matera e la Galleria Spazio Opera con la sua opera: "The Planet". 

Carmela Loiacono - Potresti presentarti e raccontarci come hai iniziato a lavorare nel campo dell'arte e la tua prima esperienza di creazione artistica?

Hans Johansson - Sono nato nel nord della Svezia. Ho studiato in scuole d'arte per 9 anni, l'ultimo dei quali è stato di 5 anni al Royal college of fine arts di Stoccolma, in Svezia, dal 1978 al 1983. 

C. L. - Quali sono le tue maggiori influenze artistiche?

H. J. - Mi sono avvicinato all'arte da bambino. Mio padre mi comprò una scatola di colori a olio quando avevo 11 anni.  È stata la prima introduzione ai colori dell'arte, ma già da allora disegnavo molto.

Le mie maggiori influenze artistiche sono state quelle di molti artisti, ma le più influenti quando ero giovane sono state i disegni di Leonardo da Vinci e in seguito i disegni e i dipinti di David Hockney. In seguito sono stato influenzato anche dal gruppo Cobra e da Sandro Chia. Ma ci sono molti altri artisti che mi hanno colpito.

C. L. - Ci può parlare della tua opera esposta durante la mostra?

H. J. - Il lavoro che ho presentato alla vostra mostra dimostra che sono affascinato dallo spazio ma anche da ciò che si trova sotto la superficie del mare.

C. L. - Quanto tempo ci vuole per produrre un'opera?

H. J. - Per produrre un'opera ci vuole da un'ora fino a due settimane.

C. L. - Qual è il significato o l'ispirazione creativa del tuo lavoro?

H. J. - I libri mi sono di grande ispirazione per vedere il lavoro di altri artisti.

C. L. - Descrivi come l'arte è importante per la società.

H. J. - L'arte è molto importante, in molti casi metto in contatto artisti di altri Paesi.

C. L. - L'arte ti aiuta in altre aree della tua vita?

H. J. - Se l'arte mi aiuta in altri ambiti non ci ho pensato.

INTERVISTA con Kristin Vollrath

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga Kristin Vollrath, che ha  partecipato durante l'evento RenovArt | 100 Artisti per il Futuro, dal 20 maggio al 30 giugno 2022 in Matera, presso Spazio Opere con i due dipinti: "Light Effects" e "Summer".

Carmela Loiacono - Sappiamo che ti piace dipingere fin dalla prima infanzia... Come descriveresti te stesso e le tue opere?

Kristin Vollrath - È vero. La pittura fa parte della mia vita sin da quando ero piccola. Lavoro sulla base di idee, su come potrebbe apparire un motivo quando dipinto e poi provo a realizzarlo. La mia arte è il risultato.

C. L. - I tuoi lavori sono principalmente paesaggi basati sulla tua fotografia. Quali emozioni speri provino gli spettatori quando guardano la tua arte?

K. V. - Spero che gli spettatori possano apprezzare la mia arte, che io possa dare loro qualcosa che gli piace.

C. L. - Qual è il significato del tuo lavoro?

K. V. - Le opere sono per lo più immagini pacifiche della natura, ma ognuna con le sue caratteristiche.

C. L. - Quanto tempo ci vuole per produrre un'opera?

K. V. - I dipinti a olio richiedono in media due mesi.

C. L. - Secondo la tua esperienza l'arte ti aiuta in altri ambiti della tua vita?

K. V. - Arricchisce la mia vita facendo qualcosa di creativo e mi dà felicità che penso abbia anche un impatto positivo su altre parti della mia vita.

C. L. - Quali sono le tue parti preferite e meno preferite dell'arte professionale?

K. V. - Le mie parti preferite sono sviluppare idee e poi realizzarle.

Meno preferito: non riesco a pensare a niente.

C. L. - Se pensi al futuro, dove vedi andare la tua arte tra un paio d'anni?

K. V. - Non ho in mente un percorso specifico. Ovviamente voglio sviluppare ulteriormente il mio lavoro e condividerlo con le persone.

C. L. - Ci siamo conosciuti di persona a Matera, qual è stata la tua esperienza con noi e la nostra organizzazione?

K. V. - Organizzazione molto buona e personale cordiale. Mi è piaciuta molto la collaborazione con te. Grazie mille.

Janusz Tworek crea opere in molte tecniche: collage, disegno, pastello secco e pittura a olio. Si occupa anche di vetro colorato, ceramica e fotografia. Janusz Tworek collabora con molte gallerie. Per Janusz Tworek, l'arte è il modo fondamentale di esprimere il suo atteggiamento nei confronti della realtà. I dipinti e i disegni che crea scaturiscono dalla zona istintiva, operando al di là delle considerazioni intellettuali. Egli ritiene che questo li renda la rappresentazione più autentica della realtà. Janusz Tworek scrive anche poesie che nascono dalla contestazione intellettuale. In diverse occasioni ha combinato questi due mezzi espressivi. Gli sembra che questo crei il messaggio più completo.

La sua pittura è spontanea, frutto delle emozioni che prova. Per questo le sue opere sono così diverse l'una dall'altra. Il più delle volte, le idee che sono la base intellettuale di ciò che vuole dipingere cambiano sotto l'influenza delle emozioni del momento. Da qui il suo motto "le emozioni sono tutto - tutto è emozione".

Nonostante l'età di 65 anni, studia sempre. Non si chiede se ha uno "stile" di pittura. Cerca di dipingere al meglio. E questo cambia grazie alle nuove esperienze. Certamente il suo "stile" non è il realismo.

Ogni opera è espressione delle sue esperienze vissute, il che crea un legame emotivo con ognuna di esse. Quando termina il dipinto, prova una sorta di sollievo e pensa a ciò che accadrà in seguito.

Ritiene che sia importante tornare alle radici del ruolo dell'arte nella vita umana. Per questo è così importante rendere gli artisti stessi consapevoli dell'importante ruolo sociale che svolgono. Essi creano oggetti che sono sempre stati i marcatori del livello di maturità della comunità. Il bisogno di entrare in comunione con l'arte è un'esigenza intrinseca dell'umanità fin dalla notte dei tempi. Purtroppo, oggi non è così evidente.

INTERVISTA con Janusz Tworek

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Janusz Tworek, che ha partecipato durante il terzo evento di RenovArt | 100 Artisti per il Futuro, dal 03 al 30 novembre 2022 in Matera presso la Lega Navale Matera con i suoi lavori: "Judgmental 2017", "Hidden 2021" e "Intrusion 2022". 

Carmela Loiacono - Sei architetto da quasi 40 anni e hai dedicato la sua vita anche all'arte, come pittore autodidatta. Potresti presentarti e raccontarci come hai iniziato a occuparti di arte? Come ti descriveresti?

Janusz Tworek - Ho sempre disegnato. Il destino mi ha portato all'architettura. Ho fatto la mia prima mostra di disegno due anni dopo gli studi. Poi c'è stato il lavoro. Nel frattempo disegnavo con carboncino, matita e pastello secco. Da otto anni dipingo. Questo è ciò di cui ha bisogno in questo momento per continuare a svilupparsi.

C. L. - Da dove vieni e come influisce sul tuo lavoro?

J. T. - Vengo da una città molto bella e antica, Cracovia. La città è stata iscritta nella lista dell'UNESCO negli anni Settanta. Quando si vive circondati dalla bellezza e da un'atmosfera unica, si acquisisce una sensibilità proporzionata.

C. L. - So che vivi a Cracovia, in Polonia, e a Tenerife, come riesci a conciliare i tuoi viaggi con il lavoro?

J. T. - Senza alcun problema. Ho studi a Cracovia e a Tenerife.

C. L. - Chi sono le tue maggiori influenze artistiche?

J. T. - Picasso, Bacon e artisti polacchi come Starowiejski, Hasior, Duda-Gracz, Witkacy.

C. L. - Vivendo a Tenerife, hai incontrato un artista autodidatta, Javier Huerta, come ha ispirato la tua arte e le tue opere? Lavori insieme per qualche progetto futuro?

J. T. - Ultimamente sono molto più in Polonia che a Tenerife e Javier Huerta è più spesso a Madrid. Quindi il nostro rapporto si è un po' allentato.

C. L. - Come inizi un nuovo lavoro? Hai già un'idea in mente?

J. T. - Per lo più sì. Ma a volte faccio semplicemente quello che mi viene fuori.

C. L. - Qual è il tuo momento preferito per creare?

J. T. - Non ha molta importanza per me. Non creo all'aperto.

C. L. - Tu collabori con diverse gallerie d'arte, qual è stato finora il momento più emozionante della tua carriera artistica?

J. T. - Il più emozionante è stata la mostra alla galleria PAKS di Vienna. Si è tenuta a Villa Am Kaiserweg. Era una mostra collettiva, ma accompagnata da opere di artisti come Picasso, Dalì, Klimt, Rodin, Chagal.

C. L. - Cosa hanno detto i critici e i collezionisti del tuo lavoro?

J. T. - Positivamente. Prima di tutto, che racconta una storia e fa riflettere. E spesso è sorprendente.

Dopo 8 anni di assenza a causa di circostanze molto gravi nella sua vita personale e dopo essersi lasciata tutto alle spalle, anche il suo passato di ritrattista, ha iniziato a reinventarsi e a ricordare a sé stessa ciò che amava fare da bambina... disegnare su carta con la penna, la matita o il gesso... e ha iniziato a farlo di nuovo... tornare alle origini" e da lì in poi... che si rifletteva anche nella sua vita quotidiana, perché non c'erano più obblighi e distrazioni. Non aveva nient'altro da fare e niente da perdere. Questo ha inaugurato un nuovo periodo per lei, iniziato tra la fine del 2018 e l'inizio del 2019, in cui il processo di creazione è fondamentale per lei (piuttosto che il risultato finale, che è importante nella ritrattistica)... un processo in cui è guidata dalla sua intuizione, dai diversi materiali, dalla sensazione di libertà, giocosità e sperimentazione... e in cui il risultato finale è il sottoprodotto. È un processo di abbandono del vecchio (e del suo vecchio modo di lavorare)... continuando a seguire ciò che le piace di più, ignorando il più possibile la voce critica nella sua testa... e cercando di aprirsi nuovamente ala bambina che è in lei, imparziale, pura e spontanea. Dopo aver esposto regolarmente i suoi lavori in passato fino al 2012 e aver sempre avuto un sito web... nel 2020 ha ricominciato a far conoscere i suoi nuovi lavori su diversi siti e social media per creare un nuovo movimento con la sua arte.

INTERVISTA con Patriez Art

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Patriez Art, che ha partecipato durante il terzo e il quarto evento di RenovArt | 100 Artisti per il Futuro, dal 03 al 30 novembre 2022 presso la Lega Navale Matera e dal 05 dicembre 2022 al 03 gennaio 2023 presso LA Galleria Spazio Opera a Matera con la sua opera: "Free your inner Child!". 

Carmela Loiacono - Puoi presentarti e raccontarci come hai iniziato a fare arte?

Patriez Art - Da bambina, in tenera età, creavo sempre cose dal nulla... e il disegno in particolare era una specialità. Disegnavo soprattutto figure di fantasia e il mio interesse si è presto rivolto al disegno di persone e volti. Ben presto mi è stato chiesto di disegnare ritratti di persone del mio ambiente. In seguito, da autodidatta, ho ampliato la mia attività e ho dipinto molti ritratti su commissione per le persone e ho anche disegnato caricature per le persone... dando vita al volto nel mio modo espressionistico... un ritratto con un'anima. A un certo punto ho iniziato a dipingere astratto intuitivo per sperimentare una maggiore libertà nel mio processo... perché dipingere solo ritratti non mi dava più una sfida sufficiente. Anche in questo nuovo modo ho dovuto reinventare me stessa e in questo processo ho consapevolmente riportato me stessa alla bambina che è in me e che vuole esplorare e giocare... tornare alle origini. Così sono nate le mie opere degli ultimi 5 anni, in cui lavoro a tecnica mista. Ho ricominciato a giocare con tutti i tipi di materiali che mi danno una sensazione di libertà, spontaneità... e gioia.

C. L. - Avevi già un'idea di ciò che volevi creare fin dall'inizio?

P. A. - Come ho detto nella domanda precedente, disegnare i volti è stata la mia più grande passione. Fin da piccola ero molto affascinata dalla varietà e dall'espressione di tutti i diversi volti delle persone, che raccontano qualcosa di molto intimo sulla persona che si cela dietro il volto. Allo stesso tempo, il volto è anche una facciata di ciò che quella persona non vuole mostrare. Rimane affascinante!

C. L. - La tua motivazione principale in questo momento è il processo di lasciare andare il vecchio e lasciare che la bambina che è in te, giocando con tutti i tipi di materiali, stupisca e sperimenti di nuovo. Potresti descrivere il tuo processo creativo?

P. A. - Il mio processo creativo attuale e degli ultimi 5 anni è (appunto) il continuo lasciar andare il vecchio, il mio vecchio io e il mio vecchio modo di lavorare... per riscoprire in modo puramente intuitivo, sperimentare e soprattutto giocare! Con materiali diversi mescolati tra loro, raschiando via gli strati per vedere cosa emerge (come un archeologo che dissotterra i propri tesori;-) e poi applicando di nuovo nuovi strati e raschiando via parti finché non vedo apparire qualcosa che mi parla in un modo o nell'altro... in termini di sensazione, colore, composizione e rapporto luce-buio, e in cui vedo riflessa la libertà e la giocosità del processo in modo che quando lo guardo posso provare gioia. Questo processo dà un risultato vissuto con molta storia... ma allo stesso tempo mantiene la sua freschezza e giocosità. E mentre scrivo, questo dice molto di me, del mio passato turbolento... della mia maturità considerando i miei 55 anni... e del fatto che sto rinascendo nella libertà, nella gioia e nella giocosità;-)

Non ho mai un piano preconcetto, ma lascio che il processo faccia il suo corso il più possibile. I materiali che utilizzo su carta, tela o legno sono colori acrilici, pastelli a olio, pastelli morbidi, matite colorate, gessetti, penne, materiali per collage (autoprodotti) e talvolta gesso. Non è sempre un processo che richiede tempo... a volte qualcosa di nuovo nasce spontaneamente, cosa che di solito accade sulla carta... e la sfida allora è fermarsi al momento giusto. Per cambiare, mi piace anche realizzare assemblaggi (in tecnica mista) con legno e altri materiali di scarto.

C. L. - Cosa vuole che la Tua arte trasmetta alle persone che la vedono? Qual è il significato o la motivazione creativa che risiede dietro al tuo lavoro?

P. A. - Il complimento più grande che ricevo dalle persone che vedono il mio lavoro è che ricevono anche quello che ho descritto nella domanda precedente... provare la sensazione/il riflesso di libertà, gioia, meraviglia e giocosità.

La mia motivazione è liberare me stesso... che è anche il significato del mio lavoro.

Quindi la cosa migliore che possa accadere è che con il mio lavoro io possa liberare una sorta di desiderio nello spettatore, con il messaggio che qualunque cosa sia accaduta nella vita personale... c'è sempre un modo per liberarsi, lasciare andare il vecchio e scegliere di nuovo per la giocosità, la freschezza, la spontaneità, la meraviglia e l'amore universale!

C. L. - Oltre alle tue opere d'arte, ci sono altre cose nella vita che la tua voce di artista può considerare vitali o preziose? In altre parole, cosa ti rende gioiosa e creativa?

P. A. - L'altra mia passione è il ciclismo! Faccio molti chilometri con la mia e-bike sportiva che mi rende molto felice... dove provo la massima sensazione di libertà e da cui traggo anche una rinfrescante ispirazione. Di solito faccio lunghi viaggi di circa 100 chilometri o più, preferibilmente attraverso la splendida natura che mi piace di più. Inoltre, mi piace avere conversazioni approfondite con i miei cari sul significato della vita e sulla possibilità di trovare la propria strada in essa. Anche conversare sugli eventi bizzarri del mondo, esserne consapevoli ma non lasciare che ti definiscano, bensì scegliere la propria libertà, la propria strada... mantenendo l'umorismo:-) E anche essere creativi insieme agli altri ne fa parte.

C. L. - A quali progetti interessanti stai lavorando in questo momento? Puoi condividere alcuni dei piani futuri per le tue opere d'arte?

P. A. - Non ho progetti futuri chiari per il mio lavoro, lascio che si sviluppi da solo perché ho sperimentato che se ho un'idea per un'opera d'arte, mi blocco subito:-) Quello che sento arrivare è che la figurazione giocherà un ruolo più importante insieme al processo intuitivo. Sto iniziando ad aprirmi di nuovo a qualsiasi incarico di ritratto che probabilmente avrà un'interpretazione completamente diversa rispetto al passato. Non ho idea di come andrà a finire e se questo accadrà, è solo una congettura:) Il 6 e 7 maggio prossimi parteciperò per la seconda volta alle giornate di studio aperto da questa località del Belgio (in precedenza vi partecipavo anche ogni anno quando vivevo ancora a Eindhoven, nei Paesi Bassi). Per me questo è il modo più interessante e pratico di mostrare le mie opere, di avere un contatto personale con i visitatori e di intrattenere conversazioni coinvolgenti sul processo di creazione dell'arte. Continuerò quindi ad aprire il mio studio.

Zahra ha esposto al 19° concorso World of Colour Pencils Competition presso il Derwent Colour Pencil Museum. Espone anche con la Society of Fulham Artists and Potters e la Croydon Art Society, e annualmente alla Parallax International Art Fair di Londra. Recentemente Zahra ha esposto alla Galerie L'Espace Ysmailoff, a Parigi, e al Gunnersbury Park Museum and White Gallery, entrambi a Londra, dove ha venduto diversi dipinti. Inoltre, Zahra è stata segnalata dal Wandsworth Art Journal come artista emergente.

"Ho sempre avuto la passione per il disegno e la pittura, utilizzando colori vibranti e una tavolozza calda. La mia pratica artistica riflette il calore, i colori e la luce della gente, della cultura e dell'ambiente mediterranei. Queste qualità, insieme all'amore per la creazione di bellezza e di un mondo magico ed elegante, sono ciò che mi motiva ed emoziona quando dipingo. Mi piace ritrarre persone vestite in modo piacevole, che camminano, si rilassano e si godono la vita. Voglio catturare un momento in cui anch'io faccio parte del mondo, camminando dietro le persone e facendo parte del paesaggio o semplicemente prendendomi un momento per guardare qualcosa di bello. Questo fa molto parte della cultura latina in cui sono cresciuta.""Nelle mie opere dipingo con il rosa, il rosso, l'arancio, il giallo e l'oro, ma uso sempre un colore complementare come il verde, il blu o il viola per aumentare l'effetto. Uso anche il nero perché conferisce eleganza alle figure e agli altri elementi dei dipinti. Il mio amore per i dipinti Vanitas, le vetrate e i cartoni animati Disney sono la mia costante ispirazione e ora fanno parte di una firma stilistica che è unica per me. Creo volumi attraverso un uso attento di sfumature e tinte, ma anche attraverso blocchi di colore. Può essere molto dettagliato e spesso assomigliare a un mosaico. Mi piace questo modo di dipingere.

Quando le persone vedono i miei dipinti, vorrei che evadessero in un mondo di fantasia e si abbandonassero al bello. Per un momento vorrei che si lasciassero alle spalle tutta la durezza della realtà e vivessero un sogno di ciò che potrebbe essere. La mia arte è fatta per dare bellezza al mondo".

INTERVISTA con Zahra Tharani

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Zahra Tharani, che ha partecipato durante il terzo evento di RenovArt | 100 Artisti per il Futuro, dal 03 al 30 novembre 2022, presso la sede della Lega Navale Matera con la sua opera: "Love in London, St Pauls". 

Carmela Loiacono - Ci puoi parlare del momento o del periodo in cui hai deciso di intraprendere la carriera artistica?

Zahra Tharani - Ho deciso di intraprendere la carriera artistica 6 anni fa. Era una cosa che volevo fare fin da bambina. Come molti artisti, sono stato dissuaso dal seguire questa strada perché mi sembrava inaffidabile e faticosa per guadagnarsi da vivere. Sebbene questo possa essere vero, credo anche che se hai un talento o una passione che ti rende felice e ti appaga nella vita, allora vale la pena di perseguirlo. Ho raggiunto un punto della mia vita in cui stavo vivendo una vita convenzionale o piuttosto dettata dalle aspettative della società, che non mi gratificava. È stato a quel punto che ho fatto un passo indietro e ho guardato la mia vita. Mi sono resa conto che siamo qui solo per poco tempo, quindi è importante vivere la vita che vogliamo. Essere un artista era la vita che volevo.

C. L. - Quali sono i temi del tuo lavoro?

Z. T. - Il mio lavoro si occupa di questioni sociali o piuttosto dell'analisi del comportamento umano e anche di condizionamenti, spesso con effetto umoristico. Esploro temi come il pettegolezzo, fatto per lo più da donne, e le sue terribili conseguenze, la solitudine negli spazi urbani, il desiderio di un contatto umano, la ricerca di una casa e di un luogo di accettazione e sicurezza, la presenza di Dio o dello Spirito Santo nella natura con tutta la sua tranquillità e bellezza.

C. L. - Potresti descrivere l'opera "Love in London, St Pauls" che hai presentato durante la mostra?

Z. T. - St Pauls è una bellissima cattedrale e un'icona di resilienza, speranza, pace e amore duraturo di Dio per il suo popolo. È stata testimone e sopravvissuta ai bombardamenti delle guerre mondiali e, quando tutto è stato raso al suolo, i cittadini di Londra hanno mantenuto il loro spirito di sopravvivenza vedendo St Pauls ancora alta e forte. In molti modi questa cattedrale è stata anche testimone delle promesse e dei voti fatti tra uomini e donne nel corso del tempo, affinché il loro amore e la loro fedeltà superassero la prova del tempo e delle lotte. Ancora oggi le coppie, vecchie e nuove, si fermano sull'Embankment per guardare il tramonto su St Pauls e sperare in una vita felice insieme e in un futuro sereno. Chi è fortunato sceglie di sposarsi a St Pauls. Volevo creare una scena romantica, per questo ho scelto i colori rosa e viola. I fiori sul davanti fanno da cornice al dipinto e creano un'atmosfera romantica. L'immagine è divisa in tre parti: il primo piano, costituito dai fiori, il centro, costituito dai lampioni e dalla coppia, e lo sfondo, costituito da St Pauls che si staglia luminoso. L'uso della luce e del colore bianco per San Paolo è stato importante per la sua connotazione di purezza.

C. L. - Quanto tempo hai impiegato per produrre quest'opera e in generale quanto tempo impieghi per realizzare le tue opere?

Z. T. - Di solito lavoro per un mese su un'opera, ma spesso posso impiegare più tempo a seconda della quantità di dettagli richiesti e delle dimensioni del dipinto.

C. L. - Oltre alle tue opere, ci sono altre cose nella vita che la tua voce di artista può considerare vitali o preziose? In altre parole, cosa ti rende gioiosa e creativa?

Z. T. - Trovo che la musica classica mi renda felice e mi permetta di attingere ai recessi della mia mente per immaginare un mondo diverso e migliore e provare emozioni. Trovo anche che parlare con le persone senza alcun altro motivo se non quello di entrare in contatto con qualcuno a livello umano sia molto edificante. Spesso credo che l'arte possa essere una fonte di ispirazione per un altro modo di essere e di vivere in questo mondo. Ghandi una volta ha detto: "Sii il mondo che vuoi che il mondo sia". Penso che l'arte possa mostrare buoni valori come l'importanza della famiglia, della società, della natura e dell'umanità. Può promuovere la compassione e la bellezza attraverso immagini didattiche e stimolanti. 

C. L. - Hai in programma qualche evento o mostra che dovremmo conoscere?

Z. T. - Alla fine di settembre 2023 esporrò le mie opere alla mostra BEAT presso la Boston Manor House di Londra e mi sto preparando per questo evento.

C. L. - Sei venuta all'inaugurazione, qual è stata la tua esperienza durante la mostra?

Z. T. - Anche se viaggio spesso in Italia, è stata la mia prima mostra e visita a Matera. Sono rimasta affascinata da questa città dell'antichità, con i suoi abitanti cordiali e amichevoli, e dalla location della mostra, un'antica grotta. Spero di tornare di nuovo a Matera, dopo aver fatto amicizia, magari per esporre nella galleria del centro città. L'organizzazione è stata meravigliosa, così come la serata di apertura con un famoso bardo che ha cantato per gli ospiti e gli artisti che esponevano.

Nel 2012 Sasha ha avuto la sua stessa devastazione quando suo padre è morto, subito seguito da sua madre che è stata ricoverata nel reparto psichiatrico e la sua famiglia ha perso tutto ciò per cui aveva lavorato a causa di una frivola causa legale. Stava cercando di reggere tutto da sola e si è rotta, essendo crivellata da un dolore intenso, una misteriosa eruzione cutanea e una febbre ricorrente. Rifiutando di finire sotto farmaci o in chirurgia, ha deciso di trovare la sua guarigione. Ha approfondito una disperata ricerca di una risposta, che l'ha portata in un viaggio spirituale per capire meglio se stessa e tutte le cose.

È con questa profonda consapevolezza che Sasha ha iniziato la sua carriera di artista. La compagnia di Sasha, Sawübona, che significa "ti vedo" in zulu, è la manifestazione fisica del lavoro interiore di Sasha come essere umano e come artista; dando vita a esperienze che guariscono e uniscono. Le sue sessioni fotografiche e video, le sue mostre e i suoi film sono stati illuminanti e curativi per coloro che li hanno vissuti e hanno contribuito a raccogliere oltre $ 100.000 per organizzazioni senza scopo di lucro con sede a Los Angeles.

INTERVISTA con Sasha Marie Speer

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Sasha Marie Speer, che ha partecipato a RenovArt Video Screening Festival, dal 15 al 30 giugno 2022 a Matera, presso Spazio Opera con "Unborn". 

Carmela Loiacono - Potresti presentarti e raccontarci come hai iniziato il tuo lavoro? 

Sasha Marie Speer - Mi chiamo Sasha e sono cresciuta ai piedi delle Cascade Mountains nello stato di Washington negli Stati Uniti. Essendo circondata da tanta natura e poche persone, la mia immaginazione è ciò che mi ha intrattenuta per la maggior parte del tempo. Ho sempre amato catturare e creare immagini e l'essenza delle cose. Abbiamo tenuto incredibili corsi avanzati di arte e fotografia al mio liceo che mi hanno aiutato a coltivare i miei doni, ma quando è arrivato il momento di scegliere un college non riuscivo a capire come potevo guadagnarmi da vivere con la mia arte, quindi sono andato in medicina. Otto anni dopo, con il dottorato in mano, ho liberato di nuovo le mie capacità creative e anni dopo mi sono ritrovato nel mezzo cinematografico.

C. L. - Qual è il tuo background?

SM. S. - Il mio background è come artista e fotografo raffinato, nonché in medicina con un focus sulla connessione mente-corpo. Tutte queste basi aiutano a servire il mio attuale lavoro. Prima del Covid, stavo organizzando esperienze immersive dal vivo con foto, video e performance incentrate su fili comuni dell'umanità con l'obiettivo di unire persone di diverse razze, status socioeconomico, genere e così via in un contesto che è stimolante ed edificante. Quando il Covid ha colpito, ho fatto un paio di spettacoli immersivi online ma non si sono tradotti nel modo in cui intendevo, quindi sono tornata al cinema e il mezzo è stato efficace.

C. L. - Qual è lo scopo del suo lavoro?

SM. S. - Tutto il mio lavoro mira a unire persone di diversa estrazione attraverso esperienze condivise. A esempio, il mio film più recente, Unborn, è incentrato sulla maternità e sulla perdita che molti sentono nel tentativo di concepire - a causa di aborto spontaneo, aborto, infertilità o altri motivi - e allo stesso tempo unendo il pubblico nella bellezza e nella magia che è la gravidanza.

C. L. - Da dove vieni e in che modo ciò influisce sul tuo lavoro?

SM. S. - Vengo da quella che era una piccola città con un semaforo a circa 25 miglia a nord di Seattle, WA, USA. Sono cresciuta su 20 acri e ho trascorso molto tempo all'aperto. Mi ha aiutato a imparare ad ascoltare. I miei genitori mi hanno incoraggiata e nutrito l'uso della mia immaginazione e sento che questo, unito allo stretto legame con la natura, mi aiuta ad attingere alla vera essenza dell'essere delle persone e della natura. Ho anche iniziato a viaggiare e vivere in tutto il mondo da adolescente e penso che questo mi abbia aiutata a vedere e a identificarmi con gli altri che non mi somigliano.

Nella mia pratica medica ho viaggiato e lavorato con persone in tutti gli Stati Uniti nelle loro case che erano molto malate e appena tornate dall'ospedale. Venivano da ambienti diversi e ho scoperto che la sofferenza vissuta da così tanti era universale, indipendentemente dalla lingua o dalla cultura. Questo ha influenzato notevolmente il mio lavoro negli ultimi 4-5 anni.

C. L. - Quali emozioni speri provino gli spettatori quando guardano i tuo video/films?

SM. S. - Speranza. Pace. Un senso di sentirsi valido e necessario. Di sentirsi visti.

C. L. - Quando pensi che sia il momento migliore della giornata o della settimana per produrre il tuo lavoro?

SM. S. - Sto meglio nei pomeriggi dopo aver nuotato nell'oceano o in piscina. La mia mente è chiara e i miei sensi sono svegli. È attraverso le mie "meditazioni in movimento" nell'acqua che nascono la maggior parte delle mie idee. L'altro buon momento è proprio mentre mi addormento. Questo è quando avrò spesso un'idea di qualcosa che ho cercato di far funzionare ma mi sono sentito bloccato. Per questo motivo tengo sempre un blocco di carta e una penna sul comodino.

C. L. - Cosa hanno detto critici e collezionisti dei tuoi lavori video?

SM. S. - Dopo anni in cui le persone mi dicevano che non potevo fare ciò che avevo immaginato, ho scelto di ascoltare il mio cuore e farlo comunque. Molte di quelle stesse persone sono sbalordite dal mio lavoro, sia gli spettacoli dal vivo che i film. C'è una verità umana che porto avanti e che le persone sentono. È la somma di decenni di lavoro sulla mia anima e di lavoro per guarire la radice di tanto dolore e sofferenza negli altri. In questo, però, molti non sanno dove collocare il mio lavoro perché non si adatta alle strutture tradizionali, quindi continuo ad andare avanti e fare le mie cose – e loro si presentano ancora e ancora per sperimentare ciò che ho da condividere. Il mio lavoro è per le persone.

C. L. - La tua compagnia, Sawübona, che significa "ti vedo" in zulu, è la manifestazione fisica del tuo lavoro interiore come essere umano e come artista. Come immagini il tuo lavoro tra un paio d'anni? Dove vedi andare la tua arte?

SM. S. - Sawübona è l'essenza di tutto ciò che faccio. Il mio lavoro mira a portare una voce collettiva all'esperienza umana. Far sentire le persone viste e ascoltate in un contesto bello, edificante e stimolante. Tra un paio d'anni vorrei che i miei spettacoli e i miei film fossero disponibili su una piattaforma che consentisse a più persone di avere consapevolezza e accesso alle esperienze.

Il mio lavoro che sfonda la coscienza mainstream sarà come avere il cibo biologico che sfonda il mondo del cibo troppo trasformato e troppo consumato di scarso o nessun valore nutritivo. Porta nutrimento all'anima umana e mi piacerebbe vedere quel tocco a quante più persone possibile.

Esperienza

2016: La sedia Bent è stata finalista del premio di design Bienensticok della High Point Furniture Fair negli Stati Uniti.

2017: La lampada di carta Moon è stata selezionata al Core77.

2020: "Vase Na" ha vinto il Wanted Design Launch Pad 2020, Wanted Design.

2021: Vase Na 2.0 è stato annunciato come Honoree dei NYCxDESIGN Awards 2021.

Inoltre, le opere sono state selezionate da Designboom, Interior Design, Designmilk, Design Miami e da Edit Napoli 2021.

Collaborazione con i media: 

Design Miami, NYC X DESIGN WEEK, Design Milk, Designboom, 

Interior Design, MIX Magazine, UK

Wanted Design, Core77, Vogue

INTERVISTA con Bo Zhang

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Bo Zhang, che ha partecipato alla mostra RenovArt | 100 Artisti per il Futuro, dal 5 dicembre 2022 al 3 gennaio 2023 a Matera, presso Spazio Opera con due vasi di design: "Lightness 1.0 Violet" e "Lightness 1.0 Yellow". 

Carmela Loiacono - Potresti presentarti e dirci come hai iniziato il processo creativo?

Bo Zhang - Sono Bo Zhang, artista e designer cinese, sono più disposto a definirmi un creatore. Gli oggetti che le persone disdegnano nella vita quotidiana vengono sorpresi attraverso la mia creazione.

Un primo periodo è stato a scuola, dove ho ricevuto un apprendimento professionale di design del prodotto e design di mobili. Il secondo periodo è quando lavoravo negli studi d'arte di New York, sono costantemente stato in contatto con opere d'arte reali, ricevevo metodi di espressione artistica. Attraverso queste influenze e accumulazioni di apprendimento, ho gradualmente trovato il mio modo unico di bilanciare arte e design. Dopo che il mio studio Desz è stato fondato, ho formato il mio punto di vista del design e l'espressione artistica per creare opere d'arte. Credo che l'arte sia una forma speciale di espressione, l'espressione è in una certa misura al di là del linguaggio, le cose che possono passare alle persone superano l'opera stessa.

C. L. - Qual è il tuo background?

B. Z. - In generale per il designer il prodotto è funzionale. Quando ho studiato in Italia, ho scoperto che i buoni prodotti possono bilanciare le funzioni e l'estetica. Le persone acquistano prodotti per bellezza e utilità. Pertanto, nella penisola appenninica, la culla del Rinascimento in Italia, i prodotti spesso contengono geni romantici, l'estetica è più che funzionale. Il design è stato creato da persone che hanno basi culturali. Questo può avere un profondo impatto sulla mia creazione per l'estetica e le funzioni. Nel 2015 sono andato negli Stati Uniti, un paese multiculturale, ognuno ha sentimenti e definizioni di bellezza diversi. Gli artisti americani hanno esteso l'estetica a una gamma più ampia, o anche a un mercato più ampio. La creazione può enfatizzare la personalità e può essere riconosciuta da una varietà di gruppi popolari, questo stimola più ispirazione e potenziale degli artisti. Nel 2018 sono tornato in Cina. La mia precedente esperienza e apprendimento non hanno avuto conflitti con l'arte e il design cinesi. Grazie all'influenza durante il lavoro negli studi d'arte di Milano e New York, ho unito la cultura cinese e la cultura asiatica dando vita a nuove idee. Ho creato opere insolite che gli oggetti che le persone ignoravano, ordinari e naturali attraverso la mia attenta ricerca. Le opere possono interagire e comunicare con le persone e diventare non più ordinarie.

C. L. - Cosa influenza il tuo lavoro? Cosa o chi ti ispira?

B. Z. - Nella mia filosofia progettuale gli oggetti vicini alle persone sono belli, chiamati bellezza quotidiana e bellezza naturale, ma gli oggetti troppo quotidiani spesso vengono ignorati dalle persone. Quindi tendo a partire dagli oggetti quotidiani e infondere la mia ispirazione quando disegno. Attraverso la mia creazione, posso dare loro emozione ed estetica, dare alle persone nuove sensazioni e far capire alle persone che possono anche godersi le cose intorno a loro da una prospettiva inaspettata. È proprio perché molti dei prototipi di opere sono oggetti quotidiani e naturali, quindi hanno una sensazione di calma ed equilibrio, ma questo può portare agli spettatori una sorpresa senza precedenti.

Sono cresciuto nell'ambiente della cultura cinese, ho imparato il giapponese mentre studiavo. La filosofia orientale è caratterizzata da introversione, pace, natura e tenacia. Nella cultura orientale, sosteniamo la natura e il potere della gente comune non sarà facilmente scoperto. Spero di usare la mia creatività per far parlare le persone con oggetti naturali e renderli magici e grandiosi. Successivamente, quando ho studiato e lavorato in Europa e negli Stati Uniti, ho gradualmente formato un modo di pensare per creare sorprese dall'ordinario.

C. L. - Per favore, potresti descrivere i progetti di Vase Na e le opere esposte durante RenovArt | 100 artisti per il futuro?

B. Z. - "Ho creato lo strabiliante vaso NA dallo spazio vuoto", hanno riferito i media su Vase Na.

I vasi sono definiti come contenitori con bordi, ma non questi. Esploro la relazione tra le persone e lo spazio, Vase NA è un concetto di linee, colori e l'idea di creare apparentemente qualcosa dal nulla.

Vase NA è costituito da una struttura a griglia metallica. All'interno di ogni griglia, i colori sfumati indicano un "vaso" che riposa all'interno, ma non esiste alcun oggetto reale. Il vaso, in base alla progettazione, sfida la percezione dello spettatore, spingendolo a riconoscere un vaso all'interno di un oggetto, riconciliandosi anche con il fatto che il vaso in realtà non esiste. Rompe i vincoli spaziali intrinseci di un oggetto definito e gioca con il confine tra virtuale e reale. Che lo si definisca un vero e proprio vaso o meno, questo oggetto d'arte può comunque essere goduto in qualsiasi spazio.

Nel mio design il colore è una parte molto importante. Non è solo un'espressione visiva, ma rende anche il mio lavoro diverso, è il mio atteggiamento nei confronti dell'arte. Il colore viene aggiunto ai materiali per dare significato alle opere. Ad esempio, è grazie al colore che Vase Na può diventare un vaso per discutere con il pubblico il tema dell'essere e del non essere. Mi piace esplorare oggetti naturali e ordinari. I colori freschi possono rendere queste cose più potenti e fresche. Una vasta gamma di forme di vasi può essere espressa da diverse linee colorate. Tuttavia, poiché la tonalità cambia in base alla sequenza in cui sono stratificate le linee colorate e le tonalità di colore variano con l'altezza verticale, i progettisti hanno impiegato una notevole quantità di tentativi ed errori per raggiungere il risultato desiderato. Il design sfrutta lo spazio, il colore e gli elementi della linea per creare un vaso galleggiante nello spazio, cambiando prospettiva, i progettisti hanno cercato di esplorare il rapporto tra le persone e lo spazio.

Un'altra opera Lightness è una collezione di vasi di diverse forme. Non sono solo vasi funzionali, ma anche decorazioni e opere d'arte. Grazie alla partecipazione della luce, le loro forme intelligenti e i colori graduali portano gioia e relax alle persone, suscitando allo stesso tempo romantiche fantasticherie nelle persone.

Il vaso Lightness si è concentrato sulla sperimentazione di forme semplici in materiali trasparenti e su una continua ricerca approfondita tra la materia e la sua espressione cromatica. Uso il colore e la luce per dare forma al vaso. Il progetto "Shaping Color" può essere visto come un'indagine visiva sulla relazione tra colore (luce) e forma (spazio).

Quando vedi il vaso, potresti non vedere il confine, vedi colore e luce. Le forme visionarie combinate con il variare del colore rendono questi oggetti altamente reattivi in ​​diverse condizioni di illuminazione, conferendo a questo materiale artificiale un aspetto quasi naturale. In effetti, la forma non è importante, è tutta una questione di colore e confine e di come sono scomparsi.

La leggerezza è concepita come una combinazione di componenti per ingranaggi e lastre acriliche. Il metodo di progettazione dà vitalità all'opera d'arte. Gli utenti possono cambiare il foglio acrilico di diversi colori in qualsiasi momento per creare le proprie nuove opere. Rispetto ai tradizionali arredi per la casa, il nuovo schema di design combinato prolunga la durata del prodotto. Continuiamo a perseguire il design a lungo termine. Evitare sprechi e scarti. La parte del componente dell'ingranaggio è realizzata in plastica riciclabile e materiali in resina naturale, riducono il carico sulla terra.

C. L. - Quanto tempo ci vuole per produrre un'opera?

B. Z. - Un buon lavoro non dovrebbe essere misurato o limitato dal tempo. Non ho limiti di tempo per realizzare un'opera. Forse questo momento è ritardato in base alla mia continua ottimizzazione e miglioramento dei lavori, quando sono perfetti è il momento migliore.

C. L. - Come inizi un nuovo lavoro? Hai già un'idea in mente o inizi a lavorare con materiali o schizzi per trovare il punto di partenza?

B. Z. - Mi piace prestare sempre attenzione ai dettagli della vita e della natura. Scrivo molte idee interessanti. Penserò a queste idee quando mi preparo a creare e il concetto di progettazione preliminare verrà riprogettato nella mia mente. poi trovo un metodo di presentazione adatto per questo concetto, come materiali, artigianato, abbinamenti di colori e così via.

Quando creo, non stabilisco limiti per me stesso, altrimenti è difficile sfondare i confini. Naturalmente, queste ispirazioni richiedono un po' di talento, riflessione e molta pratica pratica.

Ad esempio Vase Na, i vasi tradizionali sono entità sagomate. Il progetto Vase Na rompe il confine della forma intrinseca, integrando linee e colori nel design presentando uno spazio apparentemente esistente senza un'esistenza reale. In effetti, dagli oggetti al pensiero delle persone, ci sarà un confine intrinseco difficile da sfondare. Spero di trasmettere il confine tra "essere e niente" attraverso le opere, a seconda di come le persone lo percepiscono e lo definiscono. La struttura di Vase NA è un'entità, ma posso usare il colore per creare lo sbalorditivo Vase Na dallo spazio vuoto.

Pertanto, le opere degli ultimi anni non hanno un chiaro senso del confine, sia visivamente che spiritualmente. Le persone sono sprezzanti nei confronti di una struttura ordinaria, ma quando uso il colore per modellare uno spazio (vaso), stimola l'immaginazione e il pensiero emotivo delle persone. L'opera ha vita e si verifica un dialogo spirituale tra le persone e l'opera. Come si definisce il "confine"? Come rompere? Il vaso esiste? Ci sono molte restrizioni e reclusioni nel mondo. Mi piace la parola "rompere" tanto quanto mi piace "creare".

C. L. - Professionalmente, qual è il tuo obiettivo? Come pensi possa svilupparsi il tuo lavoro tra cinque anni?

B. Z. - Non ho una posizione o un titolo chiaro per descrivere il mio lavoro attuale. Spero che design, arte e divertimento possano essere combinati insieme. Non vedo l'ora di dare vita alle mie opere, che è anche il mio obiettivo. Il mio lavoro non è solo un oggetto, ma può interagire con le persone e connettersi con le persone.

D'altra parte vorrei poter usare l'arte e il design per risolvere alcuni problemi nella società moderna e assumermi alcune responsabilità sociali per il rispetto dell'ambiente, e mi è piaciuto molto.

Nel 2019 ha esposto nella Cappella dell'ospedale di Cangas, nel ristorante “Las Tapas de Jose”, nella galleria d'arte Spazo di La Coruña, nell'hotel Marquis di Granada e nell'”Expo metro” di Londra. Nel 2020 ha partecipato a due mostre personali, una nel circolo degli affari galiziani a Vigo e un'altra nel ristorante El Barco a Granada. I suoi lavori sono stati presenti in diverse mostre collettive presso gli hotel Privilegio de Tena di Huesca, Casa Palacio María Luisa a Cadice e presso l'hotel Oca Puerta del Camino a Santiago de Compostela. Oltre a partecipare a due mostre al Museo Mundoarti, a “Expo metro” di Parigi, alla galleria “ARTBOX.GALLERY” di Zurigo e alla mostra “BREAKOUT” al M.A.D.S. a Milano. Dal 2020 viene rappresentato da due gallerie d'arte: Arts & Crafts Paris in Francia e Albe Art Gallery negli Emirati Arabi Uniti. Dall'inizio del 2021 è diventato membro della galleria Plogix Gallery & Online Art Group e ha un contratto firmato con la galleria Muzillionart in Cina che lo rappresenterà per tre anni nel mercato asiatico. I suoi lavori sono stati esposti nella mostra “Contemporary Collective” della galleria e studio Abartium ad aprile e sono stati pubblicati anche nella prima edizione del Boomer Magazine dal titolo “The new artist” della Boomer art gallery Gallery nel Regno Unito, in la rivista della galleria britannica "Art Hole" e nel numero autunnale della rivista della galleria georgiana "Collect Art". Alla fine del 2021 i suoi lavori sono stati esposti durante l'evento "Fragmented" presso la galleria londinese "The Holy Art" dove gli è stato assegnato il 2° premio. Sono stati, inoltre, pubblicati nell'edizione 10/DICEMBRE 2021 della rivista ARTMAGAZINEIUM, nell'11a edizione della rivista 365 ART+ e nella rivista Collect Art della galleria Art Hole nel Regno Unito. In quest'anno 2022 ho esposto di nuovo in "The Holy Art" nella mostra "Semiotics & Beyond", avrò la mia prima mostra in Messico a maggio. Il suo lavoro "Victoria 13, Más y Rico" è esposto al museo Piaggio Vespa a Pontedera, Italia. Inoltre, il suo ultimo lavoro "Pontedera" è stato esposto al 30° Salone dell'Automobile e della Moto a Vigo, in Galizia.

INTERVISTA con Ferró

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Ferró, che ha  partecipato durante gli eventi RenovArt | 100 Artisti per il Futuro, dal 20 maggio al 30 luglio 2022 in Matera, presso Spazio Opere con le opere: "Avenencia" e "Zape". 

Carmela Loiacono - Raccontaci di te e dei tuoi lavori. Come descriveresti te stesso e il lavoro che fai?

Ferró - Sono una persona timida e introversa, molto positiva, allegra e vitale. Nel mio lavoro puoi vedere questi tratti della mia personalità oltre 

alla mia ribellione.

C. L. - Da dove trai ispirazione?

F. - La mia introversione, il mio ricco mondo interiore, le persone molto vicine a me e la natura sono ciò che mi ispira a creare.

C. L. - Quanto tempo ci vuole per produrre un'opera d'arte?

F. - Di solito mi ci vogliono 3 settimane per creare un dipinto e circa 3 mesi per realizzare i miei lavori su una vespa che lavora 12 ore al giorno.

C. L. - Quali emozioni speri provino gli spettatori quando vedono la tua opera d'arte?

F. - Spero che tu abbia voglia di ripensare alla tua situazione nel mondo. Voglio che le persone abbiano prima una visione critica di se stesse e 

non accettino tutto come buono.

C. L. - La tua opera Victoria13 è esposta al Museo Piaggio di Pontedera. Raccontaci di questo lavoro.

F. - Ogni artista deve essere innovativo e sebbene ci siano più opere su vespa e molto buone, nessuno ha preso l'intera superficie di una vespa come se fosse una tela e ci ha creato sopra. Victoria è un'opera molto speciale che ha due significati. Da un lato volevo rendere omaggio alle vittime della violenza contro le donne in particolare e alle vittime in generale, per la storia del suo precedente proprietario e anche allontanare le superstizioni della sfiga come molti pensano al numero 13 che è nella tua registrazione.

C. L. - A quali progetti entusiasmanti stai lavorando in questo momento? Puoi condividere alcuni dei progetti futuri per i tuoi lavori?

F. - Il mio prossimo lavoro su Vepsa Santina 969 sarà presentato tra pochi giorni all'evento "Autobello" di La Toja e parteciperà alla fiera d'arte "Estampa" di Madrid.Presto lavorerò con le lastre dei veicoli per realizzare delle sculture.

C. L. - Oltre alle tue opere d'arte, ci sono altre cose nella vita che la tua voce di artista potrebbe considerare vitali o preziose? In altre parole, 

cosa ti rende gioioso e creativo?

F. - Oltre al contatto con la natura, i miei cari e il mio ricco mondo interiore, ci sono migliaia di personaggi che mi ispirano a creare e continuare a lavorare, come Horacio Pagani, Henry Ford, Enrico Piaggio, Picasso, Elon Musk e molte altre persone con storie di superamento e lotta che non si sono mai arrese fino a quando non hanno realizzato i 

loro sogni.

Dichiarazione dell'artista

Dopo molti anni di positivi progressi e con il nuovo lavoro di restauro di questi vecchi film e video d'arte. Finalmente mi rendo conto che i video realizzati al culmine del mio esaurimento nervoso, abbattono i muri del mio appartamento e mostrano al mondo come vivono, pensano e sentono le persone mentalmente malate e isolate.

Mostra come è la vita quotidiana delle persone sole. Quelle persone che normalmente non compaiono negli spazi pubblici a causa dei loro problemi e si nascondono dietro le pareti nella reclusione del loro appartamento, quindi nessuno le vede o se ne accorge.

Spero che questi film/video possano essere usati come informazioni su quelle persone perdute e dannate, e aiutino a capire da parte del pubblico questi problemi. - Danny Germansen

Ognuno di questi 1min. le opere di videoarte sono finestre sulla vita delle persone estranee. Gli estranei che combattono la depressione e altri problemi mentali o malattie fisiche, mentre vivono una vita in solitudine e isolamento nella nostra società.

Queste persone ora bussano alla tua porta e chiedono di entrare nella tua vita, nella tua mente, nella tua TV, nella tua coscienza. - Danny Germansen

INTERVISTA con Danny Germansen

La dott.ssa Carmela Loiacono dialoga con Danny Germansen, che ha partecipato durante RenovArt Video Screening Festival, dal 15 al 30 giugno 2022 a Matera presso Spazio Opera con "Inner Projections from a Broken Man (Remastered 2022)" e "Slave of the Mind". 

Danny ha partecipato alla mostra collettiva Be Yourself - Be Contemporary, decimo evento del progetto RenovArt, presso la Lega Navale Italiana (8-28 Febbraio 2024) con il suo video: "Slave of the Mind".

Carmela Loiacono - Come descriveresti te stesso e il tuo lavoro?

Danny Germansen - Sono un minimalista, espressionista e avanguardista, lavoro con l'angoscia, il dolore umano, la malinconia, l'alienazione e la solitudine. I miei film/video sono principalmente opere semiautobiografiche ispirate alla mia vita con una disabilità e una lunga vita con abbandono, abuso fisico e depressione, ma sto anche iniziando a toccare altri argomenti nel mio lavoro cinematografico come questioni politiche e questioni filosofiche. La prima parte del mio lavoro cinematografico/video artistico è stata usata anche come forma di arteterapia per me stesso. Lavorare e mostrare i miei dolori, le mie angosce e la mia solitudine al mondo e quindi anche nel realizzare queste opere, lavorando e analizzando i miei dolori e problemi e quindi cercando di far fronte alle mie malattie. Direi che lavorare con i miei problemi attraverso l'arte mi ha aiutato sulla strada verso una forma di guarigione. Realizzo anche una forma più colorata, giocosa e positiva di poster pop-art e design di t-shirt.

C. L. - Qual è il tuo momento preferito della giornata per creare?

D. G. - Al mattino, per prima cosa, qualche volta anche prima di bere il mio primo bicchiere di tè, e poi lavorare tutta la mattina e le prime ore. Penso che sia perché al mattino i pensieri nella mia mente sono più chiari, più puri e le idee sono più chiare per me, poi alla fine della giornata dove altri problemi della vita mi hanno infettato. Anche la sera sdraiato nel mio letto prima di dormire mi vengono tante idee e ispirazioni, poi le scrivo sul mio iPhone e dopo inizio a lavorarli

a volte già la mattina seguente o in un secondo momento, dopo aver raccolto abbastanza idee per la sceneggiatura di un film, successivamente inizio a scrivere la sceneggiatura.

C. L. - Descrivi come l'arte è importante per la società.

D. G. - L'arte può raccontare storie e illuminare le persone su argomenti diversi, come i miei film sulla malattia mentale. Ma anche rendere felici le persone, intrattenerle e farle ridere, cosa che ritengo anche molto importante, per sentirsi bene e vivere la vita. O anche come evasione, raccontare belle storie di amicizia, combattere insieme contro il male e ispirare, dare speranza, dare idee e far imparare qualcosa alle persone sul comportamento umano, sulla storia e così via.

Ma anche portare consapevolezza su argomenti seri. A volte quando guardo l'arte, c'è l'artigianato da ammirare, ma anche l'idea dietro l'arte mi lascia perplesso e mi ha incuriosito. E questo è anche intrattenimento.

C. L. - Cosa ti motiva a creare i tuoi video/films?

D. G. - Essere curioso di risolvere enigmi su come fare il mio lavoro. Vedere le tue idee diventare fisiche, l'artigianalità e vedere il risultato finale, sempre un desiderio di raccontare nuove storie, provare nuove idee. Lo zen di essere creativi e perdersi in un'illusione di finzione, proprio come quando si legge un libro o si guarda un film. Perdersi nell'idea, nel concetto. Ed esci di nuovo, e poi passare al prossimo progetto. Mi piace raccontare storie nei film, perché tocchi un soggetto mentre ci lavori, e nel prossimo film un nuovo soggetto. Questo fa per me e non mi annoio mai. Ogni produzione cinematografica è un'avventura.

C. L. - Il 24 giugno 2022 SLAVE OF THE MIND ha vinto il premio come miglior film sperimentale, miglior colonna sonora e miglior poster ai Cult Critics Movie Awards. Cosa hanno detto critici e collezionisti del tuo lavoro?

D. G. - Questa è una vera influenza, una descrizione onesta, brutale e diretta della malattia mentale, che molti altri registi non sono in grado di farlo, perché non hanno l'intuizione che ho io. E che le persone che soffrono anche di malattie mentali possono forse trovare conforto guardando il film e sentire di non essere sole con la loro esperienza.

E che forse può spiegare alla gente comune come il dolore della malattia mentale si stia manifestando sulla persona che soffre. Ho parlato con persone che visitano e curano pazienti con malattie mentali, e loro dicono che ciò che i miei film descrivono è giusto. Che queste persone esistono ma non le vedi negli spazi pubblici. Quindi la maggior parte della società non è nemmeno consapevole del fatto che tali vite vengono vissute!

C. L. - Come definisci il successo in qualità di artista?

D. G. - Essere in grado di lavorare e continuare ad avere idee è la cosa più importante per me e, naturalmente, anche che le persone vogliano interagire con la mia arte e con me. Il denaro e la fama non sono la forza trainante per me, ma lavorare con idee e progetti interessanti nel design di film, video, musica, poster art e t-shirt è un sogno che diventa realtà per me. Migliorare la mia abilità nelle discipline che mi piace fare, e anche vedermi evolvere nelle idee e toccare argomenti diversi è per me appagante. Cercando sempre di fare qualcosa di nuovo e magari di essere progressisti al riguardo. E inoltre, come sempre, lavorare insieme a persone straordinarie per realizzare un progetto, questo è un pagamento sufficiente per me.

C. L. - Quali sono le tue parti preferite e meno preferite dell'arte professionale?

D. G. - Meno preferito:

Persone che si considerano molto importanti e pensano che siano dei geni. Troppi artisti pretenziosi in giro. Non importa se sei considerato un genio, non ti dà il diritto di comportarti come una persona ignobile. Oppure pensi di essere un Dio, la cosa più importante per me è l'arte, quelli che pensano che la loro arte cambierà la storia del mondo, sono per me gli artisti meno interessanti. E la gelosia che gli altri artisti hanno nei confronti di una persona che le sta facendo del bene e le migliora, e che cerca di danneggiare

il loro successo. Alcune di queste persone si comportano come animali e riguardano solo il proprio narcisismo ed ego. Immagino che sia una parte del mondo.

La parte più preferita:

Poter incontrare spiriti affini e parlare di idee e di vita. E lavorare con quelle che sono le mie materie preferite ed essere creativo e innovativo allo stesso tempo.

C. L. - Quali sono i tuoi nuovi obiettivi di carriera?

D. G. - Essere più produttivi e divorare la mia lista di cose da fare. Forse iniziando a sperimentare con il cinema green screen, sto iniziando a vedere alcune possibilità nel raccontare storie. Ho dovuto chiudere la pre-produzione del mio ultimo cortometraggio Hunger-strike, a causa del covid-19, quindi spero di poter riprendere a lavorare su quel film. Nel prossimo futuro sto finendo e pubblicando parte della musica che ho composto durante il lockdown per il covid-19 e di lavorare con video musicali anche per la mia musica.